miércoles, 30 de septiembre de 2015

Casi una foto

La fotografía es un medio actualmente muy utilizado. Salimos y dondequiera que nos paramos nos tiramos una foto o retratamos algo en particular. De hecho es un medio muy útil en distintas esferas de la vida cotidiana desde universidades hasta evidencia ante un jurado. Se podría decir que las personas hoy día sienten un amor por las fotos y eso lo reflejan las redes sociales, que es donde más estas se proliferan. Si bien la fotografía capta un momento particular y lo congela para la eternidad. Por lo tanto tiene esa capacidad de capturar las cosas tal como se ven sin recurrir a los distintos efectos aplicables existentes. A groso modo la fotografía captura escenas de la realidad en que vivimos y de forma inmediata. 

Entre la década del 60 y 70 en Estados Unidos surgió un movimiento artístico cuya intención fue lograr una reproducción fiel, tipo fotografía, de la realidad. El hiperrealismo se concibió como el resurgimiento de la pintura figurativa que se esforzaba por representar las cosas tal cual las veía. Se trata de una figuración tomando como base la fotografía y su capacidad de traducir la realidad en un medio fotosensible. A este movimiento se le conoció también como nuevos realismos ya que pretendió esa representación fidedigna de la realidad. 

Son muchos los artistas que participaron bajo este movimiento y entre los cuales perfilan los siguientes. Audrey Flack en su obra Queen de 1976 traduce el hiperrealismo al pintar una vista desde arriba de una gaveta de cosméticos. Chuck Close por su parte muestra esa realidad por medio de un Autorretrato de 1968 presentando una pintura inmensa y muy real de sí mismo. Otro artista lo es Lucian Freud que en Benefits supervisor sleeping de 1995 muestra una mujer desnuda que duerme. Freud se dedicó a pintar mujeres que fueron sus parejas y las pintaba de forma ordinaria y no idealizada evidenciando la intimidad con la persona. Richard Estes se enfocó en trabajar temas urbanos y los reflejos sobre superficies tal como lo hace en Central savings de 1975, donde vemos una vista de la ciudad a través del cristal, el celaje de una persona, los rascacielos, bancos y demás estructuras típicas de la ciudad. Por último, en el ámbito de la escultura les presento a Ron Mueck quien se encargó de crear esculturas colosales como lo es In bed donde nos presenta una mujer acostada en su cama y el grado de realismo que le imparte a la escultura gigante. 

Queen

Autorretrato 

Benefits supervisor sleeping

Central savings



In bed

Este conglomerado de obras es una muestra del realismo logrado por estos artistas para representar el hiperrealismo que parece una fotografía o bien figuras reales. El trabajo extraordinario de ell@s es impresionante porque logran que la obra se vea muy real ante los ojos de los espectadores.

El arte con los nuevos realismos muestra su posición de avanzada y su aspecto revolucionario que seguirá sorprendiéndonos en la medida que avancemos en su trayectoria. Arte Espacio los espera el viernes próximo con otra historia que no se pueden perder. Hasta la próxima.

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jueves, 24 de septiembre de 2015

Universo de sensaciones

Es posible que en nuestros hogares exista un lugar recóndito donde va a parar todo. En cada casa se le nombra de distintas formas, pero en realidad es un cuarto donde se guarda todo tipo de cosas desde figuras hasta máquinas para hacer ejercicios. En esa habitación hay tantas cosas que podrías empezar a buscar algo hoy y encontrarlo mañana. Es una especie de triángulo de las Bermudas que en algunos casos está ordenado y en otros no tanto. De noche y a veces de día es el área 51 de nuestros hogares. Sí que nos gusta guardar cosas a nosotros los seres humanos. 

Para 1920 aproximadamente Kurt Schwitters presentó el concepto de Merz Bau que se refería a cuartos llenos de objetos que encontraba. Una vez los encontraba realizaba obras de arte uniéndolos, pegándolos a la pared o simplemente colocándolos proponiendo el cuarto como un espacio artístico. The Merz column de 1923 es un ejemplo de ello. Esta innovación de Schwitters sirvió de origen a lo que hoy se conoce como instalaciones.

El concepto instalación se acuña el 1969 para designar un género del arte que utiliza diferentes medios para presentar su proyecto de arte que bien puede ser temporal. Además, se caracteriza por que es consciente del espacio que utiliza para llevar a cabo la acción. La intención es lograr una experiencia expandida desde el punto de vista del observador. Se trata del arte como experiencia expandida o total para todos los sentidos sumergiendo al espectador en ella. Por consiguiente, es interactiva porque invita a ser parte de ella. De esta manera, se busca la intensidad de la sensación al entrar en contacto con ella. Así, el observador participa y valora la obra. 

Entre los artistas que realizan instalaciones se encuentran: Allan Mccollum, Carlos Schwartz, José Morales entre otros. Mccollum en Perfect vehicles de 1988 coloca unos objetos de diferentes colores sobre el suelo con la intención de que sean rodeados por personas para así incentivar la interacción. Schwartz en Ventanas ciegas dibuja con luces de neón y la intención es lograr una reflexión sobre el arte del momento en el espectador. José Morales en su exposición de Abecedario afectivo expone una cortina de machetes de madera de diversos tamaños que están colgados unos al lado de los otros y la intención es mostrar eventos o elementos de un Arte/sano al espectador.

Perfect vehicles

Ventanas ciegas


Arte/sano, abecedario afectivo

Una vez más el arte nos da una sorpresa con estas instalaciones que van más allá del objeto presente y pretenden ligarse y hacer reflexionar al espectador. El viaje continúa, por eso les invito a seguir conectados a Arte Espacio para ver cada viernes un tema nuevo. ¡No se lo pierdan! Hasta la próxima.
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miércoles, 16 de septiembre de 2015

¡Sorpresa!

Hoy día tenemos el placer de disfrutar obras teatrales donde vemos a los actores haciendo su actuación y en algunos casos improvisan ya sea con algún parlamento o promoviendo la participación del público.  Muchas veces logran que uno como espectador se adentre en la obra y olvide por un tiempo sus situaciones diarias. Así, forman parte de la amalgama de actividades de entretenimiento que acaparan nuestra atención y nos apresan en su mundo. 

En el mundo del arte surge a finales de los años 60 un movimiento que comparte ciertos elementos con el teatro y se conoce como performance. El concepto performance proviene de “perform” que significa actuar o interpretar, así que al igual que el teatro implica una actuación que en ciertos casos requiere de improvisación. Se trata de una representación escénica cuya intención es provocar o asombrar al espectador, por consiguiente involucra fuertemente a la audiencia. Una característica muy particular es que el sujeto que realiza la actuación es el elemento vital de la obra, no se trata de objetos sino de una persona que lleva a cabo una acción ante un público. 

Cuenta con unas referencias. En primer lugar, a las interpretaciones que se llevaban a cabo en el Cabaret Voltaire por parte de los artistas pertenecientes al DADA donde recitaban poemas entre otras actividades. También guardan una relación con los futuristas y su intención de expresar sus ideas por otros medios adicionales de la pintura. El desarrollo del performance como movimiento artístico está estrechamente ligado al del happening (artículo anterior) surgidos en la misma década compartiendo la participación del público. Este arte vivo en algunos de las actuaciones pone de manifiesto un asunto ético porque el observador se debate entre intervenir o no, acción que dependerá de la temática que se presente. 

Entre los que realizan performances Marina Abramovic y Carolee Schneemann han destacado por sus actuaciones impactantes para la audiencia. Carolee Schneemann en su obra Royo interior donde sale desnuda y de su área púbica extrae un papel, aparece pintada y muestra un tema feminista. En relación con la ética Abramovic en sus performances logra este debate interno en el espectador. En Rest energy with Ulay  la artista aparece con un compañero halando un arco con una flecha en dirección a ella. Entonces, he aquí el asunto de intervenir o quedarse mirando a ver qué pasa porque la artista se coloca en riesgo y el observador se encuentra incómodo ante el evento. Lips of Thomas es el más impactante porque Marina Abramovic sale desnuda auto-flagelándose y torturándose ante la audiencia. Ello desata el asombro y la interrogante ¿qué hago? ¿La detengo o dejo que siga?  ¿Qué harías tú como espectador ante tal evento? 

Royo interior

Rest energy 

Lips of Thomas

No hay duda de que este movimiento artístico es totalmente revolucionario puesto que por sus actuaciones logra impactar al espectador. Nuevamente el arte nos sorprende y esto no se acaba porque la semana próxima hay más. ¡No se lo pierdan! Hasta el viernes próximo, un abrazo.  

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miércoles, 9 de septiembre de 2015

¡Caíste!

Es posible que en algún momento hayamos visto un programa de bromas.  En este tipo de programas hacen varias bromas a personas y esperan ver sus reacciones. Evidentemente logran una reacción inmediata de la persona implicada y resulta muy gracioso puesto que el objetivo es hacer reír a los televidentes. Un ejemplo de ello lo son las bromas de “muertos” que son velados por sus familiares y se levantan del féretro. Como es de esperarse se desata un caos de personas corriendo del susto ante dicho evento. Sí que es gracioso al punto de morir de la risa. Algo similar ocurre en el mundo del arte, pero el objetivo no es necesariamente hacer reír sino provocar al público presente.  

Para la década de 1950 surge un movimiento artístico conocido como “happening” cuyo significado directo es acontecimiento, suceso u ocurrencia. Si bien es un evento que se realiza para provocar una reacción en el espectador. Por tanto, su duración es totalmente variable. Aquí el artista es el organizador del evento que espera dicha reacción. De modo que no es algo que el artista hace propiamente como una pintura. Este evento involucra tanto al artista como al espectador, por consiguiente se le considera una acción que puede ocurrir en cualquier espacio. Con este movimiento se marca el paso de un arte que valora la técnica a un arte acción. 

Sus orígenes se remontan a un concierto promovido por John Cage en Black Mountain College en 1952 quién define el concierto como un acontecimiento. También tiene antecedentes en el DADA de Suiza de 1916, en Japón, Alemania y en el arte corporal europeo. Su característica principal es que es totalmente efímero, sucede en un tiempo y espacio y es poco probable que se repita. Tres palabras resumen muy bien este movimiento artístico: provocar (artista), participar (espectador) e improvisar. En fin, su intención es lograr la participación espontánea del público e irrumpir en la cotidianeidad de la vida. 

Algunos de sus exponentes lo son: Allan Kaprow, German Nitsch y Spencer Tunick. Allan Kaprow en Yard de 1961 presenta un suma enorme de neumáticos en el suelo sobre los cuales pasan personas. En Carro con mermelada escoge un vehículo y le unta mermelada para que las personas laman la misma. German Nitsch en Teatro, origen y misterio muestra una escena ritual que remonta al pasado. Spencer Tunick realiza una instalación Multitudes desnudas que están pintadas todas. Algunas de estas obras pueden resultar un poco impactantes por lo que presentan pero que ello no nos desvíe de su intención.  Recordemos que se trata de un evento, de un acto efímero que toma lugar en un espacio para recibir la reacción del público presente. 

Yard

Carro con mermelada

Teatro, origen y misterio

Multitudes desnudas

Nuevamente el arte nos sorprende y va desarrollando matices a lo largo de su trayectoria que lo enriquece y complejiza. Arte Espacio los espera la semana próxima con otra impactante historia que no se pueden perder. 

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miércoles, 2 de septiembre de 2015

Visión en juego

Alguna vez en su vida se han preguntado, ¿la cebra es blanca con  rayas negras o vice versa? Esta pregunta plantea un juego óptico muy curioso. Igual sucede cuando nos disponemos a observar las nubes en el cielo. Es posible identificar todo o nada. Podríamos estar horas mirándolas y decir que vemos dinosaurios, rostros, etc. En realidad es poco probable coincidir con los demás respecto a que si la nube parece un oso o un león. Con este ejemplo vemos que la naturaleza puede resultar en una trampa óptica o simplemente muestra nuestra vulnerable visión. En fin, uno se divierte diciendo si es o no un tigre la nube y en otros casos llega la frustración.  Espero que este no sea el caso porque el arte viene con todo para jugar con nuestro sentido de la vista.

El Op-art u “optical art” surge en 1960 y se creó con la intención de que el ojo cree un ilusionismo con la obra. Se valió de la ambigüedad que implica el campo de la percepción  y lo utiliza como motor para crear obras que desafíen nuestra visión. Lo importante era el impacto visual que causara la obra en el espectador, de ahí que requiera de un observador activo que se mueva y desplace para capturar el efecto óptico. Este arte parte de la premisa de que el observador se enfrenta a una obra que se mueve por lo cual debe buscar el principio y el final de la misma. 

Para lograr esos efectos visuales empleó figuras geométricas como el rectángulo, el cuadrado, el triángulo y el círculo. Como refuerzo utilizó líneas rectas, contrastes de colores, cambios en formas y tamaños y repetición y combinación de formas en la obra. Su desarrollo fue paralelo al arte minimal. Se trata de un arte efímero, de un arte que es moda. Por consiguiente es de esperarse que  su popularidad perdure hasta el 1965 a pesar de su extensión alrededor del mundo. 

Entre los artistas que trabajaron el arte óptico se encuentra Víctor Vasarely, quien en su obra Relat-if muestra lo que es este arte. Jesús Rafael Soto con Los penetrables hace lo mismo pero valiéndose del “plexiglás” para lograr unos filamentos plásticos que juegan con nuestra percepción. Por último, Carlos Cruz Diez en sus Cromo saturación une rayas de colores para crear efectos ópticos. 

Relat-if

Los penetrables 

Cromosaturación

Sin lugar a dudas un arte que retó y reta la óptica humana haciendo que nos preguntemos sobre lo que vemos ante la ambigüedad que arraiga en su esencia. 

Arte Espacio los espera la próxima semana con una nueva historia que contar, no se la pierdan. Recuerden visitar su blog favorito, Arte Espacio, en las redes sociales y compartir las publicaciones. ¡Hasta la próxima!