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miércoles, 27 de enero de 2016

Empaste de color

Una obra de arte es mucho más que lo que tenemos ante nuestros ojos. Es un conglomerado de ideas, pensamientos que se materializan sobre algún soporte que nos presenta el trabajo de un artista. El hacedor de la pieza no solo la realiza sino que le imprime un carácter muy particular e individual que la hace diferente de otras. La obra de arte trasciende el objeto físico y con una observación cuidadosa podremos apreciar que si bien el cuadro es importante también lo es el proceso creativo o el procedimiento. La forma en que el artista decide trabajarla da forma y determina, en cierta forma, la atención que recibirá del espectador. Si a eso le sumamos su potencial de transmitir y evocar sensaciones y emociones, la obra nos presenta un mundo por descubrir.


Si observamos la imagen sobre estas líneas titulada Trigal con cuervos de 1890 realizada por Van Gogh, es notable que hay un elemento que llama nuestra atención. Es la manera en que el artista la trabaja que bien puede fascinarnos y/o impactarnos positiva o negativamente ya eso es cosa de ustedes. Lo cierto es que es el impasto empleado por Van Gogh que atrae la atención del espectador. Este concepto del siglo XVIII tardío proviene del italiano “impastare”. Esta técnica se caracteriza por la aplicación de pinceladas densas que provocan las formas y el volumen sean notables a la vez le proporciona tridimensionalidad y textura al cuadro. Así, el artista con el empaste de una pincelada espesa logra una pieza de arte extraordinaria.

Al igual que Van Gogh muchos artistas han utilizado y utilizan esta técnica para dotar a sus obras de un carácter singular. Cordelia Wilson en 1920 realizó Taos Mountain, Trail Home que es un claro ejemplo de impasto. En Altai Mountains de 1953 Vsevolod  Bashenov hace lo propio empleando el empaste. Monet en su obra Mujer con sombrilla de 1875 la trabaja con esta técnica. Sin lugar a dudas es una técnica muy utilizada en el mundo artístico puesto que le confiere a la pieza volumen, tridimensionalidad y textura.

Taos Mountain

Altai Mountains

Mujer con sombrilla

Arte Espacio los espera el próximo viernes para seguir hablando sobre el arte y su mundo. ¡No te lo pierdas! Hasta la próxima. Chao.
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miércoles, 4 de noviembre de 2015

Retorno necesario

Como hemos ido observando a lo largo de nuestra travesía por la vida del arte podemos apreciar que el mismo se encuentra en muchas partes desde fotos hasta murales en las calles. Es por su capacidad de ser un vehículo de la manifestación humana y la necesidad de dejar esa huella en la historia lo que lo hace tan significativo e importante. Además, de que, en cierta forma, es el reflejo del progreso del “hommo sapiens” a lo largo de su desarrollo. El arte se vale de muchos medios para llegar a nosotros como lo son los siguientes.

El medio por excelencia siendo la base para los demás es el dibujo. El mismo denota la acción de trazar una figura, forma, etc. bidimensional o tridimensional en una superficie por medio de un instrumento. El soporte sobre el cual se realiza puede variar ya sea desde papel, lienzo, paredes hasta un dibujo computarizado hijo de las nuevas tecnologías. El instrumento con que se realiza bien puede ser lápiz, grafito, carbón, crayones, estiletes, etc. Lo relevante del dibujo es su capacidad para plasmar visualmente una idea, objeto entre otros. 

Cabeza de mujer joven de Da Vinci

En ciertas ocasiones, partiendo del dibujo inicial que sirve como boceto o preliminar a la obra terminada prosigue la pintura. Se trata del acto de representar a través de una superficie plana algún objeto visible o imaginario y también permite sugerirlo por medio del uso de la línea y el color. Para pintar se utiliza el óleo, el acrílico, los pigmentos, etc. para trabajar el elemento del color. El instrumento usual, pero no el único, es el pincel. Hoy día se emplean esponjas, espátulas, brochas entre otros para crear los efectos particulares que cada artista decide imprimirle a su obra. 

Baile en la ciudad de Renoir

Con un grado de complejidad por el trabajo manual arduo que amerita aparece la escultura. Cuando se habla de escultura se alude al proceso de moldear, tallar y esculpir en tres dimensiones desde objetos hasta figuras de animales y humanas. Los materiales usuales son barro, mármol, madera, piedra, metal y cualquier otro material en base al criterio del artista. Los instrumentos por excelencia son cincel, martillo, puntero, etc. La escultura es el mayor reflejo de la tendencia humana a imitar.

La Piedad de Miguel Ángel 

La arquitectura es otro medio que requiere mucho del dibujo para sus grandiosas construcciones. Es un arte orientado a diseñar y construir, pero sobre todo, como expuso Vitruvio para el 20 d.C., se trata de concebir espacios duraderos, útiles y bellos. Toda obra arquitectónica debe ser duradera, funcional y bella. Además, tiene la capacidad de ordenar y transformar cualquier espacio en uno con sentido. De esta forma, se ordenan las cosas espacialmente para darle un significado a la estructura. La arquitectura traduce muy bien la necesidad humana de diferenciar, marcar y apropiarse del espacio. 

Iglesia San Carlos Borromeo de Fisher

El grabado es un medio similar al dibujo con la diferencia de que se trabaja sobre una matriz que se raya, se entinta y se presiona sobre un soporte para obtener una impresión. Es múltiple porque puede reproducirse, pero la misma produce una matriz original a partir de la cual se hacen reproducciones. Cuenta con una variedad de técnicas como la xilografía que se trabaja sobre madera, el intaglio que se hace sobre metal, la litografía que se practica sobre piedra y la serigrafía que refiere a un estampado sobre cualquier material por medio de una pantalla de seda o tela de metal fina. Este medio requiere de una precisión al momento de trabajar sobre el material para obtener la impresión final. 

Adán y Eva de Durero

El medio más popular de nuestros tiempos lo es la fotografía que se obtiene por medio de la acción química de la luz sobre un material fotosensible que captura el momento. Tiene su origen con la cámara obscura que designa a un cuarto oscuro en el cual se abría un espacio para que entrara la luz y poder obtener la imagen. La fotografía es un medio democrático que permite el acceso a la imagen propia  y por consiguiente a la fantasía puesto que previo a la existencia de la fotografía solo los adinerados tenían acceso a su imagen por medio de retratos que comisionaban a artistas. Es revolucionaria ya que no se ata al objeto ni al lugar, además de que el lente de la cámara capta lo que esté a su alcance. Implica la reproductibilidad de la copia y esa accesibilidad a la imagen. 

Castillo San Cristóbal en Puerto Rico 

Hijo de la fotografía, el cine es la proyección sucesiva de fotos impresas sobre una cinta. Es un medio que destaca por su capacidad de crear movimiento a través de la fotografía, la proyección y la persistencia de la visión con respecto a una imagen. Su unidad mínima es el fotograma o fotografía individual. Incluso, es un medio colectivo puesto que se ve y se disfruta en colectividad. 



Finalmente, son estos medios los que han hecho posible la difusión del arte como esa manifestación humana. Los mismos fungen como testigos de la evolución humana y su mundo. Es por medio del arte que conocemos infinidades de detalles sobre nuestro desarrollo a lo largo de los años en el planeta que habitamos. 

Arte Espacio los espera el viernes próximo con más y no se lo pueden perder. Recuerden visitar el blog en las redes sociales y compartir la información. Hasta la próxima. Chao.

lunes, 2 de marzo de 2015

El arte por el arte

Finalizando el siglo XIX en Francia y Bélgica nació un movimiento importantísimo conocido como simbolismo. El mismo concebía el mundo como un misterio por ser descifrado y para este propósito fue necesario que empleasen la sinestesia (uso de elementos artísticos que envuelven a diferentes sentidos en conjunto). Además, promovió una pintura cuyo contenido fuese poético, reacionando a los valores materialistas y pragmatistas de la sociedad industrial. Se orientó a la búsqueda interna y a la verdad universal, utilizando los sueños como medio de expresión de la realidad. Así se caracterizó por ser fantástico y onírico, con énfasis en lo satánico, lo terrorífico, el sexo, la perversión, la intimidad y la subjetividad, además de los sueños. 

Su característica principal es el esteticismo o doctrina que concibe que la existencia del arte está a beneficio de la exaltación de la belleza por encima de la moral y lo social. Por consiguiente, le brinda al arte y a la belleza autonomía propia o como dijo Theophile Gautier, se trata del arte por el arte. Belleza y moral se separaron para que la primera fuese el fin último del artista: vivir su vida como una obra de arte. Esta concepción se aprecia con el dandy que refiere a un fenómeno de la burguesía en la que destacan hombres muy educados que se distinguen por su elegancia al vestir, pensando en todos los detalles del atuendo. Un buen ejemplo lo es Oscar Wilde. 

Oscar Wilde

En la pintura de este estilo resaltaron las formas lineales y ornamentales junto a una composición anti-naturalista que pretende expresar la verdad a través del color, aspecto que los relaciona con los neoimpresionistas. Entre sus exponentes destacan Gustave Moreau, Lawrence Alma-Tadema, Maurice Denis, Pierre Bonnard entre otros. Gustave Moreau tuvo una visión muy particular de la belleza, el amor y la muerte que reflejó en su obra Júpiter y Sémele y demás obras. En la escena aquí presentada hace referencia al mito en el que Sémele era amante de Zeus y le pide que se revele como dios que es. Ante esta petición el dios lo hace y ella muere porque no pudo soportar la luz que emanó de Zeus. Por tal razón, le practicaron una cesárea para evitar que su bebé muriera y se lo incrustaron en la cadera del dios.
Por su parte, Alma-Tadema se destacó por hacer escenas de entornos griegos y romanos.  De ahí que presentó una escena histórica con su lienzo de Las rosas de Heliogábalo, una representación en la que el emperador ahoga a los comensales con pétalos de rosas luego de que cenan. Denis representa una escena en la que aparecen féminas conversando, las cuales tienen referencia en la mitología griega puesto que el lienzo se titula Las musas. En The bath, Bonnard representa a su esposa cuando está dentro de la tina, esta obra pertenece a una serie que el artista realiza sobre su esposa en relación al tema del baño. Tanto Bonnard como Denis pertenecieron a un grupo llamado los Nabis que eran artistas franceses preocupados por el color. 

Júpiter y Sémele

Las rosas de Heliogábalo

Las musas

The bath

En escultura sobresale Aristide Maillol con su obra El Aire en la cual se aprecia una figura femenina que al parecer apoya su cuerpo sobre su cadera y da la sensación de que flota un poco. Junto a este movimiento surgió el llamado arte naif desarrollado por autodidactas que presentaron composiciones un tanto ingenuas, desestructuradas, instintivas, primitivas, pero conscientes y expresivas. Henri Rousseau es uno de sus exponentes y con su obra El sueño destaca una composición poética y exótica a la vez que parece caricatura por falta de formación en la academia. 

El Aire

El sueño

Este movimiento artístico cuya pretensión fue la verdad universal, expuso obras que denotaban el esteticismo y el misticismo. El simbolismo con su interés en lo fantástico y onírico sirvió como precursor del modernismo. Este último será el siguiente destino a visitar, no te lo pierdas este próximo viernes. 

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jueves, 19 de febrero de 2015

Reflejo de la realidad

Para mediados del sigloXIX, teniendo como escenario para desarrollarse a Francia, surgió el realismo. Este movimiento nació a partir de la serie Realismo que Gustave Courbet hizo. En esta se dio a conocer la obra El taller del artista.  La intención del artista fue proponer un movimiento anti-académico que rompiera con los cánones. El estilo se orientó a la realidad, al mundo y a elementos que caracterizaron la época industrial, acompañado de una denuncia social y ciertos movimientos políticos como el socialismo entre otros.

El realismo desarrolló unas características que impregnaron las producciones artísticas de la pintura y la esculturas de la época. Su intención era lograr una reproducción exacta de la realidad, presentar fielmente lo que ve. Rechazó el elemento sentimental del romanticismo para reflejar la realidad del individuo y de la sociedad, oponiéndose a lo fantasioso e irreal. Acuñó como técnica la descripción detallada para poder mostrar una representación veraz. Su tema central lo fue la cotidianidad a modo de visibilizar por el medio artístico los problemas políticos, sociales y humanos. También, dirigió su esfuerzo a mostrar una relación estrecha entre los individuos y su entorno social. De una forma u otra se enfocó en denunciar los males que aquejaban a la sociedad y en transmitir sus ideas de forma objetiva y verídica. 

El taller del artista de Courbet

Si bien en la pintura los artistas se esforzarán por cumplir con los criterios del movimiento para lograr una reproducción fiel y exacta de la realidad. Retomando la obra de Courbet El taller del artista, a la izquierda se encuentran personas de distintos estratos sociales, mientras que en la derecha se hallan amigos y asociados del artista. En el centro Courbet está pintando un paisaje y se encuentra alejado de una modelo desnuda, apartándose de la tradición artística de la academia de hacer representaciones en base al desnudo. 

Junto a este estilo surgió la escuela paisajística francesa caracterizada por mostrar un sentimiento de la naturaleza orientado al panteísmo (creencia de que el universo, la naturaleza y Dios son equivalentes). Un ejemplo lo es Confluencia de los ríos Sena y Oise 1868 de Charles Francois Daubigny. Por otro lado, la escuela italiana de carácter anti-académico y se distinguió por el uso de manchas de color y formas inacabadas. Esto se ve claramente en la obra de Giovanni Fattori Puesta del sol en el mar. También, surgió la escuela de los prerrafaelitas en Gran Bretaña que tenían como inspiración a pintores italianos anteriores a Rafael y en la fotografía. La obra de Perséfone de Dante Gabriel Rossetti es una muestra de este tipo de pintura de la época. 

Confluencia de los ríos Sena y Oise de Daubigny

Puesta del sol en el mar de Fattori

Perséfone de Rossetti

En la escultura se siguió el mismo concepto de lograr una representación que fuese el reflejo tanto de esa realidad como de la sociedad, con un especial interés en figuras de obreros y marginados sociales. En este aspecto destacó Constantin Meunier con su enfoque el proletariado idealizado puesto que se presentó al obrero como ese héroe moderno. La obra de El Pudelador de Meunier es un obrero que en la representación el artista enfatiza su fuerza y vigor, presentándolo como el trabajador anónimo que se convierte en héroe de la sociedad. Otro artista destacado en este movimiento y que fue considerado como gran maestro del realismo lo fue Mariano Benlliure y Gil, autor del Monumento a los cazadores de Alcántara. 


El pudelador de Meunier

Monumento a los cazadores de Alcántara de Benlluire y Gil

Este movimiento artístico tuvo como su eje primordial lograr una representación fiel y exacta de la realidad, implicando una ruptura y un alejamiento con los cánones de la academia artística. 

El viaje continúa amigos con impresionismo, así que los espero el próximo viernes. Recuerden  visitar Arte Espacio en Facebook y Twitter. Chao.  

miércoles, 28 de enero de 2015

De vuelta al clásico

En la historia de la humanidad se dio un suceso que sacudió e impactó al planeta, impartiendo una nueva ideología que cambiaría el curso de los hechos. Con el lema:  libertad, fraternidad e igualdad, la Revolución Francesa hizo posible que la burguesía subiera como espuma y fuese tan poderosa. En el ámbito artístico implicó un renacer de las formas clásicas, es decir, surgió una valoración de la herencia clásica grecorromana. Dicho renacimiento fue reforzado  por la difusión del ideal de la perfección clásica liderado por Johann J. Wickelmann. Este caballero decía que en la antigua Grecia nació la concepción de la belleza perfecta y fue tanta su insistencia que creó un mito que hoy día es un condicionante de la perspectiva que se tiene del arte. 

Las formas clásicas hicieron de la arquitectura una racional, funcional y utópica, a partir de lo cual se desarrollaron dos tipos. La primera, la de herencia barroca que se despidió de la decoración y ornamentación en exceso, el Panteón de Paris de Jacques-Germain Soufflot es un ejemplo extraordinario. Del otro lado, surgió la neoclásica caracterizada por líneas racionales y rígidas, siendo funcional y sobria. La Piazza del Popolo de Roma de Giuseppe Valadier ejemplifica ésta. 

Panteón de Paris

Piazza de Popolo

En la escultura primó la mitología y las historias antiguas, el punto era hacer representaciones que destacaran la cultura clásica. Grandes escultores resaltan, entre ellos: Jean-Antoine Houdon, Antonio Canova, Bertel Thorvaldsen entre otros. Las tres gracias de Antonio Canova es un ejemplo magnífico de este tipo de representación. No obstante, la austeridad y el equilibrio que caracterizó a la escultura dijo presente en la pintura. Los artistas trabajaron para lograr obras con una genialidad representativa como se ve en el Juramento de los Horacios de Jacques-Louis David. Otro ejemplo lo es Cupido y Psiqué de Francois Gérard. 

Las tres gracias

Juramento de los Horacios

Cupido y Psique

En el campo de las artes decorativas surgieron varios estilos a lo largo del siglo 19. El directorio francés fue característico por el uso de líneas sencillas, clásicas, sobrias y sin ornamentación excesiva, mientras que el imperio francés (tiempos de Napoleón) se orientó a la ostentación y el lujo, prefiriendo temas exóticos y orientales. El estilo biedermeier alemán, por su parte, desarrolló un diseño práctico y cómodo con líneas sencillas y hogareñas. Estos estilos influenciaron en el isabelino español y el victoriano inglés, ambos de corte burgués, enfocados en el lujo y la ostentación sin dejar de lado lo funcional y lo cómodo. 

Sillón tipo directorio francés en el retrato de Madame de Verniac

Arquitectura estilo imperio en Monumento a Víctor Manuel II

Silla estilo imperio

Estilo biedermeier

El arte del neoclásico no fue otra cosa que una manera de hacer renacer el estilo clásico, tomando en cuenta los cánones del estilo clásico, pero agregándole otros ingredientes de estilos como el barroco y el rococó. 

Nuestra travesía continúa este viernes próximo con arte contemporáneo. Recuerden visitar Arte Espacio en facebook y twitter, y compartir los diferentes temas. Gracias, los espero. Hasta la próxima.

Para que sepas...
El palladianismo o arquitectura palladiana es un estilo desarrollado por un arquitecto italiano llamado Andrea Palladio para el siglo 16-18. Durante el siglo 18 influyó grandemente en la arquitectura del neoclásico puesto que compartió el gusto por las formas clásicas. Este estilo se basa en la arquitectura romana, la cual sigue las proporciones matemáticas y dejando lo ornamental en un segundo plano, combinando elementos del lenguaje clásico tomando en cuenta las necesidades funcionales de la estructura. Las obras de este estilo destacan una elegancia lograda por la sencillez y la composición serena. Iglesia del Santísimo redentor en Venecia.  





martes, 20 de enero de 2015

El lujo y la ostentación del Rococó

En Francia durante los años 1730 y 1760 brilló un movimiento artístico en el que las principales manifestaciones del barroco perduraron, pero con un gran afán en la decoración y el gusto ornamental de forma sofisticada y elegante. De esta forma fue individualista, informal y cortesano a la vez que empleó colores suaves, luminosos y claros. La naturaleza, la mitología, los cuerpos desnudos, el arte oriental, el amor y lo galante impregnaron las obras productos de este estilo.  A diferencia de otros estilos careció de influencia religiosa debido a que con el auge social de la burguesía, los adelantos de la ciencia y el ambiente cultural que propició la ilustración hicieron que lo religioso cayera en abandono. Por consiguiente, se enfocó en trabajar temas de la vida cotidiana y las relaciones humanas, destacando el lujo y la ostentación, siendo ambos elementos de prestigio social. Tuvo como finalidad presentar aquello que es agradable, exótico, refinado y sensual. 

La delicadeza reinó en la arquitectura de este estilo, el eje fue la sutileza de la obra que le proporciona una elegancia sin igual. Para lograrlo, fueron utilizados los espacios pequeños y los ambientes de recogimiento, reflejando el bienestar y el confort en la pieza artística. Una obra francesa de Ange-Jacques Gabriel muestra muy bien el concepto arquitectónico del rococó, esta es el Pequeño Trianón de Versalles. Al igual que esta, en Alemania François de Cuvilliés diseñó el Pabellón del Palacio de Nymphenburg. Estas obras arquitectónicas en su mayoría eran acompañadas de jardines, las de este tiempo particularmente cuentan con el jardín francés (jardines de Versalles). El mismo sigue una composición geométrica y simple, con más áreas de césped y con un parterre. El parterre es un jardín a nivel del terreno que consta de lechos de flores o hierbas cercadas por arriates de plantas o piedras afiladas acopladas, formando una barrera de protección con simetría. 

Pequeño Trianón

Palacio de Nymphenburg

Parterre

La escultura del rococó hereda el estilo barroco en especial por la gran influencia de Bernini en este campo. Así, se realizó unas esculturas gráciles, muy bien trabajadas y elegantes a la vista del observador. La Fontana de Trevi de Pietro Bracci y Filippo della Valle es un ejemplo de ello.

Fontana de Trevi



El paisajismo urbano predominó en la pintura italiana, mientras que en Francia reinaron las escenas cortesanas empleando el retratismo. Por otro lado, en España se destacó magistralmente Francisco de Goya que con su obra personal y expresivamente intimidante evolucionó este movimiento. No solo se destacó en la pintura sino que también trabajó grabados que por su gran esmero resaltaron entre los demás. Pinturas negras y los Caprichos son unas de sus grandes obras maestras. 

Saturno devorando a su hijo en Pinturas Negras

Capricho #43: El sueño de la razón produce monstruos

La ostentación y el lujo como dos ejes del rococó permitieron el desarrollo del interiorismo o diseño interior (manipulación del volumen espacial para formar la experiencia del espacio interior) enfocado en los espejos, mobiliarios, sedas, tapices y objetos de porcelana. La porcelana se destacó por la decoración delicada al estilo oriental y con ella realizaron tallas escultóricas pequeñas. A nivel mobiliario surgió un estilo, el chippendale de Thomas Chippendale, el cual es una combinación de estilos ya sea góticos, rococó entre otros. Los tapices fueron materia de trabajo en España en la Real Fábrica de Santa Bárbara, de los cuales algunos los hizo Goya. Por último, en el campo de las artes decorativas nació la litografía (grabado sobre piedra caliza) inventada por Aloys Senefelder en 1778. 

Diseño interior estilo rococó

La delicadeza, la elegancia, la ostentación, el lujo, lo mundano, y lo sofisticado fueron los elementos que reinaron en la concepción artística del estilo rococó al momento de ser concebida una obra en un ambiente donde el prestigio social predominaba. 

El viaje continúa el viernes próximo con neoclasicismo, no se lo pierdan. Pueden visitar Arte Espacio en facebook y twitter, además pueden compartir los escritos y dejar sus comentarios. Gracias anticipadas. Los espero, chao.  


Para que sepas...

El término rococó fue inventado en 1797 y proviene de una asociación de dos palabras de origen francés: rocaille y baroque. Rocaille es un concepto que  refiere a ornamentación que imita piedras naturales y algunas curvas de las conchas de moluscos. Baroque se refiere a barroco y significa perla deforme o irregular. El mismo se concibe como una continuación del barroco puesto que conserva ciertas cosas de este estilo, pero desarrolla ciertas novedades artísticas. 

El columpio de Jean Honore Fragonard

viernes, 9 de enero de 2015

La perla deforme del Barroco

Hace algún tiempo durante el siglo 17-18 surgieron una serie de luchas políticas y religiosas que provocaron una división entre países católicos contrarreformistas que favorecían el absolutismo, y países protestantes que preferían la democracia. En este campo de batalla se desarrolló un arte muy ornamental, refinado, con algunos rasgos del racionalismo clasicista y con formas efectistas y dinámicas. Fue un arte que se afianzó en el gusto por lo sorprendente, lo anecdótico, los golpes de efectos y las ilusiones ópticas. Si bien en este tiempo de revolución, fue uno que buscó llamar la atención del público. El cuadro de Las Meninas de Velázquez hecho en 1656 es un ejemplo contundente de ello. En esta obra se observa que el autor se plasma así mismo en lado izquierdo a manera de resaltar la figura del pintor como artista que se inspira, contrarrestando y denunciando la condición y visión que se tenía del pintor como simple artesano.  

Las meninas de Velázquez 

El dinamismo y lo ornamental impregnan la arquitectura de este tiempo aunque la misma conserva unos rasgos clásicos y desarrolla un sentido escenográfico de las formas y volúmenes que emplea. Resalta la importancia de modular el espacio, prefiriendo las curvas cóncavas y convexas, enfocándose en los juegos ópticos y el punto de vista del espectador. Italia viene a ser el lugar donde se comienza este nuevo estilo y un gran ejemplo de él, lo es la obra de Bernini de tamaño monumental: la Plaza de San Pedro. Mientras tanto, en Francia se destacan obras como el Palacio del Louvre de Le Vau y Perrault. La arquitectura española durante le primera mitad del siglo 17 arrastró el estilo herreriano,  pero en la segunda mitad surgió el estilo churrigueresco de José Chirriguera el cual  se destacó por ser muy decorativo y por utilizar columnas salomónicas. El Convento de San Esteban es un claro ejemplo de este estilo. 

Plaza San Pedro

Museo del Louvre

Convento San Esteban

Columna salomónica

La escultura por su parte, tuvo una base naturalista que fue deformada por los deseos del artista. La misma adquirió lo dinámico, sinuoso, expresivo y ornamental-decorativo, resaltando la expresión y el movimiento.  La obra de Apolo y Dafne de Bernini de 1622-25 es un maravilloso ejemplo que muestra los elementos mencionados. 

Apolo y Dafne de Bernini

En el área de la pintura surgieron dos vertientes, por un lado el naturalismo cuya base es la realidad natural y su preferencia por el claroscuro. Por otro lado, el clasicismo se basa en una realidad más intelectual e idealizada. Para la segunda mitad del siglo 17 predominó la pintura mural, La creación del hombre de Luca Giordano de 1684-86 es un buen ejemplo y la misma se encuentra actualmente en el Palacio Medici Riccardi en Florencia. En este tiempo surgieron muchas escuelas y estilos como la flamenca y la holandesa. Diego Velázquez es el artista más destacado en España y la Venus del espejo de 1650 es otra pieza maestra. 

La creación del hombre de Giordano

Venus del espejo de Velázquez

Durante estos siglos dentro de las artes industriales, la ebanistería sobresale en Francia con el trabajo de André-Charles Boulle. Este caballero creó una técnica de aplicación de metales sobre materiales orgánicos o viceversa. El Palacio de Versalles y el Gran Trianón en Versalles son una muestra de ello. La orfebrería, la tapicería, la cerámica y el vidrio cobraron importancia en ese entonces.  

Palacio de Versalles

Gran Trianón

Sin duda alguna, el barroco fue un movimiento muy particular enfocado en lo ornamental-decorativo que logró con el esfuerzo de grandes artífices y maestros capturar la atención de los espectadores de ese entonces y de los que apreciamos sus obras actualmente. 

Nuestro viaje sigue avanzando por la vida del arte, la próxima parada será el estilo rococó. Hasta el viernes. Recuerden compartir y visitar Arte Espacio en facebook y twitter.