Multitudes

Imagina que estas sentado en una banqueta dentro de un centro comercial. Observando a tu alrededor  lo único que ves, además de personas, son tiendas donde se venden cosas. En este escenario las personas son consumidores que van a estos puestos de venta a comprar. De esta forma, estamos metidos en el mundo del consumo donde los productos son diseñados para las masas, es decir, las personas/consumidores. Cada día se compra más y se pierde la unicidad y de esta forma se pasa a la uniformidad, todos usamos las mismas cosas. Es posible  que dentro de poco ya no nos podremos diferenciar. Tanto así que existe un 99.99% de probabilidad  de que  la camisa que compraste hoy otras personas la tengan y es bastante probable que coincidas con una de ellas en algún lugar y esten usando las misma camisas. 

Mientras nosotros nos vamos dirigiendo a la uniformidad el arte cada día sigue a la vanguardia y se hace destacar con su constante cambiar en el tiempo. Para mediados de los años 50 a los 70’ surgió el arte pop en Estados Unidos e Inglaterra simultáneamente. Fue un movimiento artístico que apeló a la sociedad de masas y consumo  a la vez que concibió a la masa como un fenómeno social. De ahí deriva su nombre de arte pop que viene de popular y se refiere a la masa. Se encargó de expresar a través de sus medios la falta de creatividad de la masa resaltando el malestar del individuo dentro de la uniformidad de la sociedad de consumo. Por consiguiente, se nutrió de lo cotidiano, lo común y el kitsch (arte que apela al bolsillo) para criticar el fenómeno y subvertir el arte del momento. Incluso, por medio de la unión del arte bajo con el arte alto ennobleció y elevó a una categoría de igual al arte bajo dejando claro que no hay línea que los divida. 

Fueron muchos artistas los que se dieron a la tarea de alzar una voz de crítica a la sociedad de masas a través de sus obras de arte. Entre ellos destacan Larry Rivers con su obra Washington crossing the Delaware la cual se presenta como una pintura de historia que narra un suceso de la historia de Estados Unidos de forma abstracta. De esta manera, es una mezcla entre expresionismo abstracto y arte pop por los grandes brochazos y pinceladas sueltas, además de su sentido no verista.

Por otro lado, Richard Hamilton con su enorme collage titulado Qué es lo que hace a los hogares contemporáneos tan peligrosamente atractivos muestra la historia de los hogares del momento al igual que la sociedad de la época y las propagandas publicitarias que impregnaban dichos espacios. La obra resulta en una conjunción de elementos importantes para la cultura entre los cuales se puede hacer mención de la primera película con sonido The Jazz Singer, el fisiculturista Zabo, la modelo famosa Joe Baker, el arte bajo de los comics, electrodomésticos, anuncios, etc. 

Rauschenberg con Bed realiza una obra muy particular puesto que toma una colcha y la pinta en la parte superior al estilo expresionista abstracto convirtiéndola en un ready-made. Mientras tanto, Roy Lichenstein en M-Maybe utiliza tirillas cómicas para narrar una historia de la cual solo muestra un fragmento que viene a ser el todo de la imagen. Los pixeles son elementos estilísticos que se marcan con la resolución de la imagen. Andy Warhol con su obra Campbells tomato soup ennoblece un producto común y lo eleva a una categoría de mayor prestigio. 

Bed

M-Maybe

Para resaltar la tendencia  a la uniformidad y la noción de multitud Jasper Jonhs en Target with four faces logra una combinación de cuadros y escayolas de rostro muy parecidas. En la obra el blanco es uno pero aquí hace un cambio, el blanco es único y lo repetido se aprecia en los rostros que se parecen. De esta forma muestra un juego entre la copia y la no copia puesto que el blanco es usualmente blanco y aquí tiene otro color en contraste con los rostros que normalmente son diferentes y en la obra son parecidos. Por último, Tom Wesselmann en Bañera se encargó de traducir a una instalación elementos literales como toalla, cortina, cesta, etc. y además mostrar el Great American Nude para destacar zonas erógenas (senos, boca y pubis) con la intención de mostrar lo privado en público. 

Target with four faces

Bañera

Finalmente el arte pop se sirvió de sus medios y del fenómeno social de las masas para denunciar la uniformidad y la multitud  producto de la sociedad de consumo. Sin duda el arte sigue sorprendiendo cada vez más con su evolución, cada paso es el inicio de una revolución que se avecina. 

Recuerden visitar a Arte Espacio en las redes sociales y compartir con todos la información. Un fuerte abrazo y los espero la próxima semana con arte conceptual. Hasta la próxima.

Emoción abstracta

Durante nuestra infancia es probable que nos hayamos enfrentado al arte de pintar. Papel, pinceles y temperas que ante nuestros ojos parecían totalmente desconocidos hasta que un adulto nos muestra que podemos derramar esos colores en el papel usando un pincel. Una vez hecho ese magnum descubrimiento comenzamos a hacer cosas que no resultan distinguibles ante los ojos de otras personas, pero para nosotros si lo son. El punto es que no importa si se puede discernir que se pintó o no, sino el hecho de que por ese medio expresábamos algo.

Con el fin de la Segunda Guerra Mundial en Estados Unidos de América surgió un movimiento llamado expresionismo abstracto en el nuevo centro mundial del arte: Nueva York. El mismo permitió expresar estados de ánimo de los artistas a la vez que no representaba nada de la naturaleza ni de la realidad.  Dicho movimiento disfrutó de una gran aceptación puesto que se distanció de la realidad social para explorar un nuevo mundo. Por consiguiente, fue favorecido políticamente para opacar los problemas sociales de la nación en cuestión. Clement Greenberg se convirtió en el teórico del expresionismo abstracto y argumentó que la pintura se distingue por una superficie plana con colores. 

Dentro del expresionismo abstracto surgieron unas vertientes que representaron un nuevo acercamiento en el mundo artístico. La pintura de acción se orientó a expresar sensaciones de movimiento, velocidad y energía a través del color y la materia. Por otro lado, la pintura gestual es la que el artista se introduce en la obra y el pincel se convierte en parte del mismo. El dripping o chorreado se refiere a una pintura que se diluye para que sea menos espesa y pueda correrse, por tanto, se deja gotear sobre el lienzo o se salpica con las manos, pinceles u otro instrumento. 

No obstante, se presentaron vertientes de la abstracción como la geométrica caracterizada por el uso de formas geométricas combinadas en el lienzo. La abstracción lírica permitió la expresión de la emoción pictórica del artista, mientras que la post-pictórica se distinguió por aplicar color de manera uniforme sin requerir intención de llevar algún mensaje. En ella la pintura justifica su propia existencia. 

Entre los artistas que trabajaron bajo este movimiento se encuentra el mayor exponente: Jackson Pollock. Pollock pretendió profundizar por medio de la pintura en el inconsciente humano, además utilizo la técnica del chorreado. El elemento azaroso es parte de sus obras que se destaca por esa expresión de delirio reforzado con capas de color que provocan una sensación de profundidad. Algunas de sus obras son: Number one, Mural entre otras. Otros artistas se dedicaron a trabajar los campos de colores o color field. Los campos de colores refieren a áreas de color liso y sólido en un lienzo para crear uniformidad, a través de ellos el color se posiciona como sujeto. Mark Rothko en su obra Naranja, rojo y amarillo muestra muy bien los campos de colores. Lo mismo sucede con Robert Motherwell quién trabaja con manchas de color negro sobre fondo blanco tal como lo hace en Elegía a la tercera república. Otros que trabajaron el color field son: Bartner Newman en Vir heroicus sublimis, Kenneth Noland en Vía blue, Hellen Frankenthaler en Movable blue (empleó la técnica de teñido de tela con acuarela), Jules Olitsky en Green goes around, Franz Stella con Nunca para nada (une lo escultórico con lo pictórico en formatos de fondos negros con línas blancas) entre otros. 

Number 1

Mural

Elegía a la tercera república

Naranja, rojo y amarillo

Vir heroicus sublimis

Vía blue

Movable blue

Green goes around

Nunca para nada

Por otra parte, Lucio Fontana se destacó por ser un artista que rasgaba la tela del lienzo con una navaja. Su obra Concepto espacial es muestra de ello. Por su parte, Ives Klein es reconocido por hacer esculturas de escayola (yeso) y por establecer el azul Klein o el International Klein Blue (IKB) empleado en su obra Blue Venus. Finalmente, con el expresionismo abstracto se establece una nueva marca en la vida del arte permitiendo explorar un mundo de posibilidades que rebasan los lienzos.  

Concepto espacial

Blue Venus

Recuerden compartir y visitar Arte Espacio en las redes sociales. ¡Buen día! 

Combinación perfecta

¿Qué ropa me pondré? Es una pregunta que puede convertir en al acto sencillo de vestirse en uno complicado. Cuando la pregunta llega a tu mente y no tienes respuesta comienza la tensión de escoger entre la variedad que ofrece nuestro guardarropas, que es preferible que sea reducida si queremos acabar con ello rápido y continuar el día. Desde jeans hasta ropa deportiva agrupan las posibilidades de atuendos para el día. Bien podemos inclinarnos por una camisa de rayas o de cuadros o color entero o de diseño único, suelta o ajustada la decisión está en nuestras manos o al menos eso parece. Luego piensas, aunque uno no sea el experto en modas, en que combine tantito para verse bien. Entonces una actividad que debería tomar no más de 5 minutos puede llegar a requerir 20-30 minutos para encontrar el atuendo perfecto. Las personas amantes de la moda y el buen estilo comprenderán totalmente y los que no tenemos una idea porque es posible que nos haya sucedido en algún momento remoto. 

En 1917 en Holanda se originó un movimiento artístico, que luego de su desarrollo, impactó la moda de sus tiempos.  A tal grado que Channel diseñó un vestido en base al mismo. Ese movimiento se conoció como De Stilj o El estilo, y surgió con el objetivo de integrar las artes a manera de conciliar un arte total. Comenzó con una revista que llevaba dicho nombre y que en 1931 dejó de existir. Fue fundado y liderado por T. Doesburg. Entre los miembros del grupo destacó Mondrian puesto que sus pinturas fueron el origen de la filosofía y las formas visuales del De Stilj. A partir de ello la intención del movimiento era expresar el funcionamiento o estructura matemática del universo y la armonía universal de la naturaleza. Por consiguiente, buscaban leyes universales sobre la realidad visible que residen en el exterior de las cosas, en la apariencia de las mismas. 

Mas adelante surgió, la teoría del elementarismo proclamada por Doesburg que estableció que la diagonal es el principio más dinámico en una composición que la construcción vertical y horizontal. En sus obras destaca el empleo de la línea diagonal, mientras que en las de Mondrian dicho elemento no fue utilizado. Para la arquitectura y el diseño gráfico bajo este movimiento artístico la tecnología y las formas visuales hicieron posible producciones diferentes. 

Entre las obras hechas por Mondrian se encuentran: Árbol gris (formas de la naturaleza son sometidas a esquemas), Abstracción o composición rojo, azul, amarillo y Broadway Boogie Woogie. Rietveld presenta obras como la Schroder house y la Silla en la cual predomina la geometría y el color. Doesburg por su parte empleó los colores y geometría para articular un espacio arquitectónico como lo hizo en Diseño para casa. Oud es quién trabajó la arquitectura para las masas mediante las construcción de Casas en hileras. Sin duda el De Stilj pretendió implantar lo nuevo y lo diferente por medio de la geometría y el color en sus obras ejerciendo una fuerte influencia en el mundo de la moda que hasta el día de hoy perdura. 

Árbol gris

Abstracción rojo, azul, amarillo

Broadway Boogie Woogie

Schroder house

Silla

Diseño para casa

Casas en hileras

Recuerden compartir y visitar Arte Espacio en las redes sociales. ¡Buen día! 

El lado oscuro

¿Les ha pasado alguna vez que dicen algo que no se supone que dijeran o que no debieron haber comentado? ¿Si o no? Aunque tratemos de negarlo es muy probable que nos haya sucedido en algún momento. Cuando sucede, uno quiere desaparecer de la faz de la tierra, que la tierra te trague, que te caiga un rayo o simplemente dar 'rewind' para evitar semejante pasme, bochorno o vergüenza. Pues así somos y esas cosas suelen pasarnos muy a menudo o a veces. Este vergonzoso momento muestra como una instancia de nuestro ser se levanta y alza la voz. Dicha instancia es el inconsciente o el id como lo designó el padre del psicoanálisis Sigmund Freud. Este doctor muy reconocido y famoso planteó que el ser humano está constituido de por 3 instancias: el id en el que predomina el principio de placer (deseos irracionales, necesidades egoístas, etc.); el super-ego dirigido por el principio de la moral representado por la cultura que rige nuestros comportamientos; y el ego representante del principio de la realidad, de lo que proyectamos ante los demás. El inconsciente tiene 3 modos de funcionamiento: condensación (sucede cuando un contenido latente o constante se comprime y se expresa en un contenido manifiesto como lo es el caso de los sueños), desplazamiento (ocurre cuando el interés se dirige un elemento importante a uno insignificante) y siniestro (se presenta cuando lo que es familiar se muestra como no familiar). 

Teniendo como partida el argumento de Freud en 1924 en Francia luego de la Primera Guerra Mundial surgió un estilo llamado surrealismo. El mismo significa hacer un lenguaje poético artístico basándose en el inconsciente. Se trata de explorar y dejar que se manifieste el inconsciente del artista que trabaja el lienzo sin ningún control racional. Es la sustitución de un trabajo racional por uno que le cede espacio al contenido irracional del inconsciente. Esa era la intención de los artistas, sin embargo cuando se pinta la persona está consciente de lo que hace y no es posible notar el inconsciente. Por consiguiente, emplearon técnicas para adentrarse conscientemente al inconsciente. El cadáver exquisito (referirse al artículo anterior), la escritura automática (no hay pensamiento racional, la misma fluye sin intervención del intelecto) y médium (persona que se comunica con los muertos). 

Este grupo estuvo compuesto de escritores y poetas como André Breton, Benjamin Peret, Phillip Soupault y Antonin Artaud. Entre los artistas que destacaron bajo este estilo se encuentran: André Masson, Max Ernst, Rene Magritte, Joan Miró, Hans Bellmer, Louis Aragón, Oscar Domínguez, Luis Bunuel, Robert Desnos, Paul Eluard, Frida Khalo, Salvador Dalí, Hans Arp, Giacometti, Meret Oppenheim, Joseph Cornell, Remedios Varo y Leonara Carrington. Breton se posiciona como el líder intelectual del grupo y en 1922 alquila un espacio para un estudio que convierte en el Bureau de Investigaciones Surrealistas. Muchos de los integrantes compartían la ideología comunista. Como fuente de inspiración es Giorgio de Chirico con sus obras impresionantes. En Misterio y melancolía de una calle muestra claramente lo siniestro en su composición que reemplaza la belleza y lo sublime. Max Ernst en "Pietá o revolución por la noche" se muestra a un hombre mayor arrodillado parece ladrillo que sostiene a un joven tipo escultura. Es posible que el hombre mayor sea el padre que carga a su hijo. La obra guarda una relación con la Pietá de Miguel Ángel por el título y por el joven de yeso que parece escultura. Muestra la noche que es el ámbito onírico o de los sueños, además de la condensación por el padre que carga a su hijo y detrás hay un hombre con ojos vendados refiriendo al complejo de Edipo. Si bien la misma presenta aspectos del inconsciente en la composición sirviendo como punto de arranque para sus demás obras. 

Misterio y melancolía de una calle

Pietá o revolución por la noche

Ernst también trabaja la técnica del frotash que se refiere a colocar el papel sobre una superficie rugosa por encima se raya el papel con un crayón y se obtiene el relieve. En su obra, Bosque y sol, muestra como funciona la misma. Salvador Dalí, por su parte, en su obra Juego Lúgubre de 1929 introduce lo escatológico (interés en viseras, fluidos, excrementos, etc. por partes no agradables del cuerpo). "El imperio de las luces" de Magritte es una obra espectacular en la que el  día y la noche aparecen simultáneamente, cosa que solo se puede lograr en la pintura. Joan Miró se interesó por la visión maravillosa del paisaje aplicada en el surrealismo. "El campo inclinado" es un buen ejemplo. En ella podemos apreciar la aparición de animales familiares y extraños a la vez, y vemos como todo es traducido a la fantasía. 

Bosque y sol

Juego lúgubre

El imperio de las luces

El campo inclinado

Oppeheim en su obra, Piel de desayuno,  hace un trabajo muy particular y revolucionario ya que recubre una taza con piel o pelaje de un animal incursionando en la categoría del asco en el mundo del arte. Giacometti en "El objeto invisible agarra el vacío", muestra un cuerpo alargado con extremidades finas y cabeza pequeña que  sostiene algo que no está. Bellmer se encargó de explorar el cuerpo humano y en sus obras va a recomponer el mismo de forma distinta, presentando un cuerpo inventado. Las muñecas o maniquíes que hace muestran esta idea del artista. 

Piel de desayuno

El objeto invisible que agarra el vacío

Muñeca

Maniquí 

El surrealismo como estilo artístico pretendió demostrar el inconsciente por medio de sus obras a manera de presentar una nueva propuesta en el curso  del arte la cual le da espacio a que se manifieste un contenido irracional. Sin lugar a dudas bastante revolucionario es el surrealismo, algo muy característico bajo este periodo de vanguardias. Los espero el viernes próximo para continuar nuestro viaje. Recuerden visitar Arte Espacio en las redes sociales y compartir la información. Mil gracias. Hasta la próxima. Un fuerte abrazo a todos.