viernes, 20 de noviembre de 2015

Un poco de todo

Al momento de hacer una obra de arte hay otro aspecto a considerar durante ese proceso de concepción del objeto de arte. Es aquí cuando el artista decide qué va a representar en un medio determinado. Se trata de elegir o concebir el tema que influirá en la composición de la obra. Entre los temas del arte se encuentran los siguientes. 


La figura humana refiere al estudio del cuerpo desde distintos ángulos de visión para explorarlo de la forma más vasta posible. Este campo del cuerpo humano viene desde la antigüedad, tanto persas, sumerios, egipcios, griegos y demás culturas trabajaron el tema. Tomándolos como punto de partida y pasando por los distintos periodos artísticos se aprecia la figura humana en muchas de las obras. Ejemplos de ello lo son la escultura de Gudea de Lagash y la Venus de Urbino de Tiziano.

Gudea

Venus de Urbino

Otro lo es la naturaleza muerta o bodegón que representa objetos inanimados naturales o creados tomados de la vida diaria. De ahí que se pinten frutas, flores, utensilios, recipientes, etc. El Bodegón con aguacates de Francisco Oller y Cesteros es un buen ejemplo. 


Uno de los temas más recurrentes en el arte es el paisaje que muestra una extensión de terreno de un espacio específico. Es aquí cuando la naturaleza acoge el rol protagónico y acapara la composición. Se trata de representar la idea de esa naturaleza que nos es perceptible y como resultado obtenemos un fragmento de la totalidad de la misma. Un aspecto importante es que cada artista guía la mirada en la composición, es por ello que se dan convenciones variadas del paisaje que se muestran a continuación. 


El histórico trabaja eventos de la historia como lo hace Pierre-Henri de Valenciennes con Cicerón descubriendo la tumba de Arquímedes, mientras que el ideal es ese lugar sereno, general y bello como se ve en Paisaje con Psyque y Júpiter de Paul Bril y Pablo Rubens. El puro enfatiza en la naturaleza como presenta Frederick DeBourg Richards en Paisaje de Filadelfia y el marino o seascapes retrata escenarios asociados a la vida marítima como puertos, bahías, etc. como es el caso de Regatta at Sainte-Adresse de Claude Monet. 

Cicerón descubriendo la tumba de Arquímedes

Paisaje con Psyque y Júpiter 

Regatta at Saint Andresse


El onírico resalta el mundo de los sueños traducido en La persistencia de la memoria de Salvador Dalí mientras que, el vedutismo o veduta son vistas de la ciudad muy bien trabajadas por Canaletto en Vista del Palacio Ducal. El plenairismo implica pintar el paisaje al aire libre como lo hace Winslow Homer en Artistas pintando en las Montañas Blancas

La persistencia de la memoria

Vista del Palacio Ducal

Artistas pintando en la montaña blanca


Los skyscapes son representaciones de cielos en pinturas o fotografías como hace Dennis Mammana en Cascade y los riverscapes muestran este cuerpo de agua tal como lo hace Annibale Carracci en River landscape. Cityscapes o paisaje urbano son los que denotan la diferencia entre tamaño y densidad urbana como se aprecia en Vistas del Delf  de Johannes Vermeer. 

Cascade

River landscape

Vistas del Delf


Hardscapes se refiere a las estructuras incorporadas al espacio urbano como aceras, áreas pavimentadas, calzadas, muros de contención, etc. Central Park en Nueva York es un buen ejemplo de ello. Otra vertiente lo es el paisaje aéreo que provee una vista desde arriba del lugar como se ve en la obra de Jorge Espinosa Chacón Paisaje aéreo. Por último, el selvático es uno que muestra la naturaleza indómita que corresponde a una tradición paisajista en Estados Unidos. Un ejemplo lo es The Voyage of Life: Youth de Thomas Cole. 

Central Park

Paisaje aéreo

The Voyage of Life: Youth


Otro tema muy utilizado desde la Edad Media es el arte narrativo que se encarga de contar episodios o eventos a la población a través del arte. Desde la Edad Media se empleó para llevar el mensaje a las personas analfabetas sobre las historias relatadas en las sagradas escrituras de la Biblia. Un buen ejemplo lo es la obra de Duccio Jesús entrando a Jerusalem. Siguiendo esa línea del arte narrativo, el religioso se encargó de hacer imágenes y obras sobre figuras, paisajes, eventos, acciones importantes para destacarse y hacerlas llegar a la gente. La Lamentación  de Giotto es una muestra de ello. 

Jesús entrando a Jerusalem

Lamentación


Por otra parte, aparece el arte figurativo que se encarga de hacer representaciones de objetos reconocibles ya sean los mismos realistas, idealizados, distorsionados pero reconocibles entre otros. Cuando se habla de una obra realista es aquella que muestra una representación lo más fidedigna de la realidad de ese objeto como es el caso de El taller del pintor  de Gustav Courbet. Mientras tanto, cuando se idealiza se apunta más a la perfección o a una imagen de ella como sucede en la Monalisa de Da Vinci. Sim embargo, cuando se habla de distorsión en muchos casos se incide sobre la forma del objeto o se cambian algunos elementos que se identifican con él. Como ejemplo de ello es Un bar en la Folies Bergeré de Manet. 

El taller del pintor

La Monalisa

Un bar en la Folies Bergeré


El arte abstracto, por su parte, es el que no representa nada de la realidad ni de la naturaleza sino que va en busca de algo más allá. La abstracción no necesariamente implica no figuración puesto que hay figuras que rompen con el ilusionismo pictórico y su capacidad de crear un engaño por medio de la perspectiva lineal, la anatomía y la luz y la sombra. Un ejemplo de este arte lo es Composición en rojo, amarillo, azul y negro de Piet Mondrian. 




En última instancia, el arte efímero que refiere a obras que no son permanentes sino fugaces y no perdurables en el tiempo como el performance, el hapenning entre otros. Liberación de 1001 globos azules de Yves Klein es un buen ejemplo de este arte. Sin lugar a dudas, el arte cuenta con una variedad de temas que han permitido dotar a sus obras de ese carácter singular que deja una huella imborrable en la memoria. 




La próxima semana Arte Espacio tendrá una nueva historia para contar que no se deben perder. Recuerden visitar a este su blog favorito en las redes sociales y compartir la información con los demás. ¡Hasta la próxima! ¡Gracias!

martes, 10 de noviembre de 2015

Parte del proceso

Una obra de arte si bien es el producto de un proceso creativo-intelectual en el que inciden la cultura, la sociedad, la política, la economía, la religión y el ámbito personal de quién la realiza. Como parte de este proceso hay ciertos aspectos que el/la artista toma en consideración cuando concibe la obra. Al momento de planificar el diseño de la pieza artística, estos aspectos son de suma importancia porque dictan, en conjunto con los elementos del arte, cómo será trabajada la composición. Entre los fundamentos del diseño se encuentran los siguientes. 

La unidad refiere a esa relación entre las partes de un todo. Por consiguiente, es necesario organizar los elementos para que formen ese todo unificado y se pueda transmitir el mensaje. A veces en una pieza artística es traducida a un aspecto que es igual y se repetitivo.

La misma trabaja muy de cerca con la variedad, que designa a lo variable dentro de ese orden establecido por la unidad. Con ello se crea un contraste ya que es lo distinto y particular dentro del todo. De esta forma, ambos logran dar ese sentido coherente de los elementos de la obra y proporcionar armonía a la misma. 

El Juramento de los Horacio de David es un ejemplo de unidad reflejada tanto en las formas arquitectónicas y la organización de las figuras, mientras que la variedad aparece en la postura incómoda de la figura central. 

Por medio del balance el artista dota a su creación de una distribución equitativa del peso de la composición. Se trata de fuerzas opuestas operando para lograr unidad por medio de la compensación del peso en la obra.  

En la Tienda Gersaint de Watteau se muestra el balance por medio de figuras femeninas en primer plano: una de blanco y otra de rosa. 

Cuando el artista le interesa captar nuestra atención trabaja sobre un aspecto, haciéndolo resaltar sobre los demás en la composición y es aquí cuando aparece el énfasis. El énfasis es el recurso que le permite emplear ese algo que atraerá las miradas de los espectadores. Para que funcione deben haber elementos de subordinación, es decir, eso que es menos visible, que hace que nuestra mirada se dirija al énfasis. Ambos se complementan para lograr la obra de arte.

Mezzetín de Watteau el énfasis es en la figura masculina y la figura femenina del fondo es la subordinación. 

La escala apunta al tamaño con relación a un estándar, es ese tamaño normal establecido. Con la escala es posible establecer diferencias, relaciones, jerarquías, etc. Entrelazado con ella aparece la proporción o la relación del tamaño entre las partes de la composición. Es por medio de ambas que se puede acentuar aún más el mensaje que se quiere llevar. 

La Paleta de Narmer es un ejemplo de escala y proporción traducido en la figura del faraón y el sirviente a la izquierda. 

A través de la sucesión y alternación de formas se logra el ritmo que se afianza en la repetición de algo en particular y es por este medio que se  provee movimiento a la composición. 

El bucintorio, día de la ascensión de Canaletto muestra el ritmo y movimiento en las figuras y remos del barco. 

Estos fundamentos del diseño forman parte esencial de ese proceso creativo que resulta en una obra de arte. Denotan un proceso bastante complicado y que requiere de esfuerzo, dedicación y estudio. 

La semana entrante Arte Espacio viene con nuevas cosas por contar, no te lo pierdas. Recuerden visitar el blog en las redes sociales y compartir la información. Hasta el próximo viernes. Chao.  

miércoles, 4 de noviembre de 2015

Retorno necesario

Como hemos ido observando a lo largo de nuestra travesía por la vida del arte podemos apreciar que el mismo se encuentra en muchas partes desde fotos hasta murales en las calles. Es por su capacidad de ser un vehículo de la manifestación humana y la necesidad de dejar esa huella en la historia lo que lo hace tan significativo e importante. Además, de que, en cierta forma, es el reflejo del progreso del “hommo sapiens” a lo largo de su desarrollo. El arte se vale de muchos medios para llegar a nosotros como lo son los siguientes.

El medio por excelencia siendo la base para los demás es el dibujo. El mismo denota la acción de trazar una figura, forma, etc. bidimensional o tridimensional en una superficie por medio de un instrumento. El soporte sobre el cual se realiza puede variar ya sea desde papel, lienzo, paredes hasta un dibujo computarizado hijo de las nuevas tecnologías. El instrumento con que se realiza bien puede ser lápiz, grafito, carbón, crayones, estiletes, etc. Lo relevante del dibujo es su capacidad para plasmar visualmente una idea, objeto entre otros. 

Cabeza de mujer joven de Da Vinci

En ciertas ocasiones, partiendo del dibujo inicial que sirve como boceto o preliminar a la obra terminada prosigue la pintura. Se trata del acto de representar a través de una superficie plana algún objeto visible o imaginario y también permite sugerirlo por medio del uso de la línea y el color. Para pintar se utiliza el óleo, el acrílico, los pigmentos, etc. para trabajar el elemento del color. El instrumento usual, pero no el único, es el pincel. Hoy día se emplean esponjas, espátulas, brochas entre otros para crear los efectos particulares que cada artista decide imprimirle a su obra. 

Baile en la ciudad de Renoir

Con un grado de complejidad por el trabajo manual arduo que amerita aparece la escultura. Cuando se habla de escultura se alude al proceso de moldear, tallar y esculpir en tres dimensiones desde objetos hasta figuras de animales y humanas. Los materiales usuales son barro, mármol, madera, piedra, metal y cualquier otro material en base al criterio del artista. Los instrumentos por excelencia son cincel, martillo, puntero, etc. La escultura es el mayor reflejo de la tendencia humana a imitar.

La Piedad de Miguel Ángel 

La arquitectura es otro medio que requiere mucho del dibujo para sus grandiosas construcciones. Es un arte orientado a diseñar y construir, pero sobre todo, como expuso Vitruvio para el 20 d.C., se trata de concebir espacios duraderos, útiles y bellos. Toda obra arquitectónica debe ser duradera, funcional y bella. Además, tiene la capacidad de ordenar y transformar cualquier espacio en uno con sentido. De esta forma, se ordenan las cosas espacialmente para darle un significado a la estructura. La arquitectura traduce muy bien la necesidad humana de diferenciar, marcar y apropiarse del espacio. 

Iglesia San Carlos Borromeo de Fisher

El grabado es un medio similar al dibujo con la diferencia de que se trabaja sobre una matriz que se raya, se entinta y se presiona sobre un soporte para obtener una impresión. Es múltiple porque puede reproducirse, pero la misma produce una matriz original a partir de la cual se hacen reproducciones. Cuenta con una variedad de técnicas como la xilografía que se trabaja sobre madera, el intaglio que se hace sobre metal, la litografía que se practica sobre piedra y la serigrafía que refiere a un estampado sobre cualquier material por medio de una pantalla de seda o tela de metal fina. Este medio requiere de una precisión al momento de trabajar sobre el material para obtener la impresión final. 

Adán y Eva de Durero

El medio más popular de nuestros tiempos lo es la fotografía que se obtiene por medio de la acción química de la luz sobre un material fotosensible que captura el momento. Tiene su origen con la cámara obscura que designa a un cuarto oscuro en el cual se abría un espacio para que entrara la luz y poder obtener la imagen. La fotografía es un medio democrático que permite el acceso a la imagen propia  y por consiguiente a la fantasía puesto que previo a la existencia de la fotografía solo los adinerados tenían acceso a su imagen por medio de retratos que comisionaban a artistas. Es revolucionaria ya que no se ata al objeto ni al lugar, además de que el lente de la cámara capta lo que esté a su alcance. Implica la reproductibilidad de la copia y esa accesibilidad a la imagen. 

Castillo San Cristóbal en Puerto Rico 

Hijo de la fotografía, el cine es la proyección sucesiva de fotos impresas sobre una cinta. Es un medio que destaca por su capacidad de crear movimiento a través de la fotografía, la proyección y la persistencia de la visión con respecto a una imagen. Su unidad mínima es el fotograma o fotografía individual. Incluso, es un medio colectivo puesto que se ve y se disfruta en colectividad. 



Finalmente, son estos medios los que han hecho posible la difusión del arte como esa manifestación humana. Los mismos fungen como testigos de la evolución humana y su mundo. Es por medio del arte que conocemos infinidades de detalles sobre nuestro desarrollo a lo largo de los años en el planeta que habitamos. 

Arte Espacio los espera el viernes próximo con más y no se lo pueden perder. Recuerden visitar el blog en las redes sociales y compartir la información. Hasta la próxima. Chao.

miércoles, 28 de octubre de 2015

Aquí estoy

¿En algún momento escribiste tu nombre en algún lugar u objeto? Es probable que alguna vez durante nuestra existencia lo hayamos hecho o visto. Como testigo aparecen los pupitres, mesas y paredes en escuelas y espacios académicos que sirvieron como lienzo para mensajes, escritos y pintura. En estos espacios las personas expresan un sentir ya sea a través de un mensaje o dibujo, a tal modo que llega un momento en que acaparan el objeto completo. Quizás para algunos esto sea dañar propiedad escolar o algo por el estilo, pero cuidado podrías estar frente a una obra de arte y entonces, ¿quién daña quién? Esta modalidad que hoy día pervive nos conduce a un movimiento artístico muy polémico y revolucionario que ha hecho temblar al arte por sus propuestas.   

Hoy día paseando por las calles podemos ver una especie de museo extendido traducido en muros o paredes pintados que llaman nuestra atención. Estas expresiones urbanas, que son muy interesantes, muestran lo que se conoce como el grafiti. El término proviene del italiano “graffiti” o “graffire” que denota una marca hecha a base de rayar la superficie. Además, comparte su raíz con el vocablo latín “scariphare” que implica incidir con el punzón o estilete. Se trata de una expresión artística al aire libre que se hace fuera de museos, galerías entre otros para exponerse en un espacio público en el cual puede ser visto por todos los transeúntes. Su principal característica es la forma libre y creativa en que pinta puesto que no se ata a ninguna regla sino que permite la libre expresión del autor. 

Sus objetivos pueden ir desde artísticos, políticos, de protesta, sociales a simples mensajes. Es un arte que su finalidad primordial es expresar y divulgar ya que su esencia es el cambio y la evolución. Para lograrlo es realizado de manera gráfica y visual para impactar al espectador. Usualmente es anónimo y es considerado como una expresión cultural y popular aunque en algunos países es concebido como delito porque daña la propiedad privada. Sin lugar a dudas, es controversial esta forma de hacer arte. 

Sus orígenes se remontan a finales de la década del 70’ donde comienzan a aparecer nombres y números escritos en espacios urbanos a modo de crear una identidad alterna para la calle. Tal es el caso de Taki 183 que muestra el apodo de un joven y la calle donde residía. A partir de esta acción, se desata un “boom” donde todo mundo hace lo mismo que el joven. Seguido de esto se comienza a apreciar un cambio en la caligrafía de una muy legible a una difícil de entender en donde las letras van adquiriendo formas particulares y se pegan. El estilo de Broadway Elegant es un ejemplo de ello. Con esto se va creando ese estilo propio de cada artista urbano que denota una unidad donde todos hacen grafiti en diversidad porque le imprimen su estilo. Más adelante, a finales de los años setenta incorpora iconografía popular con elementos caricaturescos, comics, retratos y autorretratos por lo cual el tamaño aumenta considerablemente. 

Para los años ochenta en Nueva York (donde comienza a avistarse este movimiento para los 60’) se desata una guerra contra el grafiti donde la Metropolitan Transit Authority dedica sus esfuerzos a erradicarlo, logrando que descienda. Sin embargo, a mediados de la década del 80’ surge un segundo auge afianzado por el hip-hop que anima y hace resurgir el grafiti. Es para este mismo tiempo que llega a Europa bajo el nombre de “writing” gracias al hip-hop, el rap y el break dance tal y como sucedió en Nueva York. 

El grafiti es un arte que se adueña de los espacios e implica un acto de presencia que señala un reclamo social que denuncia temas políticos, sociales entre otros afianzado en el poder de impacto de la imagen a la vez que nos lleva al pasado donde el hombre primitivo con sus obras en las cuevas hacía un gesto similar. Cada vez que avanzamos el arte se encarga de hacernos ver que los orígenes son importantes en la evolución progresiva del mismo y el grafiti es un buen ejemplo de ello. 


Broadway style





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miércoles, 21 de octubre de 2015

Vulnerabilidad en cuestión

¿Qué es la guerra? ¿Por qué sucede? Hoy día cada uno de nosotros conoce la guerra, algunos por experiencia propia mientras que otros por medio de libros e imágenes de estos fatídicos incidentes que acaban y destruyen vidas. De hecho, el término per se provoca una sensación de crudeza, de horror, suena lúgubre hasta resultar bastante incómodo y difícil de tratar. Esta se da por múltiples y variadas razones, cada día se inventan una excusa para justificarla y afirmar poder o cualesquiera que sean los deseos de quién la propicia o incita. Ahora bien, ¿qué muestra? Cierto es  que la misma resulta en un escenario que exhibe ese lado oscuro de la raza humana. Es tal imagen la que impulsará a un grupo de artistas a desarrollar unas obras que marcan ese lado oscuro y a la vez lo frágil del ser humano.

Europa fue el escenario de este movimiento de finales de la década del cuarenta que perdura hasta los años 60. El informalismo se origina a partir del concepto arte informal empleado por el crítico francés Michel Tapié en 1951 durante una exhibición en París. Tuvo como punto de partida dos elementos importantes: el lenguaje abstracto y el papel central que desempeñaron los materiales. Si bien fue un estilo que dio una mirada al pasado e incorporó el collage del cubismo, lo fortuito y el azar del dada, los autómatas y aspectos psíquicos del surrealismo, y la atracción ferviente por todo tipo de material. Como arte de posguerra puesto que se desarrolla luego de la Segunda Guerra Mundial, acentuó la presencia de la personalidad del artista en la obra dándole un carácter muy particular. Así, se caracterizó por la exaltación de lo azaroso y la improvisación a la vez que rechazaba las construcciones previamente consideradas. 

Por otra parte, estuvo fuertemente vinculado con el existencialismo ya que lo tomó como base ideológica. Esta filosofía de Sartre argumenta que la existencia del ser humano precede a su esencia e impregna cada una de las manifestaciones culturales y artísticas. Además, tomaron en cuenta la fenomenología de la percepción de Merleau Ponty y su afirmación de que el describir las cosas permite descubrir estructuras trascendentales de la conciencia. Este movimiento, a pesar de su orientación abstracta no se aleja de la realidad, pero se dedica a la introspección, al ensimismamiento, a destruir las formas y a acabar con la idea de belleza, desnudo, armonía, etc. De esta manera, plantearon una nueva imagen del hombre y muestraron la fragilidad del mismo, enseñanza brindada por la guerra. 

Entre los artistas que destacan bajo el informalismo tenemos a Dubuffet quién se encarga de aplanar las figuras como lo hace en su obra El carnicero. Fautrier en sus obras desfiguró a las figuras, tal es el caso de Un testigo, mientras que Saura creó monstruos como se ve en Crucifixión. En España surgió una vertiente para los años 50 que se orientó al surrealismo y se dio simultáneamente en Barcelona y Madrid. Canogar con Cabeza número 1 y Millares con Guerrillero muerto son ejemplos de la tipología que experimentó el informalismo como estilo artístico. Finalmente, el informalismo vino a ser esa vuelta o regreso a los orígenes, a ese ser y trabajar como los primitivos hicieron en cuevas y como lo hacen hoy día los artistas del grafiti.  

 
El carnicero

 Un testigo 

La náusea 

Crucifixión 

Guerrillero muerto

Cabeza numero 1
 
Arte Espacio los espera el viernes próximo con más por conocer sobre el arte y no se lo pueden perder. Además, este blog tiene una nueva sección titulada Obra de la semana no dejen de echarle un vistazo a estas piezas artísticas de gran valor. Recuerden visitar Arte Espacio en las redes sociales y compartir la información. Hasta la próxima, chao.

miércoles, 14 de octubre de 2015

El encuentro

Como seres humanos que somos a diario nos relacionamos con otros ya que es parte de la vida. Si bien vivir en sociedad supone una interacción y relación con otro aunque sea en el grado más mínimo posible. De ahí que asistamos a reuniones sociales, por voluntad o por fuerza, que van desde simples fiestas familiares hasta eventos sociales como graduaciones, cumpleaños, entierros, juegos, etc. El sistema del que somos parte hace necesaria la interacción porque hasta para comprar pan o leche, de una u otra forma, interactuamos con quién nos atiende. Transportándonos al mundo del arte, la estética relacional nos conversa sobre ello. 

Para 1990 Nicolas Bourriaud da a conocer un libro cuyo título es Estética Relacional y que va a tener una fuerte influencia en el mundo artístico hasta decir basta. El concepto en sí designa la importancia de las relaciones entre y con los sujetos hacia quién se dirige la obra. Se trata de una dinámica artística que subraya las relaciones humanas y el contexto social en el que se desarrollan. De esta forma, se plantea al arte como medio para relacionarse, que son las obras quienes proveen el espacio y tiempo para las relaciones entre personas y la oportunidad de alejarse de la sociedad de masas con su ideología. También, plasma que el arte depende de la participación del observador para existir. Por consiguiente, este movimiento resalta la importancia del encuentro afianzado por un intercambio ilimitado entre sujetos. 

Las obras que componen este movimiento van de instalaciones a performances donde se plantea la propuesta artística, se da el espacio para relacionarse y se invita a la reflexión. Entre los artistas que trabajan este estilo se encuentra Thomas Hirschhorne quien a través de sus obras promueve la estética del encuentro y expone sus proyectos políticos y sociales. Gramsci Monument 2013, Crystal of Resistance 2011 y Concordia 2012 son muestra de su trabajo orientado a la denuncia política y social de la actualidad. En otra obra presenta una multiplicidad de objetos desechables conglomerados en una montaña a manera de invitar a una reflexión sobre la sociedad de consumo.
Otra artista que muestra esta concepción de lo relacional es Vanessa Beecroft que se dedica a trabajar con obras vivientes, que en su mayoría son mujeres desnudas, y presenta su reflexión sobre la mujer en el mundo contemporáneo tal como lo hace en VB01. 

Gramsci monument

Crystal of resistance

Concordia 

VB01

La estética relacional es un movimiento artístico cuyo énfasis reside en la experiencia del encuentro del observador con la obra y con otros espectadores que revoluciona nuevamente la historia del arte con sus planteamientos y acercamientos que resaltan la tendencia del arte a hacerse parte de la vida del ser humano. 

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