Aquí estoy

¿En algún momento escribiste tu nombre en algún lugar u objeto? Es probable que alguna vez durante nuestra existencia lo hayamos hecho o visto. Como testigo aparecen los pupitres, mesas y paredes en escuelas y espacios académicos que sirvieron como lienzo para mensajes, escritos y pintura. En estos espacios las personas expresan un sentir ya sea a través de un mensaje o dibujo, a tal modo que llega un momento en que acaparan el objeto completo. Quizás para algunos esto sea dañar propiedad escolar o algo por el estilo, pero cuidado podrías estar frente a una obra de arte y entonces, ¿quién daña quién? Esta modalidad que hoy día pervive nos conduce a un movimiento artístico muy polémico y revolucionario que ha hecho temblar al arte por sus propuestas.   

Hoy día paseando por las calles podemos ver una especie de museo extendido traducido en muros o paredes pintados que llaman nuestra atención. Estas expresiones urbanas, que son muy interesantes, muestran lo que se conoce como el grafiti. El término proviene del italiano “graffiti” o “graffire” que denota una marca hecha a base de rayar la superficie. Además, comparte su raíz con el vocablo latín “scariphare” que implica incidir con el punzón o estilete. Se trata de una expresión artística al aire libre que se hace fuera de museos, galerías entre otros para exponerse en un espacio público en el cual puede ser visto por todos los transeúntes. Su principal característica es la forma libre y creativa en que pinta puesto que no se ata a ninguna regla sino que permite la libre expresión del autor. 

Sus objetivos pueden ir desde artísticos, políticos, de protesta, sociales a simples mensajes. Es un arte que su finalidad primordial es expresar y divulgar ya que su esencia es el cambio y la evolución. Para lograrlo es realizado de manera gráfica y visual para impactar al espectador. Usualmente es anónimo y es considerado como una expresión cultural y popular aunque en algunos países es concebido como delito porque daña la propiedad privada. Sin lugar a dudas, es controversial esta forma de hacer arte. 

Sus orígenes se remontan a finales de la década del 70’ donde comienzan a aparecer nombres y números escritos en espacios urbanos a modo de crear una identidad alterna para la calle. Tal es el caso de Taki 183 que muestra el apodo de un joven y la calle donde residía. A partir de esta acción, se desata un “boom” donde todo mundo hace lo mismo que el joven. Seguido de esto se comienza a apreciar un cambio en la caligrafía de una muy legible a una difícil de entender en donde las letras van adquiriendo formas particulares y se pegan. El estilo de Broadway Elegant es un ejemplo de ello. Con esto se va creando ese estilo propio de cada artista urbano que denota una unidad donde todos hacen grafiti en diversidad porque le imprimen su estilo. Más adelante, a finales de los años setenta incorpora iconografía popular con elementos caricaturescos, comics, retratos y autorretratos por lo cual el tamaño aumenta considerablemente. 

Para los años ochenta en Nueva York (donde comienza a avistarse este movimiento para los 60’) se desata una guerra contra el grafiti donde la Metropolitan Transit Authority dedica sus esfuerzos a erradicarlo, logrando que descienda. Sin embargo, a mediados de la década del 80’ surge un segundo auge afianzado por el hip-hop que anima y hace resurgir el grafiti. Es para este mismo tiempo que llega a Europa bajo el nombre de “writing” gracias al hip-hop, el rap y el break dance tal y como sucedió en Nueva York. 

El grafiti es un arte que se adueña de los espacios e implica un acto de presencia que señala un reclamo social que denuncia temas políticos, sociales entre otros afianzado en el poder de impacto de la imagen a la vez que nos lleva al pasado donde el hombre primitivo con sus obras en las cuevas hacía un gesto similar. Cada vez que avanzamos el arte se encarga de hacernos ver que los orígenes son importantes en la evolución progresiva del mismo y el grafiti es un buen ejemplo de ello. 

Broadway style

Los espero el viernes próximo por aquí su blog favorito. No dejen de visitar a Arte Espacio en las redes sociales y compartir la información. Gracias y hasta la próxima. Chao.

Vulnerabilidad en cuestión

¿Qué es la guerra? ¿Por qué sucede? Hoy día cada uno de nosotros conoce la guerra, algunos por experiencia propia mientras que otros por medio de libros e imágenes de estos fatídicos incidentes que acaban y destruyen vidas. De hecho, el término per se provoca una sensación de crudeza, de horror, suena lúgubre hasta resultar bastante incómodo y difícil de tratar. Esta se da por múltiples y variadas razones, cada día se inventan una excusa para justificarla y afirmar poder o cualesquiera que sean los deseos de quién la propicia o incita. Ahora bien, ¿qué muestra? Cierto es  que la misma resulta en un escenario que exhibe ese lado oscuro de la raza humana. Es tal imagen la que impulsará a un grupo de artistas a desarrollar unas obras que marcan ese lado oscuro y a la vez lo frágil del ser humano.

Europa fue el escenario de este movimiento de finales de la década del cuarenta que perdura hasta los años 60. El informalismo se origina a partir del concepto arte informal empleado por el crítico francés Michel Tapié en 1951 durante una exhibición en París. Tuvo como punto de partida dos elementos importantes: el lenguaje abstracto y el papel central que desempeñaron los materiales. Si bien fue un estilo que dio una mirada al pasado e incorporó el collage del cubismo, lo fortuito y el azar del dada, los autómatas y aspectos psíquicos del surrealismo, y la atracción ferviente por todo tipo de material. Como arte de posguerra puesto que se desarrolla luego de la Segunda Guerra Mundial, acentuó la presencia de la personalidad del artista en la obra dándole un carácter muy particular. Así, se caracterizó por la exaltación de lo azaroso y la improvisación a la vez que rechazaba las construcciones previamente consideradas. 

Por otra parte, estuvo fuertemente vinculado con el existencialismo ya que lo tomó como base ideológica. Esta filosofía de Sartre argumenta que la existencia del ser humano precede a su esencia e impregna cada una de las manifestaciones culturales y artísticas. Además, tomaron en cuenta la fenomenología de la percepción de Merleau Ponty y su afirmación de que el describir las cosas permite descubrir estructuras trascendentales de la conciencia. Este movimiento, a pesar de su orientación abstracta no se aleja de la realidad, pero se dedica a la introspección, al ensimismamiento, a destruir las formas y a acabar con la idea de belleza, desnudo, armonía, etc. De esta manera, plantearon una nueva imagen del hombre y muestraron la fragilidad del mismo, enseñanza brindada por la guerra. 

Entre los artistas que destacan bajo el informalismo tenemos a Dubuffet quién se encarga de aplanar las figuras como lo hace en su obra El carnicero. Fautrier en sus obras desfiguró a las figuras, tal es el caso de Un testigo, mientras que Saura creó monstruos como se ve en Crucifixión. En España surgió una vertiente para los años 50 que se orientó al surrealismo y se dio simultáneamente en Barcelona y Madrid. Canogar con Cabeza número 1 y Millares con Guerrillero muerto son ejemplos de la tipología que experimentó el informalismo como estilo artístico. Finalmente, el informalismo vino a ser esa vuelta o regreso a los orígenes, a ese ser y trabajar como los primitivos hicieron en cuevas y como lo hacen hoy día los artistas del grafiti.  

 

El carnicero

 Un testigo 

La náusea 

Crucifixión 

Guerrillero muerto

Cabeza numero 1

 

Arte Espacio los espera el viernes próximo con más por conocer sobre el arte y no se lo pueden perder. Además, este blog tiene una nueva sección titulada Obra de la semana no dejen de echarle un vistazo a estas piezas artísticas de gran valor. Recuerden visitar Arte Espacio en las redes sociales y compartir la información. Hasta la próxima, chao.

El encuentro

Como seres humanos que somos a diario nos relacionamos con otros ya que es parte de la vida. Si bien vivir en sociedad supone una interacción y relación con otro aunque sea en el grado más mínimo posible. De ahí que asistamos a reuniones sociales, por voluntad o por fuerza, que van desde simples fiestas familiares hasta eventos sociales como graduaciones, cumpleaños, entierros, juegos, etc. El sistema del que somos parte hace necesaria la interacción porque hasta para comprar pan o leche, de una u otra forma, interactuamos con quién nos atiende. Transportándonos al mundo del arte, la estética relacional nos conversa sobre ello. 

Para 1990 Nicolas Bourriaud da a conocer un libro cuyo título es Estética Relacional y que va a tener una fuerte influencia en el mundo artístico hasta decir basta. El concepto en sí designa la importancia de las relaciones entre y con los sujetos hacia quién se dirige la obra. Se trata de una dinámica artística que subraya las relaciones humanas y el contexto social en el que se desarrollan. De esta forma, se plantea al arte como medio para relacionarse, que son las obras quienes proveen el espacio y tiempo para las relaciones entre personas y la oportunidad de alejarse de la sociedad de masas con su ideología. También, plasma que el arte depende de la participación del observador para existir. Por consiguiente, este movimiento resalta la importancia del encuentro afianzado por un intercambio ilimitado entre sujetos. 

Las obras que componen este movimiento van de instalaciones a performances donde se plantea la propuesta artística, se da el espacio para relacionarse y se invita a la reflexión. Entre los artistas que trabajan este estilo se encuentra Thomas Hirschhorne quien a través de sus obras promueve la estética del encuentro y expone sus proyectos políticos y sociales. Gramsci Monument 2013, Crystal of Resistance 2011 y Concordia 2012 son muestra de su trabajo orientado a la denuncia política y social de la actualidad. En otra obra presenta una multiplicidad de objetos desechables conglomerados en una montaña a manera de invitar a una reflexión sobre la sociedad de consumo.

Otra artista que muestra esta concepción de lo relacional es Vanessa Beecroft que se dedica a trabajar con obras vivientes, que en su mayoría son mujeres desnudas, y presenta su reflexión sobre la mujer en el mundo contemporáneo tal como lo hace en VB01. 

Gramsci monument

Crystal of resistance

Concordia 

VB01

La estética relacional es un movimiento artístico cuyo énfasis reside en la experiencia del encuentro del observador con la obra y con otros espectadores que revoluciona nuevamente la historia del arte con sus planteamientos y acercamientos que resaltan la tendencia del arte a hacerse parte de la vida del ser humano. 

Arte Espacio los espera el viernes próximo con otra historia por contar, no se la pierdan. Recuerden visitarlo en las redes sociales y compartir la información. ¡Gracias! ¡Hasta la próxima!

Casi una foto

La fotografía es un medio actualmente muy utilizado. Salimos y dondequiera que nos paramos nos tiramos una foto o retratamos algo en particular. De hecho es un medio muy útil en distintas esferas de la vida cotidiana desde universidades hasta evidencia ante un jurado. Se podría decir que las personas hoy día sienten un amor por las fotos y eso lo reflejan las redes sociales, que es donde más estas se proliferan. Si bien la fotografía capta un momento particular y lo congela para la eternidad. Por lo tanto tiene esa capacidad de capturar las cosas tal como se ven sin recurrir a los distintos efectos aplicables existentes. A groso modo la fotografía captura escenas de la realidad en que vivimos y de forma inmediata. 

Entre la década del 60 y 70 en Estados Unidos surgió un movimiento artístico cuya intención fue lograr una reproducción fiel, tipo fotografía, de la realidad. El hiperrealismo se concibió como el resurgimiento de la pintura figurativa que se esforzaba por representar las cosas tal cual las veía. Se trata de una figuración tomando como base la fotografía y su capacidad de traducir la realidad en un medio fotosensible. A este movimiento se le conoció también como nuevos realismos ya que pretendió esa representación fidedigna de la realidad. 

Son muchos los artistas que participaron bajo este movimiento y entre los cuales perfilan los siguientes. Audrey Flack en su obra Queen de 1976 traduce el hiperrealismo al pintar una vista desde arriba de una gaveta de cosméticos. Chuck Close por su parte muestra esa realidad por medio de un Autorretrato de 1968 presentando una pintura inmensa y muy real de sí mismo. Otro artista lo es Lucian Freud que en Benefits supervisor sleeping de 1995 muestra una mujer desnuda que duerme. Freud se dedicó a pintar mujeres que fueron sus parejas y las pintaba de forma ordinaria y no idealizada evidenciando la intimidad con la persona. Richard Estes se enfocó en trabajar temas urbanos y los reflejos sobre superficies tal como lo hace en Central savings de 1975, donde vemos una vista de la ciudad a través del cristal, el celaje de una persona, los rascacielos, bancos y demás estructuras típicas de la ciudad. Por último, en el ámbito de la escultura les presento a Ron Mueck quien se encargó de crear esculturas colosales como lo es In bed donde nos presenta una mujer acostada en su cama y el grado de realismo que le imparte a la escultura gigante. 

Queen

Autorretrato 

Benefits supervisor sleeping

Central savings

In bed

Este conglomerado de obras es una muestra del realismo logrado por estos artistas para representar el hiperrealismo que parece una fotografía o bien figuras reales. El trabajo extraordinario de ell@s es impresionante porque logran que la obra se vea muy real ante los ojos de los espectadores.

El arte con los nuevos realismos muestra su posición de avanzada y su aspecto revolucionario que seguirá sorprendiéndonos en la medida que avancemos en su trayectoria. Arte Espacio los espera el viernes próximo con otra historia que no se pueden perder. Hasta la próxima.

Recuerden visitar Arte Espacio en las redes sociales y compartir la información. Mil gracias. Chao.

Universo de sensaciones

Es posible que en nuestros hogares exista un lugar recóndito donde va a parar todo. En cada casa se le nombra de distintas formas, pero en realidad es un cuarto donde se guarda todo tipo de cosas desde figuras hasta máquinas para hacer ejercicios. En esa habitación hay tantas cosas que podrías empezar a buscar algo hoy y encontrarlo mañana. Es una especie de triángulo de las Bermudas que en algunos casos está ordenado y en otros no tanto. De noche y a veces de día es el área 51 de nuestros hogares. Sí que nos gusta guardar cosas a nosotros los seres humanos. 

Para 1920 aproximadamente Kurt Schwitters presentó el concepto de Merz Bau que se refería a cuartos llenos de objetos que encontraba. Una vez los encontraba realizaba obras de arte uniéndolos, pegándolos a la pared o simplemente colocándolos proponiendo el cuarto como un espacio artístico. The Merz column de 1923 es un ejemplo de ello. Esta innovación de Schwitters sirvió de origen a lo que hoy se conoce como instalaciones.

El concepto instalación se acuña el 1969 para designar un género del arte que utiliza diferentes medios para presentar su proyecto de arte que bien puede ser temporal. Además, se caracteriza por que es consciente del espacio que utiliza para llevar a cabo la acción. La intención es lograr una experiencia expandida desde el punto de vista del observador. Se trata del arte como experiencia expandida o total para todos los sentidos sumergiendo al espectador en ella. Por consiguiente, es interactiva porque invita a ser parte de ella. De esta manera, se busca la intensidad de la sensación al entrar en contacto con ella. Así, el observador participa y valora la obra. 

Entre los artistas que realizan instalaciones se encuentran: Allan Mccollum, Carlos Schwartz, José Morales entre otros. Mccollum en Perfect vehicles de 1988 coloca unos objetos de diferentes colores sobre el suelo con la intención de que sean rodeados por personas para así incentivar la interacción. Schwartz en Ventanas ciegas dibuja con luces de neón y la intención es lograr una reflexión sobre el arte del momento en el espectador. José Morales en su exposición de Abecedario afectivo expone una cortina de machetes de madera de diversos tamaños que están colgados unos al lado de los otros y la intención es mostrar eventos o elementos de un Arte/sano al espectador.

Perfect vehicles

Ventanas ciegas

Arte/sano, abecedario afectivo

Una vez más el arte nos da una sorpresa con estas instalaciones que van más allá del objeto presente y pretenden ligarse y hacer reflexionar al espectador. El viaje continúa, por eso les invito a seguir conectados a Arte Espacio para ver cada viernes un tema nuevo. ¡No se lo pierdan! Hasta la próxima.

Recuerden visitar Arte Espacio en las redes sociales y compartir la información. Gracias.   

Mundo de las ideas

¿Alguna vez te has preguntado si los objetos son solo eso o hay algo más allá de ellos? La realidad es que estamos tan inmersos en nuestro mundo que es bastante improbable que hagamos este tipo de reflexión acerca de un objeto en particular. Como bien dicen por ahí existen diversas maneras de percibir las cosas. Tomemos de ejemplo un lápiz. ¿Qué es un lápiz? Se puede decir que es un instrumento, algo con lo que se escribe. Sin embargo, esta es una de las tres definiciones sobre él y la misma designa los límites del objeto, nos dice qué es, para qué sirve, etc. También está la imagen del lápiz que es sugerida por una foto mostrando su dos o tres dimensiones y porque no es el objeto en sí sino una imagen de él. Por último, se encuentra el lápiz físico y literal, el objeto tridimensional. Lo mismo sucede con los demás objetos, pero por si no habíamos realizado dicha reflexión esta vanguardia artística nos conduce a pensar en ella. 

Para los años 60 surge el arte conceptual, el cual plantea la prevalencia de la idea sobre lo técnico y lo artesanal en una pieza artística. Su nombre así lo designa conceptual de concepto  e idea, así que no se trata del objeto físico sino de la idea sobre él. Este arte se orientó a valorar la idea bajo la influencia de Marcel Duchamp y el DADA a la vez que denunció la poca conciencia de la sociedad ante lo que ven. Por medio de las obras artísticas lanza su crítica para provocar la reflexión y el cuestionamiento de aspectos importantes en el mundo del arte. 

Dentro de los exponentes de este movimiento artístico se encuentra Robert Rauschenberg, quién con su obra Erase de Kooning Drawing pretendió dejar claro que lo importante no era el dibujo que Kooning había realizado sino el gesto del artista de borrar dicho dibujo. Lo mismo ocurre con Yves Klein y sus antropometrías en las que pinta a las modelos y luego las arrastra por todo el lienzo. Joseph Kosuth en su obra One and three chairs se encargó de presentar esa reflexión acerca de las tres definiciones distintas de la silla: concepto, imagen y objeto físico. Francois Morellet en Blow up explora la sucesión de líneas y es otro ejemplo de que lo esencial para este movimiento vanguardista es la idea. Por último, John Baldessari en su obra Freud y Emma presenta la idea de los roles de poder traducida a través de las figuras puesto que Emma parece una escultura deteriorada y Freud es una foto.

Erase de Kooning Drawing

Antropometrías

One and three chairs

Blow up

Freud y Emma

Puede que este movimiento vanguardista no haga sentido del todo, sin embargo hay que recordar que las vanguardias abrieron espacio a un sinnúmero de manifestaciones artísticas con la intención de romper con los cánones previamente establecidos. Cada día que pasa el arte nos sorprende y nos hace reflexionar de una forma u otra.

Los espero la semana próxima por su blog favorito Arte Espacio. Recuerden visitar Arte Espacio en las redes sociales y compartir la información. Gracias y hasta la próxima. ¡Un abrazo!

Viva lo nuevo... Lo moderno

Como se ha podido ver hasta ahora en la historia del arte, se han suscitado una serie de eventos que la han revolucionado y se han reflejado en diversas y variadas manifestaciones a lo largo del tiempo. Parte de esa revolución lo es la Edad Contemporánea y las múltiples manifestaciones que trajo y traerá consigo. A finales del siglo XVIII e inicios del siglo XIX fueron establecidas las bases de la llamada sociedad contemporánea, enmarcada por la instauración de la democracia gubernamental posibilitada por la culminación del absolutismo, por la Revolución Industrial y el auge del capitalismo. Con estos fenómenos de trasfondo en el arte destacó una gama de estilos, los cuales se sucedieron cronológicamente y terminaron en una mixtura de estilos y corrientes que coexisten y se enfrentan. Además, aparece el arte moderno cuyo fin es experimentar en el ámbito de lo nuevo que trae la modernidad. El arte moderno se levanta ante el arte académico que defiende una tradición mientras que el otro parte de lo estético. 

Pabellón Real de Brighton 1815-1822

Durante el siglo XIX la arquitectura se enriqueció con la implementación de materiales nuevos como el hormigón, el hierro, y el acero, que a su vez permitieron la construcción de estructuras más sólidas y diáfanas. En este entonces, el urbanismo (estudio de los asentamientos humanos para diagnosticar, comprender e intervenir en ellos) cogió un auge al igual que la preocupación por un entorno habitable, conduciendo a obras de infraestructura, transportes y zonas verdes a modo de mejorar la calidad de vida del ciudadano. Mas adelante surgieron las exposiciones universales que eran unos festivales sociales y económicos cuya intención era fomentar y difundir la industria, el comercio, la cultura y la tecnología. Un buen ejemplo lo es la Exposición de París de 1889 con la Torre Eiffel. Junto con este tipo de arquitectura se desarrolló el jardín inglés caracterizado por una composición más natural, con detalles ornamentales como templetes (estructura pequeña en forma de templo que guarda un objeto tanto religioso como funerario) y ruinas, acordes con la idea de lo sublime y lo pintoresco. 

Torre Eiffel

Palacio de Cristal en Londres

Templete de San Pietro en Montorio

La primera mitad de este siglo presenció un estilo mixto que tomó sus rasgos de fuentes diversas llamado eclecticismo y se dio un rescate de estilos anteriores que fueron reinterpretados a base de los conceptos modernos, lo que se conoce como historicismo y que da pie a otros movimientos. Mientras en EUA surgió un nuevo tipo de estructura conocida como rascacielos fomentada por la Escuela de Chicago. Finalizando el siglo surgió el modernismo como esa corriente orientada a crear un arte nuevo, joven, libre y moderno, que rompiera con los estilos que dominaban en la época bien fuese con los de tipo tradicional o los de ruptura como el realismo, impresionismo, etc. 

Templo Expiatorio de la Sagrada Familia en Barcelona

Rascacielos en Nueva York

Con estas explosiones de nuevas ideas se instaura el campo del arte moderno que comprendió finales del siglo XVIII-XIX y el arte contemporáneo del siglo XX en adelante. Un escenario que tiene la pretensión de reinterpretar el arte y dar espacio a uno nuevo y libre. 

Nuestro viaje en el tiempo sigue avanzando ¡No se lo pierdan! Los espero el viernes próximo con el romanticismo. Recuerden visitar Arte Espacio en facebook y twitter y compartirlo. Gracias. Hasta la próxima

Para que sepas...

La palabra moderno se refiere a lo nuevo, a lo de hoy y comienza a usarse desde el siglo sexto de la era cristiana. Tiene como raíces la palabra modo que implica reciente y hodie que es hoy y proviene del latín vulgar.