Derroche de formas

Cuando comenzamos nuestro periodo de escolarización los maestros nos van formando por medio de conocimientos. Dentro de ellos están las formas geométricas y gracias a ellos es que reconocemos un círculo, un óvalo, un triángulo, un cuadrado, un rectángulo, etc. Luego de conocerlas comenzamos a notar que no son simples figuras sino que las mismas están presentes en edificios, artículos, etc. Hoy día las formas geométricas impregnan nuestro alrededor desde un monumental edificio hasta un portarretratos. Aproximadamente para 1905 surgió un movimiento que empleó estas formas al mundo del arte de forma radical. Lo revolucionario reside en que el cubismo se va a encargar de romper el objeto para simplificarlo, distorsionarlo y reducirlo a formas geométricas. Como resultado produjeron una composición geométrica que va a analizar las formas sometiendo la naturaleza a la geometría. 

El mayor exponente del cubismo es Pablo Picasso, un artista que como pintor pasa por muchos periodos y en el de formas sólidas mostró las propuestas del cubismo. Picasso inventa la técnica del collage que consta del ensamblaje o combinación de elementos variados en un cuadro. En sus exploraciones como pintor durante este periodo se observa que ya no representa el desnudo clásico tradicional bien proporcionado, perfecto y bello. Por el contrario, nos presenta un cambio en la representación  del mismo porque es un cuerpo con más masa. Otra característica es que comienza la esquematización o simplificación de las formas, no hay interés en detallar el objeto más bien la intención es distorsionarlo. Por consiguiente, Picasso toma lo esencial de ese algo que quiere representar sin describir ni mucho menos detallarlo, fenómeno conocido como abstracción. 

Con este gran artista se observan dos vertientes del cubismo. La primera es el cubismo sintético que se refiere a la síntesis o reunión de elementos en un lienzo. Un ejemplo de ello los es su obra Naturaleza muerta con mimbre de silla de 1912. En ella tenemos una soga que funge como el marco y una mimbre de silla sin pintar con las letras de Journal encima. La misma es un ejemplo del concepto collage ya que mezcla diferentes elementos en una composición. Por otro lado, está el cubismo analítico en el que se realiza la descomposición de las partes de algo que se analiza en la pintura. Las señoritas de Avignon de 1907 es una muestra de esta vertiente. En la obra vemos 5 mujeres mostradas porque se abre una cortina, a sus pies hay frutas (o naturaleza muerta) y líneas que demarcan las partes de los cuerpos. 

Naturaleza muerta con mimbre de silla

Señoritas de Avignon 

Un gran exponente lo fue George Braque, que por medio del papier collé introdujo la vida en el arte. El papier collé es una técnica que consiste en pegar piezas planas en la pintura las cuales determinan un objeto. Junto con ello insertó letras al lienzo, de esta forma conformaba un collage. Claramente la intención era insertar eventos de la vida en una pintura. Su obra Violín y pipa de 1913 muestra el concepto. No obstante, Braque realizó obras que no implementaban la técnica del papier collé. En ellas se va a ver una composición geométrica. En Casas de L'Estaque de 1908 podemos observar una tendencia a llevar el ojo humano a mirar al centro y vemos la explosión de formas que ocupan todo el lienzo. Otra de sus obras más conocida lo es Gran desnudo de 1907-1908 en la cual se puede apreciar la línea gruesa que define los contornos de la figura, además que no es el desnudo clásico de un cuerpo más bien se ve la tendencia a simplificar y analizar las formas. 

Violín con pipa

Casas de L'Estaque 

Gran desnudo

Otros exponentes lo son Jan Metzinger, Delaunay, Geleizes, Juan Gris y Fernand Leger. De ellos, Metzinger y Geleizes escriben un texto sobre el cubismo. Si bien los mencionados parten de los dos grandes maestros cubistas para hacer sus obras siguiendo los postulados del cubismo y su tendencia universal a someter la naturaleza a la geometría. Una vanguardia más que establece una nueva concepción de arte. 

El pájaro azul 1913 Jan Metzinger 

Mujer con sombrilla 1913 Delaunay

Hombre en la hamaca 1913 Geleizes

Retrato de Picasso 1912 Juan Gris

Contraste de formas 1913 Fernand Leger 

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La nueva religión

Lo espiritual y lo simbólico son elementos que expresan o dicen algo. Ellos fueron importantes para la segunda vertiente del expresionismo alemán conocida como El jinete azul. Este nombre se refiere a la preferencia por el azul y el caballo de dos de sus integrantes, Vasily Kandinsky y Franz Marc, quienes afirmaron que el nombre vino por si mismo. Junto a ellos trabajaron: Gabriele Munter, Augusto Macke, Lyonel Feininger, y Alex Jawlensky. Las fuentes de inspiración del grupo fueron los escritos de Nietzsche y los de Wilhem Worringer. Su interés radicó en presentar las propiedades espirituales y simbólicas de las formas naturales y abstractas. Como grupo creyeron fervientemente en la libertad de expresión y experimentación. Con esta creencia como norte trabajaron arduamente para lograr conformar su primera exhibición en 1911. 

Vasily Kandinsky destaca como líder o guía espiritual del grupo además de ser el teórico principal, pintor y profesor en Alemania. Bajo esta nueva orientación, Kandinsky mostró improvisaciones más liberadas y abstractas como esa forma libre caracterizada por un arte no objetivo, no ilustrativo. Su interés fue mostrar por medio de las formas y los colores relaciones espirituales y simbólicas. En su obra Señorita de Moscú de 1912 es un ejemplo de sus ideas traducidas al lienzo. En la misma hay una mujer en  primer plano, se observa un cambio de escala, una mancha  de color negra que cubre una parte de la escena y una rosada detrás de la mujer que bien puede ser su aura. Aquí todo pensamiento es traducido en color y forma. Inclusive, el color se combina con lo simbólico que en este caso las manchas refieren a planos diferentes ya sea el bien, el mal, etc. Tanto en esta obra como las demás son la muestra de ese aspecto espiritual e introspectivo de su arte. Siendo además, ese deseo de creer en algo más allá de la realidad.

Señorita en Moscú

Franz Marc se orientó a un simbolismo relacionado a la existencia animal en la naturaleza que  contrastó la belleza natural de la vida animal con la existencia humana. De ahí que su obras mayormente sean de animales resaltadas por los colores y las formas. Su obra Los caballos azules de 1911 es un ejemplo de su interés por los animales especialmente los caballos. Marc aplica los colores de tal manera que parecen sobados, además los contrasta favoreciendo al caballo como el protagonista del lienzo. 

Los caballos azules 

Lyonel Feininger fue conocedor del cubismo que al unirse al grupo lo transforma en una versión sensitiva, delicada y con humor del expresionismo. En Gelmeroda VIII de 1921 apreciamos que las formas irregulares y los colores brillantes dan la sensación de penetración o inserción mutua. Además, su amor por la música sugiere la sutil organización rítmica de la escena. Otro pintor del grupo la fue Jawlensky se interesó por lo decorativo, lo psicológico y las cualidades espirituales del rostro humano. Su pieza The Hunchback muestra estos intereses además de resaltar el simbolismo de la naturaleza por medio del color y sus pinceladas sueltas. En el grupo resaltó una figura femenina que fue discípulo de Kandinsky, Gabriele Munter se destacó por presentar paisajes empleando una paleta de colores diferentes, pincelada fuerte, pastosa y rápida. Paisaje de Murno con muro blanco de 1910 es un ejemplo de lo que la caracterizó. Por último, Augusto Macke se interesó por el paisaje citadino, por la imposición de formas cubistas y geometría y por composiciones organizadas con colores brillantes. Su obra Sombrería  de 1914, presenta una tienda de sombreros, como su nombre lo indica, que forma parte de la ciudad espectáculo que destacó en la modernidad. 

Gelmeroda VIII

The Hunchback

Paisaje de Moscú con muro blanco

Sombrería 

El jinete azul representó un arte que pretendió ser la nueva religión de la sociedad contemporánea. Un arte que partió del deseo de creer en algo que estuviese más allá de la realidad y en el cual los artistas eran visionarios y profetas de un arte que perdió su esencia y cuyo interés lo fue el cómo.  

Los colores se manifiestan

Los colores son aquellos que le dan más vida a las cosas que vemos. O ¿Acaso no es hermoso un atardecer con ese cielo azul, amarillo, naranja, rosa  que hace que alucinemos ante la belleza de  los colores y lo que son capaces de expresar?  Un solo color puede manifestar muchas cosas, por ejemplo: el azul que bien puede referirse al cielo, al mar, a lo frío. Teniendo esto en consideración, para el 1900 aproximadamente surgió un estilo llamado fovismo. El mismo proviene de fox que significa fiera y fue acuñado por Louis Vauxcelle para designar a las pinturas que eran llamativas desde el color. Lo importante era el color en sí y no la figura en la composición partiendo de que los colores pueden ser expresivos, descriptivos y simbólicos. 

Esto supuso un cambio contundente y significativo en la pintura puesto que lo primordial era expresar por medio de los colores, los cuales fueron fundamentales. El líder del grupo fue Henri Matisse quién siguiendo la concepción vanguardista escribió un manifiesto sobre sus obras y su trabajo como artista/pintor. Matisse planteó que el objetivo era la expresión y que la misma estaba en la composición reflejada en los aspectos formales (cuerpos, figuras, vacíos, proporciones y distribución de colores) porque son los vehículos de la expresión per se. Además, él habló de representar más allá de lo fugaz para mostrar algo duradero y profundo, ese algo tenía que llevar a la esencia de las cosas. De ahí que Matisse argumentó que hacía una ejecución lenta de la obra para seguir trabajándola y lograr dar con la esencia. Por último, Henri Matisse estableció que el arte tiene autonomía porque crea su propia ley, es decir, el arte es independiente de la naturaleza y su menester reside en interpretarla y amoldarla a las leyes del cuadro. Con este planteamiento Matisse expone un punto clave de la vanguardia: la autonomía del arte. 

Sus obras fueron reflejo de sus planteamientos y en cada una de ellas Matisse las trabajó hasta lograr la esencia en el cuadro. En el lienzo La ventana abierta de 1905 podemos apreciar colores brillantes que destacan la escena  y lo particular de esta pieza es el uso del contraste simultáneo en el que por medio de los colores logra el contraste que produce un efecto en la pintura. 

En su obra Carmelina 1903 tenemos a una mujer sentada que mira al observador, su silueta está más definida, hay composición geométrica donde se ve la línea recta y el punto, los colores son más llamativos y en la parte de atrás sale el pintor. Otra de sus obras Mujer con sombrero de 1905 el contraste lo podemos apreciar en la forma del sombrero y toda la obra es una muestra de la maestría del artista en la organización de los colores para producir un efecto. 

Junto a Matisse destacaron varios pintores, entre ellos: André Derain y Mauricio Vlaminck. El primero realizó un cuadro titulado Los botes de Collioure de 1905 en donde la escena es vista desde arriba, con grandes pinceladas, contraste simultáneo y la técnica del puntillismo o divisionismo en la cual las pinceladas som rayas o puntos. 

Vlaminck por su parte, realizó Paisaje con árboles rojos de 1906-07 en donde podemos apreciar una cierta profundidad dada por la unión de formas, las formas poco definidas, sin perspectiva atmosférica (espacio entre figuras y planos de la composición) y contraste de colores. 

Con este nuevo estilo vanguardista Matisse y sus compañeros plantearon que la pintura es expresiva y lo logra con el color y el manejo apropiado del mismo en conjunto con aspectos formales. La vanguardia ya comenzó la transformación, no te pierdas el próximo cambio por aquí todos los viernes. Hasta la próxima. Un abrazo. 

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Pintores en primera fila

Fishing port, Collioure Andre Derain

Es posible que todos o al menos la mayoría hayan escuchado el término de vanguardia ya sea en televisión, libros o en conversaciones casuales. Sino lo conocen no hay de qué preocuparse porque todos los días se aprende algo y hoy sabremos qué es dicho concepto en el arte. El mismo procede del francés avant-garde (avanguardia): avant del latín ab ante que se refiere a sin nadie adelante, y garde que refiere a guardia y ver. El término se utiliza en el ámbito militar para designar a las tropas armadas que van adelante. Aplicado al arte denotó a los artistas que están al frente en un momento determinado, resaltando una conciencia del arte del momento. 

El arte vanguardista es el aspecto más radical de la modernidad que naciendo de la burguesía va a reflexionar y criticar los valores de esta clase social y su intención fue hacer que la burguesía pensara. Sin embargo, la gran paradoja de este arte fue que nace de una clase social, critica a la misma, pero necesita de ella para vender y tener permanencia en el mercado y en la sociedad. Así, la vanguardia rechazó la tradición y supone una innovación puesto que se orientó a lo inesperado, a que la obra de arte tiene que causar un efecto. 

Además, tuvo ese sentido de aventura e irracionalidad ya que no buscó que se le relacionara con el artista, ni el contexto y mucho menos que tuviese significación alguna porque su interés fue ser una expresión artística. Por consiguiente, estamos ante el arte por el arte, ante su deshumanización en donde los artistas explorararon el terreno y lo definieron a su manera dependiendo del movimiento al que pertenezcan. Los artistas vanguardistas se veían como visionarios o profetas que podían presagiar lo que pasará en el futuro puesto que ellos comprenden que es meritorio sacrificar en el presente para conseguir en el futuro un cambio fundamental en la sociedad.

El arte de vanguardia supuso un ámbito de cambio y ruptura con la tradición para dar paso a una variedad de movimientos con diferentes intenciones artísticas y el objetivo final de presentar una expresión artística totalmente diferente.  Los espero el viernes próximo con el primero de los ismos o movimientos de vanguardia. Hasta la próxima y un abrazo a todos. 

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¡Es tiempo de cambiar!

Museo de Arte, Weisman de Gehry

Siguiendo la trayectoria del arte se ha visto que cada cierto tiempo pasa por una serie de cambios y transformaciones que dictan nuevas normas y parámetros para hacer arte. Durante el siglo XX el mismo sufrió una gran transformación que iba acorde a la sociedad del consumo que se estaba desarrollando en ese momento. Junto con ello, surgen los movimientos de vanguardia cuya intención fue integrar el arte a la sociedad. Así, el interés de este arte fue el concepto y no el objeto de arte, revalorizando la acción, lo espontáneo, lo efímero y lo no comercial. 

Dentro del arte, la arquitectura tuvo un desarrollo individual, pero sin distanciarse de las demás artes orientada a la idea del espacio más estructurado y funcional, considerando las nuevas tecnologías y su lugar en el ambiente. A veces iba de la mano con algún movimiento artístico como lo fue el caso de la de corte expresionista que empleó nuevos materiales para construir como el ladrillo, acero y vidrio, orientándose a la fabricación en masa.  Además, se dio el constructivismo ruso con su arquitectura funcional enfocada en las necesidades reales de la población. Sin embargo, este medio tuvo como tendencia primaria el racionalismo promovido por la Escuela de la Bauhaus estableciendo que la arquitectura debe tener la razón como fundamento, además de líneas sencillas, funcionales y basadas en formas geométricas. Así, fue una que renunció a la decoración excesiva y destacó el diseño como sencillo y funcional. Los principales exponentes fueron: Walter Gropius, José Luis Sert, Frank Lloyd Wright, Alvar Aalto, Oscar Neimeyer, Ludwig Mies van der Rohe entre otros. 

Casa de la Cascada de Lloyd Wright

Pabellón alemán en Exposición Internacional, Barcelona de Mies van der Rohe

En 1950 surgió el brutalismo que partió de formas austeras, teniendo como base la pureza material y siendo más importante la estructura que el acabado de la misma. Alice y Peter Smithson se destacan en esta vertiente. En contraste, el metabolismo japonés se dirigió a atender las necesidades de la sociedad de masas, desarrollando estructuras flexibles, de grandes escalas y formas orgánicas, praticado por Kenzo Tange. La arquitectura pop, por su parte, resaltó lo urbano y las variaciones populares mediante ambientes nocturnos como los de Las Vegas, Robert Venturi da muestra de ello. 

Sin embargo, el diseño científico y estructural enfatizó en las nuevas posibilidades que trajo la técnica, empleando el hormigón y formas orgánicas. Richard Buckminster Fuller es testigo de esto. De ahí que en la década del 60-70 emergió el high-tech, movimiento que pretendió revitalizar lo moderno por medio de la innovación y la tecnología, tal y como lo hizo Norman Foster. Para este mismo tiempo surgió el antidiseño, que se opuso al racionalismo y a la visión de la función social y cultural de la arquitectura. Como contraataque apareció el neorracionalismo y con este el regreso de lo funcional siendo sus precursores el grupo italiano Tendenza y los Five architects. 

Robin Hood Gardens de Smithson

Fuji Television building, Odaiba de Tange

Casa Vanna Venturi

Pabellón de EU en Expo 67 de Buckminster

Torre caja, Madrid de Foster

Ya para la altura de 1975 se desarrolló la arquitectura posmoderna que reinterpretó otros estilos y se basó en el eclecticismo (combinación de estilos) ejercido por James Stirling en sus obras. Pero un cambio más devenía en el curso de la arquitectura que destacó la fragmentación, el empleo de un proceso de diseño no lineal y el manipular las estructuras, tal cual lo hizo Frank Gehry con esta corriente de deconstructivismo. Si bien advinieron muchos cambios para este siglo en el campo de la arquitectura, imagínense los que tuvo la pintura y demás medios artísticos. De ahí, que la vanguardia traduzca muy bien los cambios de este arte del siglo XX. Las vanguardias serán nuestra próxima parada y se examinarán cada una de ellas. 

Facultad de Historia, Universidad de Cambridge de Stirling

Centro Stata de Gehry

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El primer "selfie"

Hoy día los "selfies" son tan populares y todo mundo cree que es el nuevo avance en la tecnología. Sin embargo, en el mundo de la fotografía en el siglo XIX se empleó el autorretrato que se refiere a un retrato de la persona que lo hace, es decir, un "selfie". Por medio de este se muestra el individuo puesto que se acerca al mismo, estableciéndose como una manera de ver, pero no la única. Este concepto de autorretrato implica un proceso de auto-análisis o examen. En el campo de la fotografía, Julia Margaret Cameron es la que se dedicó a trabajar este tipo de acercamiento al sujeto. Ella era una aficionada por la fotografía que en 1863 comenzó a experimentar en el campo con una cámara que le regaló su hija. Un año más tarde logra su primera fotografía y fue aceptada en la Sociedad Fotográfica de Londres y Escocia. Seis años después, en 1870, realiza un autorretrato en donde se puede ver la fotógrafa mostrándose a sí misma. Para que vean que no hay nada nuevo bajo el sol, más bien una idea lleva a otra: el autorretrato lleva al "selfie". A continuación les muestro el primer selfie de la historia fotográfica.

Julia Margaret Cameron, 1870

1,2,3... ¡Foto!

Hace un tiempo atrás, en 1839 Sir John Herschel empleó la palabra fotografía y planteó que no es otra cosa que dibujar con luz. Sin embargo, con ella se relaciona un concepto que existió desde el siglo VIII, pero que encontró su utilidad en el siglo XVI: la cámara oscura. La misma se refiere a un lugar oscuro donde se abre un espacio o lente que permite la entrada de luz, pero no tuvo la capacidad de plasmar lo que captura de forma permanente, es decir, una imagen. No obstante, para el siglo XIX la fotografía se concibe como un tipo de gráfica (capacidad de crear muchos originales de una matriz) que se crea mecánicamente mediante la captura de la radiación emitida por los objetos a través de un medio sensible. Al ser gráfica hereda la cualidad de ser multiejemplar, además de ser familiar, moderna y sofisticada.

La primera fotografía fue lograda por Nicéphore Niépce en Francia en 1827 mediante el uso de un cristal con solución fotosensible y sobre ello la obra original. Era una especie de calco puesto, era papel contra papel que tenía que exponerse 12 horas al sol para el revelado de la imagen. Con Niépce se estableció el principio de la fotografía sin el uso de la cámara porque no la había. Niépce se asocia a Daguerre, que da el inicio a la fotografía con sus daguerrotipos o fotos que produce de uno en uno mediante la combinación de óptica, arte y espectáculo. Un ejemplo lo es el Daguerrotipo de una bailarina española de la escuela bolera de 1850. Luego Daguerre regala la patente al gobierno francés y de Francia se difunde al mundo entero, convirtiéndose en un medio global. 

Vista desde la ventana en Le Gras, primera foto

Daguerrotipo de bailarina española

Por otra parte, en Gran Bretaña Talbot desarrolló un calotipo (trabajar a partir de un negativo), de ahí que en 1839 presentara el primer negativo sobre vidrio y haya mostrado retratos disponibles a las masas. "Árboles relfejados en agua" es un ejemplo del trabajo de Talbot. La fotografía en Gran Bretaña fue multiejemplar, fue difundida por clubes, su aplicación fue al retrato porque era más económico. Así, la misma implicó innovación, formalidad y una relación con el autor a la vez destacó el elemento de velocidad reflejado en lo instantáneo de las imágenes. En 1849 se encontró esparcida a nivel mundial como tecnología viral y polémica. Como polémica provocó disputas entre artistas y fotógrafos entorno a si era arte o no. Además, se estableció que no compone porque la máquina es quién hace la foto y no hay composición. Otro cuestionamiento fue que no cuenta, la fotografía no narra, y por consiguiente. desarrollaron una  fotografía que cuente.  

Áboles reflejados en agua, Talbot

Para el siglo XIX se dio una fotografía que cuenta y que fue quién sustituyó a la pintura y al retrato puesto que no tenían la capacidad de contar como ella lo iba a hacer. Este tipo de fotografía se le conoce como foto narrativa y se  caracterizó además, por tener paisajes e incluir el elemento teatral en su composición. Lo que cuenta no necesariamente tenía que ser real como lo hacía Lewis Carroll, el cual hacía fotos con niñas orientado a mostrar una escena no real, pero teatral. Junto a la foto narrativa surgió el autorretrato que supuso un acercamiento al sujeto y se postuló como una formar de ver dentro del standard de la fotografía artística. En este género resalta Julia Margaret Cameron con el retrato "I wait" de 1860. 

Alice Liddell por Carroll 1858

"I wait" de Cameron

Este mundo de la fotografía estableció que no hay límite sobre qué fotografiar, no persigue la tradición, es un género que captura cosas inusuales que no se representan en arte. El medio fotográfico se va a caracterizar por su mentacidad o capacidad de decir mentiras y opacidad o relación entre palabras y fotos. Las imágenes previas son muestras de estos dos conceptos.

Luego de haber desarrollado su fase mecánica, la fotografía se dirige a su otra fase: el pictorialismo. El mismo denotó un énfasis en la superficie y espacios profundos para parecerse a la pintura moderna. Alfred Stieglitz mostró esa sensación de superficie a través su foto "Central Yard" en 1910. Incluso, otro elemento importante en esta fase será la visión mediante la técnica de cercanía o close-up y la de fragmentación o encuadre. En el Retrato de Georgia O'Keeffe de 1918 Stieglitz aplicó el encuadre, mostrando una parte de la figura. 

Central Yard de Stieglitz

Retrato de Georgia O'Keeffe de Stieglitz

Por otra parte, apareció la estética fotográfica como una forma distinta de mirar a través del lente enfocada en la nitidez y precisión. Steichen en la foto de Gloria Swanson de 1920 aplicó este concepto añadiéndole un velo de encaje sobre ella y logró un cambio a nivel estético. En paralelo estuvo la fotografía abstracta que creó su propio campo visual y que destacó la fisicalidad de los espacios. Radio Tower de 1928 de Laszlo Moholy es un ejemplo de ello. Por otro lado, se dio la foto-instante que se basó en la estética del momento justo donde la fotografía es lo que el fotógrafo escoge, aquí se trata del ojo componiendo para obtener ese instante, teniendo presencia, temporalidad y formalidad.  

Foto de Gloria Swanson de Steichen

Radio Tower de Moholy

Entre las décadas 20-30 se desarrolló la fotografía artística que comprendió el ensayo fotográfico en donde se emplean muchas fotos para dar significado. Este género fue trabajado por Brasai y Robert Frank. Sin embargo, para la década del 70 el énfasis estuvo en la documentación, en denotar esa relación entre palabra e imagen. Los destacados en este campo lo son: Martha Rosler, Sherman y su trama narrativa, Morimura y la apropiación de obras, y Struth con la futilidad de la experiencia estética dentro de los viajes. 

La fotografía como medio artístico supuso un cambio sustancial en el mundo del arte puesto que tiene la capacidad de capturar un instante o momento permanentemente por medio de la imagen. A la vez que difunde su cualidad democrática siendo accesible a las masas por su rapidez, por ser más barata, relacionarse con lo cotidiano y familiar, además de permitir que cada uno tenga acceso a su propia imagen. La misma estableció un quiebre inmediato y sustancial con la tradición artística y sus cánones al no establecer límites sobre qué capturar y revelar al observador.

La semana próxima los espero con el arte del siglo XX y las vanguardias. Recuerden visitar Arte Espacio en las redes sociales y compartir la información. Mil gracias. Hasta la próxima. Un fuerte abrazo a todos.