El fin del mundo... otra vez

¿Alguna ves has pensado cuando será el fin del mundo? Bueno no has sido la única persona con esas inquietudes. El fin del mundo siempre ha sido un tema muy controversial, hace poco en el 2012, el mundo iba a llegar a su final porque eso era lo que indicaba el calendario maya. Es probable que ellos se hayan cansado de hacer calendarios, porque ha de ser difícil hacerlos en piedra y mas cuando ahora está todo al alcance de la pantalla de nuestro celular. Pero, no obstante en 741 a.C. los habitantes de Roma pensaron que el mundo se iba a acabar, al igual que en 634 a.C. porque sabemos que el mundo tampoco se acabó en esa fecha.  Lo mismo pasó con la predicción de Jesús de Nazaret, Juan (el autor del apocalipsis) y History Channel  (al presentar la teoría de la mitología Vikinga). Ahora despedimos el año 2014, lo que me hace pensar en cuantas obras de artes reflejan este temido día del fin del mundo y el juicio final. 

Así que vamos a repasar algunas obras relacionadas al fin del mundo. Uno de las obras más relevantes lo es el Apocalipsis de Alberto Durero, todo una serie de grabados dedicados a este magnum evento, cuando en 1500 iba a terminar el mundo otra vez.  El mundo sigue aquí y por fortuna las obras de Durero también, estas son muy importantes porque en ellas se ve como el artista mejora sus habilidades como grabador y como impone con sus siglas lo que hoy conocemos como el "copy right".

Por su puesto que si se habla de Apocalipsis no se puede dejar sin mencionar, El Juicio final, del "poco conocido artista" Miguel Ángel. Esta obra se encuentra en la Capilla Sixtina, y cubre toda una pared , ya que es un fresco que fue pintado en la época del renacimiento, las figuras que en este aparecen estaban originalmente desnudas, pero luego de la muerte del papa Julio III fueron tapadas. Lo que debió haber sido trabajoso porque  el fresco es un tipo de arte que se hace con la misma mezcla que forma la pared, por lo cual hubo que romper pedazos de pared y rehacerlos solo para tapar ciertas partes de las figuras.

No obstante, El Greco, 1608-1614, tuvo una visión muy particular sobre el Apocalipsis. Una pintura al óleo representa la apertura del quinto sello.  

Como pueden ver aparentemente el mundo se ha acabado varias veces, pero eso no es todo, todavía hay teorías futuras, según Newton y sus cálculos basados en la Biblia, proponen que el mundo se acabará otra vez en el 2060.  Para Michel de Nostradamus esto sucederá en 3,797. Realmente nadie lo sabe son solo especulaciones y cálculos de quien sabe donde, al momento todos han fallado, pero el arte siempre ha estado para brindarnos una idea de lo que cada quien imagina acerca del temido Juicio Final. Ahora tendremos que estar a la espera de las nuevas inventivas del arte ante las nuevas fechas y teoría, porque a ver como pintan el Apocalipsis zombie.

Arte de la Edad Moderna

Los siglos 15-18 fueron testigos de una gran revolución en la vida del arte puesto que surgió el arte de la Edad Moderna y junto con este se dieron: el establecimiento del absolutismo, descubrimientos geográficos (conlleva al colonialismo), invención de la imprenta, surgimiento del protestantismo y el nacimiento del humanismo como tendencia cultural. Con este trasfondo, en el campo artístico surgieron 5 estilos o movimientos (Renacimiento, Manierismo, Barroco, Rococó y Neoclasicismo) que reinventaron y transformaron  la concepción del arte como manifestación humana. A partir de esto se comenzó a hacer estudio del arte tal como lo hizo Vasari en su texto Vidas, documentando la historia del arte a través de biografías de artistas. Winckelmann analizó la evolución estilística mediante las civilizaciones.  

Primavera de Sandro Botticelli

Para el siglo 15 surge el llamado renacimiento en Italia, que a finales de siglo e inicios del próximo se difundió en Europa. Este estilo supuso un renacer del arte clásico grecorromano puesto que durante el periodo medieval se reinterpretó y se desarrolló uno impregnado de la religión nueva (cristianismo). El renacimiento tomó su inspiración de la naturaleza y permitió el desarrollo de nuevas formas de representación (ej. la perspectiva) sin dejar atrás el tema religioso. El ser humano y su entorno adquirieron mayor importancia al momento de hacer representaciones. Surgieron nuevos temas como la mitología y la historia, además de nuevos géneros como el bodegón (se representan animales, flores entre otros objetos naturales o hechos por el hombre en un espacio determinado), el paisaje (representación de escenas de la naturaleza) y el desnudo en las obras de arte. A diferencia de la época medieval, la edad moderna tuvo una concepción más racional de la belleza que tenía como base la armonía y la proporción de las partes en la representación. 

Les cuento que en el campo de la arquitectura fueron rescatados los modelos clásicos como el arco de medio punto, la bóveda de cañón, la cúpula de media naranja y los órdenes. Al momento de diseñar una obra arquitectónica tenían como base las proporciones matemáticas para la perfección de las formas, resaltando la importancia de la luminosidad y claridad de los espacios. Para este entonces sobresale la arquitectura realizada en Florencia como lo es la cúpula de Santa María del Fiore de Fillipo Brunelleschi. Sin embargo, durante el siglo 16 Roma se posiciona como centro artístico y el Palacio Farnesio de Antonio da Sangallo es un excelente ejemplo. Por otra parte, la jardinería adquirió fama siguiendo un diseño estructurado. De ahí, surgió el jardín italiano cuya composición fue geométrica y construido sobre terrazas con escalinatas como Villa Madama de Rafael. 

Santa María del Fiore de Brunelleschi

Palacio Farnesio de Sangallo

Villa Madama de Rafael

Al ser rescatado el estilo clásico, la escultura renacentista tuvo como objetivo la representación perfecta idealizada. Sin embargo, para el siglo 16 la elegancia de las curvas y lo esbelto de las proporciones quedaron atrás. En su mayoría, la escultura fue trabajada en mármol y bronce con la preferencia por la forma monumental. Se desarrolló el género del retrato tanto en bustos como en figuras ecuestres. La escultura de Judith y Holofernes de Donatello muestra claramente el tipo de representación que se trabajó. 

Judith y Holofernes de Donatello

La pintura renacentista se carcterizó por ser naturalista y por las temáticas mitológicas o profanas junto con las religiosas. Con los estudios de perspectiva (cómo se va a utilizar el espacio) realizaron obras con excelentes efectos realistas, tomando como base las proporciones matemáticas. Se empleó el uso del fresco (pintura sobre una superficie cubierta con dos capas sobre la cual se aplican los pigmentos aún cuando la segunda capa está húmeda) y el temple (pintura en la cual el disolvente del pigmento es agua y el aglutinante o temple es algún tipo de grasa animal, huevo, caseína o glicerina) e introdujeron el óleo por influencia flamenca. Otra técnica utilizada fue el sfumatto o perspectiva aérea (se refiere a una notación de sombra sin línea) desarrollada por Da Vinci, convirtiéndose en uno de los principales exponentes. Rafael es otro exponente que se destacó por ser un maestro en el clasicismo con una ejecución pictórica perfecta, lo que se ve claramente en los frescos de las Estancias del Vaticano. 

La Virgen de las Rocas de Da Vinci

Adán y Eva, Estancia del Sello de Rafael en el Vaticano

En este tiempo surgieron unas clases adineradas que le dieron auge a las artes industriales como la ebanistería y la técnica de la intarsia, que con embutidos de madera de varios tonos produce efectos lineales o imágenes. Se desarrolló la tapicería en bocetos que los pintores como Bernard van Orley desarrollaron. En la cerámica consiguieron tonos brillantes y de gran efecto con barnices vidriados. El vidrio fue decorado con hilos de oro o con filamentos de vidrios de colores. En la orfebrería resaltaron los esmaltes y camafeos, siendo desarrollada por escultores como Lorenzo Ghiberti. Las técnicas de grabado en su mayoría fueron perfeccionadas con la aparición de las artes gráficas que vinieron a raíz de la invención de la imprenta. 

El arte renacentista fue uno que rescató el clásico para perfeccionarlo con nuevas técnicas de representación y para revolucionar la historia del arte. El próximo viernes los espero con el manierismo y la revolución artística que supuso. Hasta la próxima. 

Recuerden que pueden compartir los temas de Arte Espacio y visitar la página de facebook y twitter. 

Para que sepas...

El imperio Bizantino sobrevive la caída del Imperio Romano y perdura hasta la conquista de Constantinopla en 1453 por los turcos otomanos. El arte bizantino es heredero del helenístico y abarca las tradiciones artísticas orientales, entrando en Europa donde influye en el arte románico y prerrománico. El mismo cuenta con 3 fases: siglo VI, siglo IX-toma de Constantinopla y siglo XIV. Su arquitectura se caracteriza por emplear la piedra y el ladrillo, acompañado de recubrimientos externos de placas de piedras con relieves y con interiores de mosaico. Predomina el uso de columnas con capiteles cúbicos decorados con relieves a dos planos. Utilizaron el arco de medio punto y la bóveda con cúpula. La estructura más utilizada fue la de planta centralizada que cuenta con un atrio de entrada, nártex (atrio separado de las demás cámaras), presbiterio y coro al fondo, con dos cámaras laterales y altar bajo un baldaquino (cuatro columnas que sostienen una cúpula cuyo uso es cobijar un altar). Un ejemplo lo es la iglesia de los Santos Sergio y Baco, de Santa Irene y Santa Sofía en Constantinopla. 

Santa Sofía, Constantinopla

Las artes figurativas bizantinas tienen influencia paleocristiana y helenística, y como muestra están los musivarios de San Demetrio de Salónica y San Vital de Rávena. Para el siglo IX establecieron la estética e iconografía, enfatizando la simbología en las imágenes y realizando figuras estilizadas y con perspectiva jerárquica (tamaño de la figura varía según su importancia religiosa). La escultura era en relieve sobre marfil o piedra, resaltando las imágenes de la consagración imperial. Por otro lado, la pintura sustituye al mosaico, pero mayormente los íconos de pintura realizados sobre tabla. Este arte es una extensión del paleocrcistiano y el germánico que recibe la influencia de éstos y con sus conocimientos y materiales lo va enriqueciendo. 

San Demetrio en Salónica

 

Arte Medieval

En la vida del arte hubo un suceso histórico que marcó una nueva etapa y se  reflejó en las producciones artísticas que aparecerán a partir de aquel momento histórico. Cuenta la historia que hace siglos atrás Europa presenció la caída del Imperio Romano y junto con esto el nacimiento de la Edad Media. La misma es conocida como una etapa de decadencia política y social debido a que se le dio  paso al sistema feudal que descentralizó y difundió el poder, surgieron los estados a partir de la fragmentación del imperio y distribución de territorios administrados por la burocracia del imperio romano. Durante esta época, la producción artística clásica fue  reinterpretada por las culturas dominantes y en su mayoría fueron representaciones impregnadas por la nueva religión: el cristianismo. 

Los primeros seguidores del cristianismo desarrollaron el arte paleocristiano que inicialmente fue de forma clandestina porque eran perseguidos por el poder imperial, pero con la conversión del emperador romano Constantino el cristianismo se convirtió en la nueva religión. Esto supuso una variedad de estilos artísticos por las diferentes zonas. La arquitectura que desarrollaron se destaca por las famosas catacumbas (cementerios) que sirvieron de lugar de reunión para los perseguidos. Una vez se instaurado el cristianismo como religión oficial construyeron la basílica. La misma consta de una adaptación de los edificios romanos de función civil a una religiosa. Su estructura se divide en 3 partes: el atrio de acceso, el cuerpo que se divide en tres naves (espacio entre dos muros o filas de columnas) y el presbiterio que cuenta con el altar. La Basílica de San Pedro del Vaticano es el ejemplo más famoso de este tipo de estructura. 

Catacumba de San Calixto

Basílica de San Pedro

Los sarcófagos fueron las esculturas destacadas de este entonces que fueron evolucionando de decoración ornamental simple con molduras cóncavas hasta narración de varias escenas en el friso. La pintura se presenció en las catacumbas, las cuales mostraban escenas religiosas y alegóricas. La miniatura por su parte, impregna los manuscritos  y surgen dos escuelas: la siria y la helenística-alejandrina. El mosaico adquirió relevancia a tal grado que influyó en el arte bizantino, dejando su huella histórica en Santa María la Mayor de Roma. No obstante, el arte se va a ver en  la literatura cristiana que fue desarrollada en latín y griego y se orientó a elaborar el Nuevo testamento. La música  cristiana es sucesora de la romana y la emplean en la misa. 

Sarcófago

Pintura de la Virgen y el niño en una catacumba

Mosaico de la Coronación de la Virgen en la Basílica de Santa María la Mayor

Ahora, les cuento que el Imperio Romano fue invadido por pueblos germánicos que provocaron la fragmentación de territorios y se convirtieron en la clase dirigente, subsistiendo la cultura romana en la clase humilde. A partir de este evento surgieron las lenguas vernáculas y crearon nuevas entidades politicas y culturales que conformarán las múltiples nacionalidades que actualmente existen en Occidente. El arte germánico consta de una arquitectura que partía de las instalaciones y materiales romanos, basándose en el arco de medio punto (arco con forma de semicírculo en la parte superior) y la bóveda. Los ostrogodas (pueblo germánico) realizaron unas construcciones como el Mausoleo de Teodorico en Rávena. A nivel escultórico implementaron el relieve como atestigua Poitiers en Francia. La pintura que realizaron fue en miniatura y la misma se puede ver en los sacramentos de Luxeuil Gelasiano del Vaticano.

Arco de medio punto

Mausoleo de Teodorico

Pórtico del mosaico de San Pedro en Francia

Pintura germánica

Dentro de los pueblos germánicos, los visigodos (Península Ibérica) se destacaron por su arquittectura caracterizada por el uso de  sillería, arco de herradura (arco semicircular en forma de herradura) y bóveda de cañón (posee una sección semicircular que resulta de la prolongación de un arco de medio punto de forma longitudinal) o de aristas (intersección de dos bóvedas de cañón perpendicularmente). Realizaron tres tipos de iglesias: basilical con tres naves (San Juan de Baños en Palencia), basílica de una nave con cámaras laterales (San Pedro de la Mata, Toledo) y basílica de cruz griega (Santa Comba de Bande, Orense). Su escultura es figurativa y particularmente realizada en frisos y capiteles como se ve en Zamora en San Pedro de la Nave. Estos se destacaron en la orfebrería haciendo coronas y cruces mayormente como los hallados en Guarrazar.  Luego de estos vendrán una serie de estilos independientes que surgieron en el año 800-1000 que internalizaron el estilo románico.

Arco de herradura

Bóveda de aristas

San Juan de Baños en Palencia

San Pedro de la Mata en Toledo

Santa Comba de Bande en Orense

San Pedro de la Nave

Corona hallada en Guarrzar

Estas manifestaciones artísticas paleocristianas y germánicas sentaron  las bases que influenciarán e impregnarán las producciones que otras culturas (bizantina, islámica, etc.) realizarán, convirtiéndose en extensiones innovadoras y enriquecidas de las iniciales. El arte medieval fue uno reinterpretado e impregnado de simbolismos religiosos en las escenas. 

Nos vemos el próximo viernes con arte de la edad moderna para continuar nuestra travesía. Recuerden visitar Arte Espacio en facebook y Twitter y que pueden comentar acerca de cada artículo que publico. Chao. 

Arte Clásico

En un lugar muy lejano, conocido por unas manifestaciones artísticas que revolucionaron el curso del arte, surgieron unas culturas que hicieron posible la evolución de esta actividad humana por medio de la arquitectura, escultura y pintura. Ese lugar es Grecia. En esta ciudad, cuna de civilización, emergieron dos culturas, la minoica y la micénica, las cuales dejaron su legado artístico plasmado por doquier. El arte que desarrollaron se basó en el naturalismo (representación de la realidad objetiva), medidas y proporciones racionales y sentido estético. El mismo evolucionó en tres etapas: arcaica, clásica y helenística, perfeccionando la representación del cuerpo humano.  

El Partenón

Estructura del Partenón

Órdenes griegos

El Partenón es un magnífico ejemplo de la arquitectura griega, dentro de la cual se destacaron los templos y los tres órdenes de construcción: dórico, jónico y corintio. Los templos eran construidos en piedra sobre una base, algunos con pórtico y otros con columnas (frontales, laterales o alrededor del edificio). En la parte superior de los mismos se hallaba el frontón (acabado triangular de una fachada) y en este un friso (banda que se encuentra en la parte inferior o superior de una pared) decorado con relieves. 

Para los griegos el cuerpo humano era de suma importancia al momento de llevar a cabo una representación, es por tal razón que en la escultura este predomina fuertemente. Durante el periodo arcaico las figuras eran rígidas, esquematizadas y de expresividad evidente por la sonrisa eginética (sonrisa tipo mueca). En el templo de Afaia en Egina se encuentran hallazgos de esta manifestación. También, están los llamados kouros o estatuas de atletas desnudos y las koré o muchachas con vestimenta. Ya para el siglo quinto a. C. comienza la etapa clásica, donde el canon de las proporciones corporales se perfecciona, hay más naturalismo y un estudio de las expresiones anímicas de las figuras que se representaron. De ahí que más tarde comenzaran a enfatizar más en la expresión en lugar de la tradicional serenidad natural. El énfasis en la expresión se desborda en el periodo helenístico. Para este entonces, se deja que la figura se recargue en una parte de sí misma, aparece la sinuosidad (encorvamiento), las formas violentas y la expresión de los sentimientos. Todos estos avances son presenciados en la escultura de Laocoonte y la Venus de Milo. 

Kouros y Koré

Discóbolo de Mirón

Venus de Milo

Laocoonte y sus hijos

No obstante, los griegos les interesaba representar escenas de la vida cotidiana, históricas o mitológicas para este propósito escogieron el medio de la pintura sobre cerámica. Todas las figuras negras sobre fondo rojo fueron realizadas hasta el siglo sexto a.C., mientras que las figuras rojas sobre fondos negros se hicieron a partir del siglo sexto.  Los griegos hicieron grandes aportaciones a la literatura como los géneros literarios, los mitos, la poesía entre otros. Fueron los que dieron origen al teatro y con ello el nacimiento de grandes dramaturgos, incluso desarrollaron su propia música. 

Pinturas hasta el siglo sexto a.C.

Pinturas después del siglo sexto a.C.

Los romanos por su parte desarrollaron un arte que logró trascender a Europa, África y el Próximo Oriente. Este imperio se destacó por su arquitectura práctica y utilitaria, una que se reflejó en construcción de carreteras, puentes, acueductos, templos, palacios, teatros, anfiteatros, circos, arcos de triunfo entre otros. A diferencia de la arquitectura griega, los romanos añadieron el uso del arco y la bóveda, empleando la sillería (estructura hecha con piedra labrada en varias de sus caras), ladrillo y mampostería (sistema de construcción en el que se erigir muros y paramentos, colocando manualmente los materiales que los componen). A los órdenes griegos añadieron el toscano de fuste liso y capitel con collarino y ábaco cuadrado. El Coliseo, el Panteón de Agripa y otras estructuras muestran estos avances arquitectónicos romanos. 

El Coliseo Romano

El Panteón de Agripa

Al igual que la escultura griega, la romana también se enfocó en la figura humana, pero con una representación mas realista, mostrando defectos a la vez que rompieron con el idealismo griego. El retrato fue un género muy utilizado, con énfasis en los detalles y fidelidad en los rasgos. Emplearon el uso del trépano (herramienta que permite taladrar y hacer perforaciones más profundas) para producir claroscuro y grabar las pupilas. Los romanos destacaron el uso del relieve en escenas históricas y religiosas como se aprecia en la Columna Trajana y el Arco de Tito. 

Emperador Trajano

Columna Trajana

Arco de Tito

Pompeya fue el lugar donde se hallaron restos que evidencian la pintura romana y los cuatro estilos que utilizaron. El estilo de incrustación o revestimiento en mármol, el estilo arquitectónico que imita la arquitectura, el ornamental con arquitectura fantástica, guirnaldas y amorcillos (querubines), y el fantástico que combina el arquitectónico y el ornamental con paisajes imaginarios, escenas mitológicas y variaciones en las formas arquitectónicas. Desarrollaron el mosaico de formas geométricas con piezas pequeñas que forman escenas figurativas como La batalla de Isos en Nápoles. Los romanos se destacaron en la literatura desarrollando el concepto de estilo literario y emplearon un teatro mezclado con música y danza. 

La batalla de Isos

Fresco encontrado en Pompeya

Grecia y Roma fueron las ciudades que con los adelantos científicos,  estéticos y materiales  que tuvieron, desarrollaron lo que se conoce como arte clásico. Con esto aportaron en la historia del arte  el naturalismo y la figura humana, predominando el equilibrio, la racionalidad de las formas, el volumen y mímesis (imitación de la naturaleza). Con estos elementos se establecieron las bases del arte occidental  y más adelante veremos la fuerte influencia que tienen en las manifestaciones de otros periodos. 

Para que sepas...

Los griegos desarrollaron una modalidad de música llamada ditirambo, la cual se relaciona con el culto a Dioniso. 

Los espero el próximo viernes detenernos a conocer el arte medieval. Recuerden visitar Arte Espacio en facebook y twitter. Hasta la próxima.