Derroche de formas

Cuando comenzamos nuestro periodo de escolarización los maestros nos van formando por medio de conocimientos. Dentro de ellos están las formas geométricas y gracias a ellos es que reconocemos un círculo, un óvalo, un triángulo, un cuadrado, un rectángulo, etc. Luego de conocerlas comenzamos a notar que no son simples figuras sino que las mismas están presentes en edificios, artículos, etc. Hoy día las formas geométricas impregnan nuestro alrededor desde un monumental edificio hasta un portarretratos. Aproximadamente para 1905 surgió un movimiento que empleó estas formas al mundo del arte de forma radical. Lo revolucionario reside en que el cubismo se va a encargar de romper el objeto para simplificarlo, distorsionarlo y reducirlo a formas geométricas. Como resultado produjeron una composición geométrica que va a analizar las formas sometiendo la naturaleza a la geometría. 

El mayor exponente del cubismo es Pablo Picasso, un artista que como pintor pasa por muchos periodos y en el de formas sólidas mostró las propuestas del cubismo. Picasso inventa la técnica del collage que consta del ensamblaje o combinación de elementos variados en un cuadro. En sus exploraciones como pintor durante este periodo se observa que ya no representa el desnudo clásico tradicional bien proporcionado, perfecto y bello. Por el contrario, nos presenta un cambio en la representación  del mismo porque es un cuerpo con más masa. Otra característica es que comienza la esquematización o simplificación de las formas, no hay interés en detallar el objeto más bien la intención es distorsionarlo. Por consiguiente, Picasso toma lo esencial de ese algo que quiere representar sin describir ni mucho menos detallarlo, fenómeno conocido como abstracción. 

Con este gran artista se observan dos vertientes del cubismo. La primera es el cubismo sintético que se refiere a la síntesis o reunión de elementos en un lienzo. Un ejemplo de ello los es su obra Naturaleza muerta con mimbre de silla de 1912. En ella tenemos una soga que funge como el marco y una mimbre de silla sin pintar con las letras de Journal encima. La misma es un ejemplo del concepto collage ya que mezcla diferentes elementos en una composición. Por otro lado, está el cubismo analítico en el que se realiza la descomposición de las partes de algo que se analiza en la pintura. Las señoritas de Avignon de 1907 es una muestra de esta vertiente. En la obra vemos 5 mujeres mostradas porque se abre una cortina, a sus pies hay frutas (o naturaleza muerta) y líneas que demarcan las partes de los cuerpos. 

Naturaleza muerta con mimbre de silla

Señoritas de Avignon 

Un gran exponente lo fue George Braque, que por medio del papier collé introdujo la vida en el arte. El papier collé es una técnica que consiste en pegar piezas planas en la pintura las cuales determinan un objeto. Junto con ello insertó letras al lienzo, de esta forma conformaba un collage. Claramente la intención era insertar eventos de la vida en una pintura. Su obra Violín y pipa de 1913 muestra el concepto. No obstante, Braque realizó obras que no implementaban la técnica del papier collé. En ellas se va a ver una composición geométrica. En Casas de L'Estaque de 1908 podemos observar una tendencia a llevar el ojo humano a mirar al centro y vemos la explosión de formas que ocupan todo el lienzo. Otra de sus obras más conocida lo es Gran desnudo de 1907-1908 en la cual se puede apreciar la línea gruesa que define los contornos de la figura, además que no es el desnudo clásico de un cuerpo más bien se ve la tendencia a simplificar y analizar las formas. 

Violín con pipa

Casas de L'Estaque 

Gran desnudo

Otros exponentes lo son Jan Metzinger, Delaunay, Geleizes, Juan Gris y Fernand Leger. De ellos, Metzinger y Geleizes escriben un texto sobre el cubismo. Si bien los mencionados parten de los dos grandes maestros cubistas para hacer sus obras siguiendo los postulados del cubismo y su tendencia universal a someter la naturaleza a la geometría. Una vanguardia más que establece una nueva concepción de arte. 

El pájaro azul 1913 Jan Metzinger 

Mujer con sombrilla 1913 Delaunay

Hombre en la hamaca 1913 Geleizes

Retrato de Picasso 1912 Juan Gris

Contraste de formas 1913 Fernand Leger 

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La nueva religión

Lo espiritual y lo simbólico son elementos que expresan o dicen algo. Ellos fueron importantes para la segunda vertiente del expresionismo alemán conocida como El jinete azul. Este nombre se refiere a la preferencia por el azul y el caballo de dos de sus integrantes, Vasily Kandinsky y Franz Marc, quienes afirmaron que el nombre vino por si mismo. Junto a ellos trabajaron: Gabriele Munter, Augusto Macke, Lyonel Feininger, y Alex Jawlensky. Las fuentes de inspiración del grupo fueron los escritos de Nietzsche y los de Wilhem Worringer. Su interés radicó en presentar las propiedades espirituales y simbólicas de las formas naturales y abstractas. Como grupo creyeron fervientemente en la libertad de expresión y experimentación. Con esta creencia como norte trabajaron arduamente para lograr conformar su primera exhibición en 1911. 

Vasily Kandinsky destaca como líder o guía espiritual del grupo además de ser el teórico principal, pintor y profesor en Alemania. Bajo esta nueva orientación, Kandinsky mostró improvisaciones más liberadas y abstractas como esa forma libre caracterizada por un arte no objetivo, no ilustrativo. Su interés fue mostrar por medio de las formas y los colores relaciones espirituales y simbólicas. En su obra Señorita de Moscú de 1912 es un ejemplo de sus ideas traducidas al lienzo. En la misma hay una mujer en  primer plano, se observa un cambio de escala, una mancha  de color negra que cubre una parte de la escena y una rosada detrás de la mujer que bien puede ser su aura. Aquí todo pensamiento es traducido en color y forma. Inclusive, el color se combina con lo simbólico que en este caso las manchas refieren a planos diferentes ya sea el bien, el mal, etc. Tanto en esta obra como las demás son la muestra de ese aspecto espiritual e introspectivo de su arte. Siendo además, ese deseo de creer en algo más allá de la realidad.

Señorita en Moscú

Franz Marc se orientó a un simbolismo relacionado a la existencia animal en la naturaleza que  contrastó la belleza natural de la vida animal con la existencia humana. De ahí que su obras mayormente sean de animales resaltadas por los colores y las formas. Su obra Los caballos azules de 1911 es un ejemplo de su interés por los animales especialmente los caballos. Marc aplica los colores de tal manera que parecen sobados, además los contrasta favoreciendo al caballo como el protagonista del lienzo. 

Los caballos azules 

Lyonel Feininger fue conocedor del cubismo que al unirse al grupo lo transforma en una versión sensitiva, delicada y con humor del expresionismo. En Gelmeroda VIII de 1921 apreciamos que las formas irregulares y los colores brillantes dan la sensación de penetración o inserción mutua. Además, su amor por la música sugiere la sutil organización rítmica de la escena. Otro pintor del grupo la fue Jawlensky se interesó por lo decorativo, lo psicológico y las cualidades espirituales del rostro humano. Su pieza The Hunchback muestra estos intereses además de resaltar el simbolismo de la naturaleza por medio del color y sus pinceladas sueltas. En el grupo resaltó una figura femenina que fue discípulo de Kandinsky, Gabriele Munter se destacó por presentar paisajes empleando una paleta de colores diferentes, pincelada fuerte, pastosa y rápida. Paisaje de Murno con muro blanco de 1910 es un ejemplo de lo que la caracterizó. Por último, Augusto Macke se interesó por el paisaje citadino, por la imposición de formas cubistas y geometría y por composiciones organizadas con colores brillantes. Su obra Sombrería  de 1914, presenta una tienda de sombreros, como su nombre lo indica, que forma parte de la ciudad espectáculo que destacó en la modernidad. 

Gelmeroda VIII

The Hunchback

Paisaje de Moscú con muro blanco

Sombrería 

El jinete azul representó un arte que pretendió ser la nueva religión de la sociedad contemporánea. Un arte que partió del deseo de creer en algo que estuviese más allá de la realidad y en el cual los artistas eran visionarios y profetas de un arte que perdió su esencia y cuyo interés lo fue el cómo.  

Los colores se manifiestan

Los colores son aquellos que le dan más vida a las cosas que vemos. O ¿Acaso no es hermoso un atardecer con ese cielo azul, amarillo, naranja, rosa  que hace que alucinemos ante la belleza de  los colores y lo que son capaces de expresar?  Un solo color puede manifestar muchas cosas, por ejemplo: el azul que bien puede referirse al cielo, al mar, a lo frío. Teniendo esto en consideración, para el 1900 aproximadamente surgió un estilo llamado fovismo. El mismo proviene de fox que significa fiera y fue acuñado por Louis Vauxcelle para designar a las pinturas que eran llamativas desde el color. Lo importante era el color en sí y no la figura en la composición partiendo de que los colores pueden ser expresivos, descriptivos y simbólicos. 

Esto supuso un cambio contundente y significativo en la pintura puesto que lo primordial era expresar por medio de los colores, los cuales fueron fundamentales. El líder del grupo fue Henri Matisse quién siguiendo la concepción vanguardista escribió un manifiesto sobre sus obras y su trabajo como artista/pintor. Matisse planteó que el objetivo era la expresión y que la misma estaba en la composición reflejada en los aspectos formales (cuerpos, figuras, vacíos, proporciones y distribución de colores) porque son los vehículos de la expresión per se. Además, él habló de representar más allá de lo fugaz para mostrar algo duradero y profundo, ese algo tenía que llevar a la esencia de las cosas. De ahí que Matisse argumentó que hacía una ejecución lenta de la obra para seguir trabajándola y lograr dar con la esencia. Por último, Henri Matisse estableció que el arte tiene autonomía porque crea su propia ley, es decir, el arte es independiente de la naturaleza y su menester reside en interpretarla y amoldarla a las leyes del cuadro. Con este planteamiento Matisse expone un punto clave de la vanguardia: la autonomía del arte. 

Sus obras fueron reflejo de sus planteamientos y en cada una de ellas Matisse las trabajó hasta lograr la esencia en el cuadro. En el lienzo La ventana abierta de 1905 podemos apreciar colores brillantes que destacan la escena  y lo particular de esta pieza es el uso del contraste simultáneo en el que por medio de los colores logra el contraste que produce un efecto en la pintura. 

En su obra Carmelina 1903 tenemos a una mujer sentada que mira al observador, su silueta está más definida, hay composición geométrica donde se ve la línea recta y el punto, los colores son más llamativos y en la parte de atrás sale el pintor. Otra de sus obras Mujer con sombrero de 1905 el contraste lo podemos apreciar en la forma del sombrero y toda la obra es una muestra de la maestría del artista en la organización de los colores para producir un efecto. 

Junto a Matisse destacaron varios pintores, entre ellos: André Derain y Mauricio Vlaminck. El primero realizó un cuadro titulado Los botes de Collioure de 1905 en donde la escena es vista desde arriba, con grandes pinceladas, contraste simultáneo y la técnica del puntillismo o divisionismo en la cual las pinceladas som rayas o puntos. 

Vlaminck por su parte, realizó Paisaje con árboles rojos de 1906-07 en donde podemos apreciar una cierta profundidad dada por la unión de formas, las formas poco definidas, sin perspectiva atmosférica (espacio entre figuras y planos de la composición) y contraste de colores. 

Con este nuevo estilo vanguardista Matisse y sus compañeros plantearon que la pintura es expresiva y lo logra con el color y el manejo apropiado del mismo en conjunto con aspectos formales. La vanguardia ya comenzó la transformación, no te pierdas el próximo cambio por aquí todos los viernes. Hasta la próxima. Un abrazo. 

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Pintores en primera fila

Fishing port, Collioure Andre Derain

Es posible que todos o al menos la mayoría hayan escuchado el término de vanguardia ya sea en televisión, libros o en conversaciones casuales. Sino lo conocen no hay de qué preocuparse porque todos los días se aprende algo y hoy sabremos qué es dicho concepto en el arte. El mismo procede del francés avant-garde (avanguardia): avant del latín ab ante que se refiere a sin nadie adelante, y garde que refiere a guardia y ver. El término se utiliza en el ámbito militar para designar a las tropas armadas que van adelante. Aplicado al arte denotó a los artistas que están al frente en un momento determinado, resaltando una conciencia del arte del momento. 

El arte vanguardista es el aspecto más radical de la modernidad que naciendo de la burguesía va a reflexionar y criticar los valores de esta clase social y su intención fue hacer que la burguesía pensara. Sin embargo, la gran paradoja de este arte fue que nace de una clase social, critica a la misma, pero necesita de ella para vender y tener permanencia en el mercado y en la sociedad. Así, la vanguardia rechazó la tradición y supone una innovación puesto que se orientó a lo inesperado, a que la obra de arte tiene que causar un efecto. 

Además, tuvo ese sentido de aventura e irracionalidad ya que no buscó que se le relacionara con el artista, ni el contexto y mucho menos que tuviese significación alguna porque su interés fue ser una expresión artística. Por consiguiente, estamos ante el arte por el arte, ante su deshumanización en donde los artistas explorararon el terreno y lo definieron a su manera dependiendo del movimiento al que pertenezcan. Los artistas vanguardistas se veían como visionarios o profetas que podían presagiar lo que pasará en el futuro puesto que ellos comprenden que es meritorio sacrificar en el presente para conseguir en el futuro un cambio fundamental en la sociedad.

El arte de vanguardia supuso un ámbito de cambio y ruptura con la tradición para dar paso a una variedad de movimientos con diferentes intenciones artísticas y el objetivo final de presentar una expresión artística totalmente diferente.  Los espero el viernes próximo con el primero de los ismos o movimientos de vanguardia. Hasta la próxima y un abrazo a todos. 

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