El lado oscuro

¿Les ha pasado alguna vez que dicen algo que no se supone que dijeran o que no debieron haber comentado? ¿Si o no? Aunque tratemos de negarlo es muy probable que nos haya sucedido en algún momento. Cuando sucede, uno quiere desaparecer de la faz de la tierra, que la tierra te trague, que te caiga un rayo o simplemente dar 'rewind' para evitar semejante pasme, bochorno o vergüenza. Pues así somos y esas cosas suelen pasarnos muy a menudo o a veces. Este vergonzoso momento muestra como una instancia de nuestro ser se levanta y alza la voz. Dicha instancia es el inconsciente o el id como lo designó el padre del psicoanálisis Sigmund Freud. Este doctor muy reconocido y famoso planteó que el ser humano está constituido de por 3 instancias: el id en el que predomina el principio de placer (deseos irracionales, necesidades egoístas, etc.); el super-ego dirigido por el principio de la moral representado por la cultura que rige nuestros comportamientos; y el ego representante del principio de la realidad, de lo que proyectamos ante los demás. El inconsciente tiene 3 modos de funcionamiento: condensación (sucede cuando un contenido latente o constante se comprime y se expresa en un contenido manifiesto como lo es el caso de los sueños), desplazamiento (ocurre cuando el interés se dirige un elemento importante a uno insignificante) y siniestro (se presenta cuando lo que es familiar se muestra como no familiar). 

Teniendo como partida el argumento de Freud en 1924 en Francia luego de la Primera Guerra Mundial surgió un estilo llamado surrealismo. El mismo significa hacer un lenguaje poético artístico basándose en el inconsciente. Se trata de explorar y dejar que se manifieste el inconsciente del artista que trabaja el lienzo sin ningún control racional. Es la sustitución de un trabajo racional por uno que le cede espacio al contenido irracional del inconsciente. Esa era la intención de los artistas, sin embargo cuando se pinta la persona está consciente de lo que hace y no es posible notar el inconsciente. Por consiguiente, emplearon técnicas para adentrarse conscientemente al inconsciente. El cadáver exquisito (referirse al artículo anterior), la escritura automática (no hay pensamiento racional, la misma fluye sin intervención del intelecto) y médium (persona que se comunica con los muertos). 

Este grupo estuvo compuesto de escritores y poetas como André Breton, Benjamin Peret, Phillip Soupault y Antonin Artaud. Entre los artistas que destacaron bajo este estilo se encuentran: André Masson, Max Ernst, Rene Magritte, Joan Miró, Hans Bellmer, Louis Aragón, Oscar Domínguez, Luis Bunuel, Robert Desnos, Paul Eluard, Frida Khalo, Salvador Dalí, Hans Arp, Giacometti, Meret Oppenheim, Joseph Cornell, Remedios Varo y Leonara Carrington. Breton se posiciona como el líder intelectual del grupo y en 1922 alquila un espacio para un estudio que convierte en el Bureau de Investigaciones Surrealistas. Muchos de los integrantes compartían la ideología comunista. Como fuente de inspiración es Giorgio de Chirico con sus obras impresionantes. En Misterio y melancolía de una calle muestra claramente lo siniestro en su composición que reemplaza la belleza y lo sublime. Max Ernst en "Pietá o revolución por la noche" se muestra a un hombre mayor arrodillado parece ladrillo que sostiene a un joven tipo escultura. Es posible que el hombre mayor sea el padre que carga a su hijo. La obra guarda una relación con la Pietá de Miguel Ángel por el título y por el joven de yeso que parece escultura. Muestra la noche que es el ámbito onírico o de los sueños, además de la condensación por el padre que carga a su hijo y detrás hay un hombre con ojos vendados refiriendo al complejo de Edipo. Si bien la misma presenta aspectos del inconsciente en la composición sirviendo como punto de arranque para sus demás obras. 

Misterio y melancolía de una calle

Pietá o revolución por la noche

Ernst también trabaja la técnica del frotash que se refiere a colocar el papel sobre una superficie rugosa por encima se raya el papel con un crayón y se obtiene el relieve. En su obra, Bosque y sol, muestra como funciona la misma. Salvador Dalí, por su parte, en su obra Juego Lúgubre de 1929 introduce lo escatológico (interés en viseras, fluidos, excrementos, etc. por partes no agradables del cuerpo). "El imperio de las luces" de Magritte es una obra espectacular en la que el  día y la noche aparecen simultáneamente, cosa que solo se puede lograr en la pintura. Joan Miró se interesó por la visión maravillosa del paisaje aplicada en el surrealismo. "El campo inclinado" es un buen ejemplo. En ella podemos apreciar la aparición de animales familiares y extraños a la vez, y vemos como todo es traducido a la fantasía. 

Bosque y sol

Juego lúgubre

El imperio de las luces

El campo inclinado

Oppeheim en su obra, Piel de desayuno,  hace un trabajo muy particular y revolucionario ya que recubre una taza con piel o pelaje de un animal incursionando en la categoría del asco en el mundo del arte. Giacometti en "El objeto invisible agarra el vacío", muestra un cuerpo alargado con extremidades finas y cabeza pequeña que  sostiene algo que no está. Bellmer se encargó de explorar el cuerpo humano y en sus obras va a recomponer el mismo de forma distinta, presentando un cuerpo inventado. Las muñecas o maniquíes que hace muestran esta idea del artista. 

Piel de desayuno

El objeto invisible que agarra el vacío

Muñeca

Maniquí 

El surrealismo como estilo artístico pretendió demostrar el inconsciente por medio de sus obras a manera de presentar una nueva propuesta en el curso  del arte la cual le da espacio a que se manifieste un contenido irracional. Sin lugar a dudas bastante revolucionario es el surrealismo, algo muy característico bajo este periodo de vanguardias. Los espero el viernes próximo para continuar nuestro viaje. Recuerden visitar Arte Espacio en las redes sociales y compartir la información. Mil gracias. Hasta la próxima. Un fuerte abrazo a todos.  

Nada de nada ... Muy original...

Hay cosas en la vida que son productos del azar, sin buscarlas se dan. Por ejemplo, si vamos caminando por  la calle y de repente vemos dinero en el piso o si nos encontramos a una persona que hace mucho tiempo no la vemos. Es aquí donde el azar se produce, simplemente es algo que se da sin hacer nada para que suceda. Lo mismo sucede con la espontaneidad, fenómeno ocurrente sin previo aviso, que viene de nuestro ser. Es posible que todos en algún momento hayamos reaccionado de forma inesperada ante una situación o evento como lo es dar brincos de felicidad ante una buena noticia, llorar sin razón aparente, etc. Si bien el azar es un fenómeno recurrente que también está en el arte porque en el mundo artístico hay espacio para todo y todos. 

En 1916 en Zurich, Suiza inicia un estilo artístico conocido como DADA en el que lo azaroso, lo espontáneo, lo desorganizado conformaron el norte del mismo. Inclusive, fue la vanguardia más contradictoria y nihilista (destructora) porque se planteó como anti-arte con una propuesta de autodestrucción del arte acompañada del humor en las obras. De ahí, que la palabra DADA signifique nada y sus exponentes pretendieron cambiar el mundo con nada. Dicha vanguardia tiene como referente a Isidoro Ducasse alias Conde Lautremont, quién en Los cantos de Maldoror presenta la idea del encuentro fortuito entre dos objetos que no guardan relación alguna. Se trata de una no relación que enciende la chispa para la originalidad a partir de dicho encuentro. Como reflejo de ello los artistas dadaístas presentaron estas ideas sino que también de se dio el llamado cadáver exquisito, que refiere a la forma arbitraria para construir un poema dadá. Para construirlo es necesario recoger piezas de escritos de periódicos, revistas, etc. para depositarlos en un envase, azarosamente escoger uno e ir pegándolo de cualquier manera. Esta técnica se aplicó también en los lienzos y dibujos. Su intención fue dar espacio a lo original, a explorar el mundo de la originalidad para contrarrestar la uniformidad del arte. Simplemente se trataba de presentar una nueva propuesta a través de composiciones artísticas radicalmente diferentes. 

El líder y promotor del DADA fue Hugo Ball quién junto a su esposa Emma Henning fundaron el Cabaret Voltaire. Fue lugar de muchas veladas con artistas, poetas y refugio para los que no favorecían la guerra. Entre sus exponentes se encuentran: Tristán Tzara, Marcel Janco, Hans Arp, Richard Huelsenbeck, Hans Richter, Hannah Hoch, Raoul Hausmann, Kurt Schwitters, Man Ray, Francis Pacabia y Marcel Duchamp. 

Hannah Hoch en sus obras mostró interés por temas de la belleza y el deporte aplicando la noción de collage del cubismo pero distinta. Su obra Belleza extraña de 1929 es muestra de un collage puesto que muestra una Venus recostada a la que le añade una máscara africana, conjunción de dos elementos en una pintura. 

Raoul Hausmann se interesó por los autómatas, por la máquina que es una alusión al cuerpo híbrido. En su obra Cabeza mecánica de madera de 1918 es un ejemplo de su trabajo.

Kurt Schwitters aporta el merzbau que refieren a cuartos llenos de objetos que el artista encontraba. Con ello cambia la noción de arte ya que paredes, ventanas y pisos conforman una obra de arte con sentido arquitectónico, es decir, un cuarto como espacio artístico. El artista mostró un interés en coleccionar  objetos basura que conforman una obra de arte, es el desecho de la cultura convertido en arte, de aquí radica el origen del arte basura que hoy se conoce. Esta nueva idea fue destruida por los nazis durante la segunda Guerra Mundial. 

Merzbau en Hannover

The Merz column 

Marcel Duchamp, por su parte, en 1912 pinta "Desnudo descendiendo por la escalera",  fue rechazado en la exposición del Salón de los Independientes de Metzinger y Gless porque no cumplía con los postulados del movimiento cubista. Con este evento quedó demostrado que la vanguardia incluye pero al mismo tiempo excluye. A partir de esto, Duchamp se dedica a investigar y en 1913 presenta el ready-made. Un ready-made consta de objetos escogidos azarosamente por el artista que al ser intervenidos por este y colocados en un museo se convierten en obras de arte. Con ello planteó una nueva fórmula para el arte: objeto + contexto = arte. Por tanto, como resultado se tiene un objeto anónimo que  cuestiona tres aspectos del arte tradicional. En primer lugar, la técnica porque Duchamp no hace el objeto, segundo lugar la estética porque no da espacio para que se hable de belleza, por último, critica el gusto porque no se trata de objetos que el artista prefiere, por el contrario son completamente indiferentes para él, son seleccionados azarosamente. 

Con esta noción Marcel Duchamp planteó el arte de la indiferencia al convertir en arte un objeto útil que en el museo o galería se transforma en inútil. De esta forma estableció que si todo puede ser arte nada es arte disolviendo la noción tradicional del arte y estableciendo una acción contradictoria puesto que se afirma y niega a la vez. Es un arte crítico y filosófico que quiebra la noción tradicional. Repetir el gesto del ready-made lo degrada y recae en el gusto. Esta noción de arte es neutral, no tiene significación porque es un objeto vació que no le interesa ser contemplado más bien desarticular la institución del arte por medio de la indiferencia y la libertad del artista. 

Además, de ser un arte de la indiferencia es también arte conceptual, arte que le otorga primacía a la idea puesto que  lo que interesa es el proceso de realización de la obra y no la obra en sí misma. Con sus ready-mades Duchamp resalta la tendencia nihilista del DADA de afirmar la nada o la no existencia por medio de la indiferencia y la contradicción de que todo es arte, nada es arte. En suma, el ready-made se ubica en una zona neutral: a-artístico está entre ser y no ser arte. 

Los 50cc de aire de París 1919

Rueda de bicicleta sobre taburete 1913 (muestra el encuentro fortuito planteado por Ducasse y el anti-mecanismo puesto que elimina la utilidad de los objetos por separado).

La caja verde 1934 (recopila facsímiles de sus ready-mades y contiene apuntes que pueden ayudar a reconstruir el sentido de las obras).

El gran vidrio o la novia desnudada por los solteros, aún 1923 (Muestra una relación amorosa en la que se da el intercambio de fluidos entre ambos registros. La novia es una máquina y muestra la conjunción cuerpo-máquina, los solteros son unos moldes machos y los lentes de microscopios son los testigos oculares de la escena. Se muestra la cuarta dimensión que es la relación tiempo-espacio que lo pintado en la obra es su proyección.) 

Estos son algunos de los ready-mades realizados por Duchamp. 

Este movimiento artístico con su propuesta de cambiar el mundo con nada quiebra la institución del arte y provee un espacio para un arte abierto y sin discrimen. Recuerda visitar Arte Espacio en las redes sociales y compartir la información. Gracias. Un abrazo. 

 

A toda velocidad...

El fenómeno de la velocidad es muy famoso en estos tiempos donde acapara pantallas de cine, pistas de carreteras y hasta restaurantes de comida rápida. Estamos en tiempos que el factor velocidad es muy apreciado y exigido al punto que queremos que esté en todo. Sin embargo, esta necesidad no es tan revolucionariamente nueva como pensamos. A principios del siglo XX en Italia, frente al advenimiento de la sociedad moderna, surge un movimiento conocido como el arte del futuro o futurismo. Este arte estuvo asociado al fascismo de Mussolini, además de que los que lo conformaron representaron un abanico de ideologías políticas como el comunismo, anarquismo, socialismo, etc. 

Bajo el velo de la industrialización de la gran ciudad el futurismo fue liderado por Filipo Tomasso Marinetti quién además fue escritor, poeta, activista político y artístico sin ser artista plástico. Marinetti es quién fomentó la creación e impulsó el futurismo como movimiento artístico. Este intelectual hace un manifiesto en que expone las pretensiones del futurismo. De primera instancia, rechaza la tradición puesto que como arte busca algo diferente, de ahí que incorpore elementos extra-europeos y exóticos a la vez. El modo de ser del futurismo se caracterizó por un amor al peligro, a lo temeroso, a lo enérgico, al patriotismo y al militarismo. La intención era exaltar el movimiento agresivo y la belleza del movimiento veloz. De esta manera presentó una obra provocadora a la vez que introdujo un canon nuevo: el auto o la máquina como belleza. El futurismo va a glorifiicar la guerra como higiene del mundo, afirmar el rol subordinado de la mujer y romper con la tradición de los museos, bibliotecas y academias. 

Los artistas que destacaron en este grupo lo son: Giacomo Balla, Carlo Carra, Benedetta Cappa Marinetti, Umberto Boccioni, Antonio Sant Elia, Gino Severini, Luigi Russolo, Fortunato Depero, Gerardo Dottori y Tullio Crali. Este conjunto de artistas destacaron las características del futurismo, pero en especial el interés por mostrar la belleza del movimiento veloz en sus escenas pictóricas. Sin duda el arte del futuro se encargó de representar la velocidad y resaltar las máquinas que caracterizaron los avances de la industrialización. 

Street light de Balla

El funeral del anarquista Galli de Carra

Síntesis plástica de los movimientos de una mujer de Russolo

Speeding motor boat de Cappa Marinetti 

El ciclista atraviesa la ciudad de Depero

Pan Pan en el Monico de Severini

Formas de continuidad en el espacio de Boccioni

Batalla aérea sobre el Golfo de Nápoles de Dottori

Antes de que el paracaídas se abra de Crali

Continuamos avanzando en la vida del arte, no te pierdas su progreso en la historia. Recuerda visitar Arte Espacio en las redes sociales y compartir la información. Gracias. Un abrazo. 

Derroche de formas

Cuando comenzamos nuestro periodo de escolarización los maestros nos van formando por medio de conocimientos. Dentro de ellos están las formas geométricas y gracias a ellos es que reconocemos un círculo, un óvalo, un triángulo, un cuadrado, un rectángulo, etc. Luego de conocerlas comenzamos a notar que no son simples figuras sino que las mismas están presentes en edificios, artículos, etc. Hoy día las formas geométricas impregnan nuestro alrededor desde un monumental edificio hasta un portarretratos. Aproximadamente para 1905 surgió un movimiento que empleó estas formas al mundo del arte de forma radical. Lo revolucionario reside en que el cubismo se va a encargar de romper el objeto para simplificarlo, distorsionarlo y reducirlo a formas geométricas. Como resultado produjeron una composición geométrica que va a analizar las formas sometiendo la naturaleza a la geometría. 

El mayor exponente del cubismo es Pablo Picasso, un artista que como pintor pasa por muchos periodos y en el de formas sólidas mostró las propuestas del cubismo. Picasso inventa la técnica del collage que consta del ensamblaje o combinación de elementos variados en un cuadro. En sus exploraciones como pintor durante este periodo se observa que ya no representa el desnudo clásico tradicional bien proporcionado, perfecto y bello. Por el contrario, nos presenta un cambio en la representación  del mismo porque es un cuerpo con más masa. Otra característica es que comienza la esquematización o simplificación de las formas, no hay interés en detallar el objeto más bien la intención es distorsionarlo. Por consiguiente, Picasso toma lo esencial de ese algo que quiere representar sin describir ni mucho menos detallarlo, fenómeno conocido como abstracción. 

Con este gran artista se observan dos vertientes del cubismo. La primera es el cubismo sintético que se refiere a la síntesis o reunión de elementos en un lienzo. Un ejemplo de ello los es su obra Naturaleza muerta con mimbre de silla de 1912. En ella tenemos una soga que funge como el marco y una mimbre de silla sin pintar con las letras de Journal encima. La misma es un ejemplo del concepto collage ya que mezcla diferentes elementos en una composición. Por otro lado, está el cubismo analítico en el que se realiza la descomposición de las partes de algo que se analiza en la pintura. Las señoritas de Avignon de 1907 es una muestra de esta vertiente. En la obra vemos 5 mujeres mostradas porque se abre una cortina, a sus pies hay frutas (o naturaleza muerta) y líneas que demarcan las partes de los cuerpos. 

Naturaleza muerta con mimbre de silla

Señoritas de Avignon 

Un gran exponente lo fue George Braque, que por medio del papier collé introdujo la vida en el arte. El papier collé es una técnica que consiste en pegar piezas planas en la pintura las cuales determinan un objeto. Junto con ello insertó letras al lienzo, de esta forma conformaba un collage. Claramente la intención era insertar eventos de la vida en una pintura. Su obra Violín y pipa de 1913 muestra el concepto. No obstante, Braque realizó obras que no implementaban la técnica del papier collé. En ellas se va a ver una composición geométrica. En Casas de L'Estaque de 1908 podemos observar una tendencia a llevar el ojo humano a mirar al centro y vemos la explosión de formas que ocupan todo el lienzo. Otra de sus obras más conocida lo es Gran desnudo de 1907-1908 en la cual se puede apreciar la línea gruesa que define los contornos de la figura, además que no es el desnudo clásico de un cuerpo más bien se ve la tendencia a simplificar y analizar las formas. 

Violín con pipa

Casas de L'Estaque 

Gran desnudo

Otros exponentes lo son Jan Metzinger, Delaunay, Geleizes, Juan Gris y Fernand Leger. De ellos, Metzinger y Geleizes escriben un texto sobre el cubismo. Si bien los mencionados parten de los dos grandes maestros cubistas para hacer sus obras siguiendo los postulados del cubismo y su tendencia universal a someter la naturaleza a la geometría. Una vanguardia más que establece una nueva concepción de arte. 

El pájaro azul 1913 Jan Metzinger 

Mujer con sombrilla 1913 Delaunay

Hombre en la hamaca 1913 Geleizes

Retrato de Picasso 1912 Juan Gris

Contraste de formas 1913 Fernand Leger 

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La nueva religión

Lo espiritual y lo simbólico son elementos que expresan o dicen algo. Ellos fueron importantes para la segunda vertiente del expresionismo alemán conocida como El jinete azul. Este nombre se refiere a la preferencia por el azul y el caballo de dos de sus integrantes, Vasily Kandinsky y Franz Marc, quienes afirmaron que el nombre vino por si mismo. Junto a ellos trabajaron: Gabriele Munter, Augusto Macke, Lyonel Feininger, y Alex Jawlensky. Las fuentes de inspiración del grupo fueron los escritos de Nietzsche y los de Wilhem Worringer. Su interés radicó en presentar las propiedades espirituales y simbólicas de las formas naturales y abstractas. Como grupo creyeron fervientemente en la libertad de expresión y experimentación. Con esta creencia como norte trabajaron arduamente para lograr conformar su primera exhibición en 1911. 

Vasily Kandinsky destaca como líder o guía espiritual del grupo además de ser el teórico principal, pintor y profesor en Alemania. Bajo esta nueva orientación, Kandinsky mostró improvisaciones más liberadas y abstractas como esa forma libre caracterizada por un arte no objetivo, no ilustrativo. Su interés fue mostrar por medio de las formas y los colores relaciones espirituales y simbólicas. En su obra Señorita de Moscú de 1912 es un ejemplo de sus ideas traducidas al lienzo. En la misma hay una mujer en  primer plano, se observa un cambio de escala, una mancha  de color negra que cubre una parte de la escena y una rosada detrás de la mujer que bien puede ser su aura. Aquí todo pensamiento es traducido en color y forma. Inclusive, el color se combina con lo simbólico que en este caso las manchas refieren a planos diferentes ya sea el bien, el mal, etc. Tanto en esta obra como las demás son la muestra de ese aspecto espiritual e introspectivo de su arte. Siendo además, ese deseo de creer en algo más allá de la realidad.

Señorita en Moscú

Franz Marc se orientó a un simbolismo relacionado a la existencia animal en la naturaleza que  contrastó la belleza natural de la vida animal con la existencia humana. De ahí que su obras mayormente sean de animales resaltadas por los colores y las formas. Su obra Los caballos azules de 1911 es un ejemplo de su interés por los animales especialmente los caballos. Marc aplica los colores de tal manera que parecen sobados, además los contrasta favoreciendo al caballo como el protagonista del lienzo. 

Los caballos azules 

Lyonel Feininger fue conocedor del cubismo que al unirse al grupo lo transforma en una versión sensitiva, delicada y con humor del expresionismo. En Gelmeroda VIII de 1921 apreciamos que las formas irregulares y los colores brillantes dan la sensación de penetración o inserción mutua. Además, su amor por la música sugiere la sutil organización rítmica de la escena. Otro pintor del grupo la fue Jawlensky se interesó por lo decorativo, lo psicológico y las cualidades espirituales del rostro humano. Su pieza The Hunchback muestra estos intereses además de resaltar el simbolismo de la naturaleza por medio del color y sus pinceladas sueltas. En el grupo resaltó una figura femenina que fue discípulo de Kandinsky, Gabriele Munter se destacó por presentar paisajes empleando una paleta de colores diferentes, pincelada fuerte, pastosa y rápida. Paisaje de Murno con muro blanco de 1910 es un ejemplo de lo que la caracterizó. Por último, Augusto Macke se interesó por el paisaje citadino, por la imposición de formas cubistas y geometría y por composiciones organizadas con colores brillantes. Su obra Sombrería  de 1914, presenta una tienda de sombreros, como su nombre lo indica, que forma parte de la ciudad espectáculo que destacó en la modernidad. 

Gelmeroda VIII

The Hunchback

Paisaje de Moscú con muro blanco

Sombrería 

El jinete azul representó un arte que pretendió ser la nueva religión de la sociedad contemporánea. Un arte que partió del deseo de creer en algo que estuviese más allá de la realidad y en el cual los artistas eran visionarios y profetas de un arte que perdió su esencia y cuyo interés lo fue el cómo.  

Los colores se manifiestan

Los colores son aquellos que le dan más vida a las cosas que vemos. O ¿Acaso no es hermoso un atardecer con ese cielo azul, amarillo, naranja, rosa  que hace que alucinemos ante la belleza de  los colores y lo que son capaces de expresar?  Un solo color puede manifestar muchas cosas, por ejemplo: el azul que bien puede referirse al cielo, al mar, a lo frío. Teniendo esto en consideración, para el 1900 aproximadamente surgió un estilo llamado fovismo. El mismo proviene de fox que significa fiera y fue acuñado por Louis Vauxcelle para designar a las pinturas que eran llamativas desde el color. Lo importante era el color en sí y no la figura en la composición partiendo de que los colores pueden ser expresivos, descriptivos y simbólicos. 

Esto supuso un cambio contundente y significativo en la pintura puesto que lo primordial era expresar por medio de los colores, los cuales fueron fundamentales. El líder del grupo fue Henri Matisse quién siguiendo la concepción vanguardista escribió un manifiesto sobre sus obras y su trabajo como artista/pintor. Matisse planteó que el objetivo era la expresión y que la misma estaba en la composición reflejada en los aspectos formales (cuerpos, figuras, vacíos, proporciones y distribución de colores) porque son los vehículos de la expresión per se. Además, él habló de representar más allá de lo fugaz para mostrar algo duradero y profundo, ese algo tenía que llevar a la esencia de las cosas. De ahí que Matisse argumentó que hacía una ejecución lenta de la obra para seguir trabajándola y lograr dar con la esencia. Por último, Henri Matisse estableció que el arte tiene autonomía porque crea su propia ley, es decir, el arte es independiente de la naturaleza y su menester reside en interpretarla y amoldarla a las leyes del cuadro. Con este planteamiento Matisse expone un punto clave de la vanguardia: la autonomía del arte. 

Sus obras fueron reflejo de sus planteamientos y en cada una de ellas Matisse las trabajó hasta lograr la esencia en el cuadro. En el lienzo La ventana abierta de 1905 podemos apreciar colores brillantes que destacan la escena  y lo particular de esta pieza es el uso del contraste simultáneo en el que por medio de los colores logra el contraste que produce un efecto en la pintura. 

En su obra Carmelina 1903 tenemos a una mujer sentada que mira al observador, su silueta está más definida, hay composición geométrica donde se ve la línea recta y el punto, los colores son más llamativos y en la parte de atrás sale el pintor. Otra de sus obras Mujer con sombrero de 1905 el contraste lo podemos apreciar en la forma del sombrero y toda la obra es una muestra de la maestría del artista en la organización de los colores para producir un efecto. 

Junto a Matisse destacaron varios pintores, entre ellos: André Derain y Mauricio Vlaminck. El primero realizó un cuadro titulado Los botes de Collioure de 1905 en donde la escena es vista desde arriba, con grandes pinceladas, contraste simultáneo y la técnica del puntillismo o divisionismo en la cual las pinceladas som rayas o puntos. 

Vlaminck por su parte, realizó Paisaje con árboles rojos de 1906-07 en donde podemos apreciar una cierta profundidad dada por la unión de formas, las formas poco definidas, sin perspectiva atmosférica (espacio entre figuras y planos de la composición) y contraste de colores. 

Con este nuevo estilo vanguardista Matisse y sus compañeros plantearon que la pintura es expresiva y lo logra con el color y el manejo apropiado del mismo en conjunto con aspectos formales. La vanguardia ya comenzó la transformación, no te pierdas el próximo cambio por aquí todos los viernes. Hasta la próxima. Un abrazo. 

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Pintores en primera fila

Fishing port, Collioure Andre Derain

Es posible que todos o al menos la mayoría hayan escuchado el término de vanguardia ya sea en televisión, libros o en conversaciones casuales. Sino lo conocen no hay de qué preocuparse porque todos los días se aprende algo y hoy sabremos qué es dicho concepto en el arte. El mismo procede del francés avant-garde (avanguardia): avant del latín ab ante que se refiere a sin nadie adelante, y garde que refiere a guardia y ver. El término se utiliza en el ámbito militar para designar a las tropas armadas que van adelante. Aplicado al arte denotó a los artistas que están al frente en un momento determinado, resaltando una conciencia del arte del momento. 

El arte vanguardista es el aspecto más radical de la modernidad que naciendo de la burguesía va a reflexionar y criticar los valores de esta clase social y su intención fue hacer que la burguesía pensara. Sin embargo, la gran paradoja de este arte fue que nace de una clase social, critica a la misma, pero necesita de ella para vender y tener permanencia en el mercado y en la sociedad. Así, la vanguardia rechazó la tradición y supone una innovación puesto que se orientó a lo inesperado, a que la obra de arte tiene que causar un efecto. 

Además, tuvo ese sentido de aventura e irracionalidad ya que no buscó que se le relacionara con el artista, ni el contexto y mucho menos que tuviese significación alguna porque su interés fue ser una expresión artística. Por consiguiente, estamos ante el arte por el arte, ante su deshumanización en donde los artistas explorararon el terreno y lo definieron a su manera dependiendo del movimiento al que pertenezcan. Los artistas vanguardistas se veían como visionarios o profetas que podían presagiar lo que pasará en el futuro puesto que ellos comprenden que es meritorio sacrificar en el presente para conseguir en el futuro un cambio fundamental en la sociedad.

El arte de vanguardia supuso un ámbito de cambio y ruptura con la tradición para dar paso a una variedad de movimientos con diferentes intenciones artísticas y el objetivo final de presentar una expresión artística totalmente diferente.  Los espero el viernes próximo con el primero de los ismos o movimientos de vanguardia. Hasta la próxima y un abrazo a todos. 

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