Érase una vez en 1280...

Se cuenta que para 1280 en Italia nació Simone Martini, quién  se dedicó a ser pintor. Perteneció a la escuela de Siena en la cual Duccio era de los más reconocidos y aclamados. A pesar de ello, Simone supo aprovechar su oportunidad de pertenecer a la escuela y sobre todo al círculo de Duccio para desarrollar un estilo muy particular. Gracias a ello se destacó como un gran creador dentro de la escuela. El uso de la línea en forma de “s” le permitió crear curvas y contra curvas en sus obras. Este detalle técnico hace que sus composiciones tengan un carácter muy distinto a las obras del gran Duccio. 

Para una mejor apreciación del estilo del artista parece conveniente examinarlo a través de una de sus grandiosas obras. En el Retablo de San Luis de Toulouse coronando a su hermano Renato de Anjou de 1317 tenemos un cuadro muy bien trabajado. Aquí se retrata el momento en que San Luis renuncia al trono para dedicar su vida a Dios. Él deseaba formar parte de la Orden Franciscana. Para traducir esto Simone Martini nos presenta a un personaje admirado que se ubica en el trono con la vestimenta de arzobispo. Bajo ese manto el artista representa por medio de un hábito el deseo de San Luis de ser fraile franciscano. Esta decisión de Martini resulta muy apropiada porque nos muestra la contradicción entre manto (cargo y poder) vs. hábito (humildad). En esta escena central es notable la falta de proporción entre las figuras ya que San Luis es más grande que su hermano Renato. Este personaje aparece vestido de azul y dorado que nos indica que pertenece a la nobleza. Otro elemento que refiere a la nobleza de la época es la flordelis, la cual aparecía en las casas reales francesas. 

En las vestiduras de los personajes podemos ver el uso de la línea curva que proporciona una sensación de movimiento y menos rigidez. Otra particularidad del artista es el empleo de los ojos rasgados u orientales en vez de almendrados. A pesar de la planaridad que supone el fondo dorado, el artista se encarga de introducir perspectiva y tridimensionalidad por medio de una alfombra. En la parte inferior hay cinco escenas contenidas en arcos semicirculares que relatan la vida de San Luis. Las mismas se leen de izquierda a derecha. En la primera se encuentra el Papa Bonifacio VIII que quiere hacer obispo a San Luis, quién rechaza para ser franciscano primero. Seguido tenemos el ingreso a la Orden Franciscana. Luego a San Luis dando de comer a los pobres, el milagro de hacer resucitar a un niño, y por último, su muerte. 

Esta maravillosa pieza es la muestra de la delicadeza al pintar que caracteriza a Simone Martini, productor de imágenes suaves. Es un artista que integra la arquitectura a su obra y resalta la vocación a la narrativa. Sin embargo, lo más innovador que realiza es la frase que aparece en la bancada (parte inferior) en la que expresa: “SIMON.DE.SENIS ME.PINXIT”  que significa “Lo hizo Simone”. Con ello propone un cambio en la mentalidad y orgullo del artista porque se reconoce como creador de ella. Sin lugar a dudas su trabajo artístico es excepcional que no solo se ve reflejado en esta pieza sino también en obras como La anunciación y Majestad del Palacio Público de Siena. Simone Martini muere en 1340 en la corte papal de Aviñón, Francia donde realizó sus últimas obras. 

Estos genios de la pintura conforman una de las partes fundamentales de la historia del arte a lo largo de los siglos. El viernes próximo Arte Espacio viene con una nueva historia que no te debes perder. Arte Espacio te recuerda que puedes visitarlo en las redes sociales y compartir su información con los demás. Será hasta la próxima. Chao.  

Combinación perfecta

¿Qué ropa me pondré? Es una pregunta que puede convertir en al acto sencillo de vestirse en uno complicado. Cuando la pregunta llega a tu mente y no tienes respuesta comienza la tensión de escoger entre la variedad que ofrece nuestro guardarropas, que es preferible que sea reducida si queremos acabar con ello rápido y continuar el día. Desde jeans hasta ropa deportiva agrupan las posibilidades de atuendos para el día. Bien podemos inclinarnos por una camisa de rayas o de cuadros o color entero o de diseño único, suelta o ajustada la decisión está en nuestras manos o al menos eso parece. Luego piensas, aunque uno no sea el experto en modas, en que combine tantito para verse bien. Entonces una actividad que debería tomar no más de 5 minutos puede llegar a requerir 20-30 minutos para encontrar el atuendo perfecto. Las personas amantes de la moda y el buen estilo comprenderán totalmente y los que no tenemos una idea porque es posible que nos haya sucedido en algún momento remoto. 

En 1917 en Holanda se originó un movimiento artístico, que luego de su desarrollo, impactó la moda de sus tiempos.  A tal grado que Channel diseñó un vestido en base al mismo. Ese movimiento se conoció como De Stilj o El estilo, y surgió con el objetivo de integrar las artes a manera de conciliar un arte total. Comenzó con una revista que llevaba dicho nombre y que en 1931 dejó de existir. Fue fundado y liderado por T. Doesburg. Entre los miembros del grupo destacó Mondrian puesto que sus pinturas fueron el origen de la filosofía y las formas visuales del De Stilj. A partir de ello la intención del movimiento era expresar el funcionamiento o estructura matemática del universo y la armonía universal de la naturaleza. Por consiguiente, buscaban leyes universales sobre la realidad visible que residen en el exterior de las cosas, en la apariencia de las mismas. 

Mas adelante surgió, la teoría del elementarismo proclamada por Doesburg que estableció que la diagonal es el principio más dinámico en una composición que la construcción vertical y horizontal. En sus obras destaca el empleo de la línea diagonal, mientras que en las de Mondrian dicho elemento no fue utilizado. Para la arquitectura y el diseño gráfico bajo este movimiento artístico la tecnología y las formas visuales hicieron posible producciones diferentes. 

Entre las obras hechas por Mondrian se encuentran: Árbol gris (formas de la naturaleza son sometidas a esquemas), Abstracción o composición rojo, azul, amarillo y Broadway Boogie Woogie. Rietveld presenta obras como la Schroder house y la Silla en la cual predomina la geometría y el color. Doesburg por su parte empleó los colores y geometría para articular un espacio arquitectónico como lo hizo en Diseño para casa. Oud es quién trabajó la arquitectura para las masas mediante las construcción de Casas en hileras. Sin duda el De Stilj pretendió implantar lo nuevo y lo diferente por medio de la geometría y el color en sus obras ejerciendo una fuerte influencia en el mundo de la moda que hasta el día de hoy perdura. 

Árbol gris

Abstracción rojo, azul, amarillo

Broadway Boogie Woogie

Schroder house

Silla

Diseño para casa

Casas en hileras

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Receta para la renovación

Actualmente nuestro planeta es un lugar donde tantas cosas importan y a la vez no importan. Vivimos en un tiempo donde las ideas son muy bien recibidas y más si son de utilidad en la vida. El secreto de la juventud, el cutis perfecto, el cuerpo escultural, todo lo que sea saludable, ayuda espiritual y así sucesivamente. Dentro de esa amalgama de ideas aparece la renovación. ¿Qué es la renovación? Según mis estudios en experiencias humanas y estilo de vida, es cuando se trata de mejorar un aspecto o elemento. Así, se re-hace el objetivo para hacerlo mejor, cambiarlo, revolucionarlo, en fin, renovarlo. Haz cuenta que tienes un sofá muy viejo hacia el cual sientes mucho cariño y te niegas rotundamente a deshacerte de él. Por consiguiente, lo mandas a arreglar con un tapicero. Luego de eso queda como nuevo porque fue renovado y tú contento porque tienes a tu amado sofá. El proceso de renovación puede ser muy bueno, ¿no les parece? 

Es probable que todos y todas hayan visto o escuchado algún anuncio sobre renovación, que si renovación espiritual, matrimonial, emocional, familiar, etc. Si hoy día se habla de renovación en muchas áreas el arte no es la excepción. Aproximadamente para 1915 Lazar Makovich Lissitzky, artista, profesor y diseñador gráfico ruso, fue colaborador de Malevich en el suprematismo (artículo previo). Trabajando con Kasimir Malevich se orientó por desarrollar la renovación del suprematismo. ¿Cómo lo logra?

En 1919 creó el PROUN o Pro Unovis, unovis como referente a la agrupación dirigida por Malevich orientada a la afirmación de lo nuevo. El Pro Unovis fue la consigna para la renovación del arte por medio de composiciones abstractas cargadas de dibujos geométricos con múltiples dimensiones y sin perspectiva. Se trató de un arte que rompió con los espacios cerrados implementando un juego con la naturaleza abierta. Se dirigió a explorar otras superficies y no se limitó a la del lienzo. A la vez creó un nuevo espacio o cosmos para el ser humano rompiendo con el ritmo y la simetría, dejando un espacio alternativo diferente. 

Su finalidad fue transformar el espacio en que se vive a través de la abolición de las formas de creación artística. El objetivo era proveer una libertad al momento de hacer arte y que cada artista tuviese la libertad de hacerlo a su manera e incluso, integrando todos los medios del arte en una obra. El proun fue el vehículo por medio del cual el artista pasa de la contemplación a la realidad puesto que cada obra bajo este estilo representó un eslabón en la cadena hacia la perfección, cada una de ellas se acercaba al objetivo. Con este estilo Lissitzky inserta un proceso de creación plural en el que trabajan muchos artistas versus el modelo de creación individual. Así el autor desaparece porque son muchos los que intervinieron en el proceso de creación dando el nacimiento de un nuevo estilo con autores anónimos. 

El proun fue un estilo que pretendió renovar el arte al punto que rebasó las fronteras del lienzo, convirtiendo en arte desde piezas hasta paredes. 

Lenin Tribune 1920 

Design 1922

Proun 1922

Proun 1924

Kestnermappe Proun 1923

Exposición Internacional de Arte 1926 en Dresde

Exposición de arte abstracto en Museo Provincial de Hannover 

Esbozo para un proun de Lissitzky

 

"¡No queda más que un desierto!"

Si bien es cierto,  en nuestro planeta hay millones de objetos, cosas y artículos que según sus propiedades asociadas a nuestros referentes mentales podemos decir que son enteramente o al menos bastante reconocibles. Todos somos capaces de reconocer un libro, un papel, una flor y por ahí te vas. El punto es que son cosas, que en su mayoría, podemos identificar rápido. Ahora bien, vamos a hacer un ejercicio sencillo. La imagen que se muestra a continuación tiene bastantes, sino es que muchos, objetos reconocibles como árboles, flores, niños, cisne, un puente, un edificio, un cuerpo de agua, una mujer desnuda y entre otras cosas. 

Está claro que en esta obra de Leda y el cisne de Leonardo da Vinci podemos reconocer las cosas y el artista plasma esos elementos de la realidad. 

No obstante, ¿qué sucede cuando nos enfrentamos a una imagen como la que sigue a continuación? ¿Reconocen algo? 

En ella es más complicado llevar a cabo ese proceso que tanto hacemos. ¿Por qué será?  La obra se titula El afilador de cuchillos. Es muy probable que al momento que nos dicen algo sobre la misma empezamos a notar que sí lo tiene.  ¿Cómo es eso posible? ¿Qué hace que lo pasemos desapercibido si estuvo ahí siempre? Interesante. Echemos un vistazo para descubrir el porqué y cómo eso sucede. 

Esta idea muy peculiar y particular proviene de la abstracción (artículo anterior) y más específico de una de sus vertientes: el suprematismo. Este es creado por Kasimiro Malevich, artista que inicia con la abstracción y luego pasa al suprematismo. Este movimiento otorgó enfoque a la sensibilidad pura en el arte y promovió la expresión de la misma. Bajo el suprematismo se valora todo medio que permita la máxima expresión de la sensibilidad en una obra puesto que la misma es diferente a la objetividad, a una representación objetiva de la realidad. De ahí que Malevich argumentara que la sensibilidad es independiente del ambiente en que surgió puesto que la misma es un fenómeno que es evocado por algo. Para el suprematismo los fenómenos naturales no tienen significado, por lo cual pueden estar presentes pero no será una representación fidedigna de ellos ni serán el foco de interés. Lo que interesa es la sensibilidad que lleva a la representación sin objetos. La intención es que nada sea reconocible excepto la sensibilidad como obra de arte. Por tal razón, Malevich argumentó que el suprematismo trata de un desierto de sensibilidad donde no hay imágenes de la realidad y solo es reconocible la sensibilidad en la obra. 

Malevich como artista tienen obras figurativas en las que hay objetos reconocibles como Los deportistas y Cabeza de campesino. En ellas podemos identificar ciertos objetos que son familiares y además son temas de la realidad. Al igual sucede con El reposo de la buena sociedad, El carpintero y La cosecha del siglo. En ellas se puede apreciar la sensibilidad en la forma de trabajar la obra y se puede confirmar que el interés no es presentar la realidad porque no tiene significado sino la sensibilidad de lo que esa escena puede provocar. Sin embargo, en otras como Negro sobre blanco y Blanco sobre blanco las cosas cambian. Aquí observamos unas obras que constatan el argumento de Malevich de lograr una representación sin objetos. Incluso, plasma la sensibilidad a través de lo visual. Es el suprematismo en toda su expresión. 

Los deportistas

Cabeza de campesino

El reposo de la buena sociedad

El carpintero

La cosecha del siglo

Blanco sobre blanco

Negro sobre blanco

Este movimiento representó una revolución puesto que el interés no residió en los objetos reconocibles de la realidad sino en la sensibilidad y abrir el espacio para manifestarla hasta el punto de prescindir de ellos al momento de hacer una representación. El recorrido por la vida del arte continúa. Para la próxima los espero para conocer el PROUN. ¡No te lo pierdas! Hasta la próxima! Un abrazo. 

Derroche de formas

Cuando comenzamos nuestro periodo de escolarización los maestros nos van formando por medio de conocimientos. Dentro de ellos están las formas geométricas y gracias a ellos es que reconocemos un círculo, un óvalo, un triángulo, un cuadrado, un rectángulo, etc. Luego de conocerlas comenzamos a notar que no son simples figuras sino que las mismas están presentes en edificios, artículos, etc. Hoy día las formas geométricas impregnan nuestro alrededor desde un monumental edificio hasta un portarretratos. Aproximadamente para 1905 surgió un movimiento que empleó estas formas al mundo del arte de forma radical. Lo revolucionario reside en que el cubismo se va a encargar de romper el objeto para simplificarlo, distorsionarlo y reducirlo a formas geométricas. Como resultado produjeron una composición geométrica que va a analizar las formas sometiendo la naturaleza a la geometría. 

El mayor exponente del cubismo es Pablo Picasso, un artista que como pintor pasa por muchos periodos y en el de formas sólidas mostró las propuestas del cubismo. Picasso inventa la técnica del collage que consta del ensamblaje o combinación de elementos variados en un cuadro. En sus exploraciones como pintor durante este periodo se observa que ya no representa el desnudo clásico tradicional bien proporcionado, perfecto y bello. Por el contrario, nos presenta un cambio en la representación  del mismo porque es un cuerpo con más masa. Otra característica es que comienza la esquematización o simplificación de las formas, no hay interés en detallar el objeto más bien la intención es distorsionarlo. Por consiguiente, Picasso toma lo esencial de ese algo que quiere representar sin describir ni mucho menos detallarlo, fenómeno conocido como abstracción. 

Con este gran artista se observan dos vertientes del cubismo. La primera es el cubismo sintético que se refiere a la síntesis o reunión de elementos en un lienzo. Un ejemplo de ello los es su obra Naturaleza muerta con mimbre de silla de 1912. En ella tenemos una soga que funge como el marco y una mimbre de silla sin pintar con las letras de Journal encima. La misma es un ejemplo del concepto collage ya que mezcla diferentes elementos en una composición. Por otro lado, está el cubismo analítico en el que se realiza la descomposición de las partes de algo que se analiza en la pintura. Las señoritas de Avignon de 1907 es una muestra de esta vertiente. En la obra vemos 5 mujeres mostradas porque se abre una cortina, a sus pies hay frutas (o naturaleza muerta) y líneas que demarcan las partes de los cuerpos. 

Naturaleza muerta con mimbre de silla

Señoritas de Avignon 

Un gran exponente lo fue George Braque, que por medio del papier collé introdujo la vida en el arte. El papier collé es una técnica que consiste en pegar piezas planas en la pintura las cuales determinan un objeto. Junto con ello insertó letras al lienzo, de esta forma conformaba un collage. Claramente la intención era insertar eventos de la vida en una pintura. Su obra Violín y pipa de 1913 muestra el concepto. No obstante, Braque realizó obras que no implementaban la técnica del papier collé. En ellas se va a ver una composición geométrica. En Casas de L'Estaque de 1908 podemos observar una tendencia a llevar el ojo humano a mirar al centro y vemos la explosión de formas que ocupan todo el lienzo. Otra de sus obras más conocida lo es Gran desnudo de 1907-1908 en la cual se puede apreciar la línea gruesa que define los contornos de la figura, además que no es el desnudo clásico de un cuerpo más bien se ve la tendencia a simplificar y analizar las formas. 

Violín con pipa

Casas de L'Estaque 

Gran desnudo

Otros exponentes lo son Jan Metzinger, Delaunay, Geleizes, Juan Gris y Fernand Leger. De ellos, Metzinger y Geleizes escriben un texto sobre el cubismo. Si bien los mencionados parten de los dos grandes maestros cubistas para hacer sus obras siguiendo los postulados del cubismo y su tendencia universal a someter la naturaleza a la geometría. Una vanguardia más que establece una nueva concepción de arte. 

El pájaro azul 1913 Jan Metzinger 

Mujer con sombrilla 1913 Delaunay

Hombre en la hamaca 1913 Geleizes

Retrato de Picasso 1912 Juan Gris

Contraste de formas 1913 Fernand Leger 

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La nueva religión

Lo espiritual y lo simbólico son elementos que expresan o dicen algo. Ellos fueron importantes para la segunda vertiente del expresionismo alemán conocida como El jinete azul. Este nombre se refiere a la preferencia por el azul y el caballo de dos de sus integrantes, Vasily Kandinsky y Franz Marc, quienes afirmaron que el nombre vino por si mismo. Junto a ellos trabajaron: Gabriele Munter, Augusto Macke, Lyonel Feininger, y Alex Jawlensky. Las fuentes de inspiración del grupo fueron los escritos de Nietzsche y los de Wilhem Worringer. Su interés radicó en presentar las propiedades espirituales y simbólicas de las formas naturales y abstractas. Como grupo creyeron fervientemente en la libertad de expresión y experimentación. Con esta creencia como norte trabajaron arduamente para lograr conformar su primera exhibición en 1911. 

Vasily Kandinsky destaca como líder o guía espiritual del grupo además de ser el teórico principal, pintor y profesor en Alemania. Bajo esta nueva orientación, Kandinsky mostró improvisaciones más liberadas y abstractas como esa forma libre caracterizada por un arte no objetivo, no ilustrativo. Su interés fue mostrar por medio de las formas y los colores relaciones espirituales y simbólicas. En su obra Señorita de Moscú de 1912 es un ejemplo de sus ideas traducidas al lienzo. En la misma hay una mujer en  primer plano, se observa un cambio de escala, una mancha  de color negra que cubre una parte de la escena y una rosada detrás de la mujer que bien puede ser su aura. Aquí todo pensamiento es traducido en color y forma. Inclusive, el color se combina con lo simbólico que en este caso las manchas refieren a planos diferentes ya sea el bien, el mal, etc. Tanto en esta obra como las demás son la muestra de ese aspecto espiritual e introspectivo de su arte. Siendo además, ese deseo de creer en algo más allá de la realidad.

Señorita en Moscú

Franz Marc se orientó a un simbolismo relacionado a la existencia animal en la naturaleza que  contrastó la belleza natural de la vida animal con la existencia humana. De ahí que su obras mayormente sean de animales resaltadas por los colores y las formas. Su obra Los caballos azules de 1911 es un ejemplo de su interés por los animales especialmente los caballos. Marc aplica los colores de tal manera que parecen sobados, además los contrasta favoreciendo al caballo como el protagonista del lienzo. 

Los caballos azules 

Lyonel Feininger fue conocedor del cubismo que al unirse al grupo lo transforma en una versión sensitiva, delicada y con humor del expresionismo. En Gelmeroda VIII de 1921 apreciamos que las formas irregulares y los colores brillantes dan la sensación de penetración o inserción mutua. Además, su amor por la música sugiere la sutil organización rítmica de la escena. Otro pintor del grupo la fue Jawlensky se interesó por lo decorativo, lo psicológico y las cualidades espirituales del rostro humano. Su pieza The Hunchback muestra estos intereses además de resaltar el simbolismo de la naturaleza por medio del color y sus pinceladas sueltas. En el grupo resaltó una figura femenina que fue discípulo de Kandinsky, Gabriele Munter se destacó por presentar paisajes empleando una paleta de colores diferentes, pincelada fuerte, pastosa y rápida. Paisaje de Murno con muro blanco de 1910 es un ejemplo de lo que la caracterizó. Por último, Augusto Macke se interesó por el paisaje citadino, por la imposición de formas cubistas y geometría y por composiciones organizadas con colores brillantes. Su obra Sombrería  de 1914, presenta una tienda de sombreros, como su nombre lo indica, que forma parte de la ciudad espectáculo que destacó en la modernidad. 

Gelmeroda VIII

The Hunchback

Paisaje de Moscú con muro blanco

Sombrería 

El jinete azul representó un arte que pretendió ser la nueva religión de la sociedad contemporánea. Un arte que partió del deseo de creer en algo que estuviese más allá de la realidad y en el cual los artistas eran visionarios y profetas de un arte que perdió su esencia y cuyo interés lo fue el cómo.  

Los colores se manifiestan

Los colores son aquellos que le dan más vida a las cosas que vemos. O ¿Acaso no es hermoso un atardecer con ese cielo azul, amarillo, naranja, rosa  que hace que alucinemos ante la belleza de  los colores y lo que son capaces de expresar?  Un solo color puede manifestar muchas cosas, por ejemplo: el azul que bien puede referirse al cielo, al mar, a lo frío. Teniendo esto en consideración, para el 1900 aproximadamente surgió un estilo llamado fovismo. El mismo proviene de fox que significa fiera y fue acuñado por Louis Vauxcelle para designar a las pinturas que eran llamativas desde el color. Lo importante era el color en sí y no la figura en la composición partiendo de que los colores pueden ser expresivos, descriptivos y simbólicos. 

Esto supuso un cambio contundente y significativo en la pintura puesto que lo primordial era expresar por medio de los colores, los cuales fueron fundamentales. El líder del grupo fue Henri Matisse quién siguiendo la concepción vanguardista escribió un manifiesto sobre sus obras y su trabajo como artista/pintor. Matisse planteó que el objetivo era la expresión y que la misma estaba en la composición reflejada en los aspectos formales (cuerpos, figuras, vacíos, proporciones y distribución de colores) porque son los vehículos de la expresión per se. Además, él habló de representar más allá de lo fugaz para mostrar algo duradero y profundo, ese algo tenía que llevar a la esencia de las cosas. De ahí que Matisse argumentó que hacía una ejecución lenta de la obra para seguir trabajándola y lograr dar con la esencia. Por último, Henri Matisse estableció que el arte tiene autonomía porque crea su propia ley, es decir, el arte es independiente de la naturaleza y su menester reside en interpretarla y amoldarla a las leyes del cuadro. Con este planteamiento Matisse expone un punto clave de la vanguardia: la autonomía del arte. 

Sus obras fueron reflejo de sus planteamientos y en cada una de ellas Matisse las trabajó hasta lograr la esencia en el cuadro. En el lienzo La ventana abierta de 1905 podemos apreciar colores brillantes que destacan la escena  y lo particular de esta pieza es el uso del contraste simultáneo en el que por medio de los colores logra el contraste que produce un efecto en la pintura. 

En su obra Carmelina 1903 tenemos a una mujer sentada que mira al observador, su silueta está más definida, hay composición geométrica donde se ve la línea recta y el punto, los colores son más llamativos y en la parte de atrás sale el pintor. Otra de sus obras Mujer con sombrero de 1905 el contraste lo podemos apreciar en la forma del sombrero y toda la obra es una muestra de la maestría del artista en la organización de los colores para producir un efecto. 

Junto a Matisse destacaron varios pintores, entre ellos: André Derain y Mauricio Vlaminck. El primero realizó un cuadro titulado Los botes de Collioure de 1905 en donde la escena es vista desde arriba, con grandes pinceladas, contraste simultáneo y la técnica del puntillismo o divisionismo en la cual las pinceladas som rayas o puntos. 

Vlaminck por su parte, realizó Paisaje con árboles rojos de 1906-07 en donde podemos apreciar una cierta profundidad dada por la unión de formas, las formas poco definidas, sin perspectiva atmosférica (espacio entre figuras y planos de la composición) y contraste de colores. 

Con este nuevo estilo vanguardista Matisse y sus compañeros plantearon que la pintura es expresiva y lo logra con el color y el manejo apropiado del mismo en conjunto con aspectos formales. La vanguardia ya comenzó la transformación, no te pierdas el próximo cambio por aquí todos los viernes. Hasta la próxima. Un abrazo. 

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¡Es tiempo de cambiar!

Museo de Arte, Weisman de Gehry

Siguiendo la trayectoria del arte se ha visto que cada cierto tiempo pasa por una serie de cambios y transformaciones que dictan nuevas normas y parámetros para hacer arte. Durante el siglo XX el mismo sufrió una gran transformación que iba acorde a la sociedad del consumo que se estaba desarrollando en ese momento. Junto con ello, surgen los movimientos de vanguardia cuya intención fue integrar el arte a la sociedad. Así, el interés de este arte fue el concepto y no el objeto de arte, revalorizando la acción, lo espontáneo, lo efímero y lo no comercial. 

Dentro del arte, la arquitectura tuvo un desarrollo individual, pero sin distanciarse de las demás artes orientada a la idea del espacio más estructurado y funcional, considerando las nuevas tecnologías y su lugar en el ambiente. A veces iba de la mano con algún movimiento artístico como lo fue el caso de la de corte expresionista que empleó nuevos materiales para construir como el ladrillo, acero y vidrio, orientándose a la fabricación en masa.  Además, se dio el constructivismo ruso con su arquitectura funcional enfocada en las necesidades reales de la población. Sin embargo, este medio tuvo como tendencia primaria el racionalismo promovido por la Escuela de la Bauhaus estableciendo que la arquitectura debe tener la razón como fundamento, además de líneas sencillas, funcionales y basadas en formas geométricas. Así, fue una que renunció a la decoración excesiva y destacó el diseño como sencillo y funcional. Los principales exponentes fueron: Walter Gropius, José Luis Sert, Frank Lloyd Wright, Alvar Aalto, Oscar Neimeyer, Ludwig Mies van der Rohe entre otros. 

Casa de la Cascada de Lloyd Wright

Pabellón alemán en Exposición Internacional, Barcelona de Mies van der Rohe

En 1950 surgió el brutalismo que partió de formas austeras, teniendo como base la pureza material y siendo más importante la estructura que el acabado de la misma. Alice y Peter Smithson se destacan en esta vertiente. En contraste, el metabolismo japonés se dirigió a atender las necesidades de la sociedad de masas, desarrollando estructuras flexibles, de grandes escalas y formas orgánicas, praticado por Kenzo Tange. La arquitectura pop, por su parte, resaltó lo urbano y las variaciones populares mediante ambientes nocturnos como los de Las Vegas, Robert Venturi da muestra de ello. 

Sin embargo, el diseño científico y estructural enfatizó en las nuevas posibilidades que trajo la técnica, empleando el hormigón y formas orgánicas. Richard Buckminster Fuller es testigo de esto. De ahí que en la década del 60-70 emergió el high-tech, movimiento que pretendió revitalizar lo moderno por medio de la innovación y la tecnología, tal y como lo hizo Norman Foster. Para este mismo tiempo surgió el antidiseño, que se opuso al racionalismo y a la visión de la función social y cultural de la arquitectura. Como contraataque apareció el neorracionalismo y con este el regreso de lo funcional siendo sus precursores el grupo italiano Tendenza y los Five architects. 

Robin Hood Gardens de Smithson

Fuji Television building, Odaiba de Tange

Casa Vanna Venturi

Pabellón de EU en Expo 67 de Buckminster

Torre caja, Madrid de Foster

Ya para la altura de 1975 se desarrolló la arquitectura posmoderna que reinterpretó otros estilos y se basó en el eclecticismo (combinación de estilos) ejercido por James Stirling en sus obras. Pero un cambio más devenía en el curso de la arquitectura que destacó la fragmentación, el empleo de un proceso de diseño no lineal y el manipular las estructuras, tal cual lo hizo Frank Gehry con esta corriente de deconstructivismo. Si bien advinieron muchos cambios para este siglo en el campo de la arquitectura, imagínense los que tuvo la pintura y demás medios artísticos. De ahí, que la vanguardia traduzca muy bien los cambios de este arte del siglo XX. Las vanguardias serán nuestra próxima parada y se examinarán cada una de ellas. 

Facultad de Historia, Universidad de Cambridge de Stirling

Centro Stata de Gehry

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