Menos es más

Imaginen que estamos en la escuela y nos asignaron hacer un cohete casero para la clase de física. Entonces, ¿qué materiales vamos a emplear? Podemos usar cartón o “foam” (que se utiliza para colocar frutas, de ese que se ve en el supermercado), cinta adhesiva o pega, hilo y demás. Es necesario utrilizar la menor cantidad posible de materiales, síque es un reto. Ahora que tenemos los materiales podemos proceder a construir el supuesto cohete que si nos queda bien hasta podemos usarlo para ir a la luna. 

Según se hizo para hacer el cohete, en el mundo del arte existió un movimiento llamado arte minimal que se dirigió a la creación de obras a base de materiales industriales. Así para hacer una obra era necesario emplear pocos materiales, de ahí su nombre. Dicho movimiento partió de la idea de menos es más para hacer notar que era posible realizar una obra de arte sencilla sin requerir de tanto. 

Algunas de las obras eran realizadas por los artistas y otras los artistas las mandaban a hacer. Como resultado se obtenía un producto cuasi-industrial puesto que implicaba el uso de artefactos industriales y las habilidades del artista en el proceso de construcción. Su tendencia se orientó a reducir las variables de color y a reaccionar a las propuestas del arte pop. Este movimiento es heredero del constructivismo porque supone la acción literal de construir algo y del ready-made puesto que se basa en algo que está hecho y recurre al ensamblaje de objetos o encuentro fortuito de ellos. 

Dentro de este movimiento artístico Donald Judd, Carl Andre, Sol Lewitt y Richard Serra representan la concepción del arte minimal. Judd en su obra Stacks muestra cuadros tridimensionales pegados al muro para representar esa unión entre lo escultórico y lo pictórico. Además, emplea un solo color y material. Carl Andre en Equivalente número 8 presenta una serie de sillares unos sobre otros y todos sobre el piso. Sol Lewitt en Variaciones tripartita utiliza cubículos de medidas iguales con espacio entre ellos para mostrar una estructura sometida a la matemática. Se trata de la repetición del mismo objeto por lo que resulta en una escultura geométrica.  Serra en Site specific hace un gran pared de acero con una ubicación específica consultada a ingenieros. 

Stacks

Equivalent 8

Variaciones tripartita

Site specific

Todas estas obras tienen el denominador común de utilizar pocos materiales en el proceso de realización de la misma porque menos  es más. Nuevamente el arte nos presenta una fase en su proceso evolutivo a lo largo del tiempo y cómo su concepción cada día se enriquece de tal manera que agrupa una multiplicidad de variaciones. 

El mundo del arte sigue sorprendiendo por eso te invito a que sigas en contacto con Arte Espacio y sus nuevas historias todos los viernes. Recuerden visitar su blog favorito en las redes sociales y compartir la información. ¡Hasta la próxima amigos!

Mundo de las ideas

¿Alguna vez te has preguntado si los objetos son solo eso o hay algo más allá de ellos? La realidad es que estamos tan inmersos en nuestro mundo que es bastante improbable que hagamos este tipo de reflexión acerca de un objeto en particular. Como bien dicen por ahí existen diversas maneras de percibir las cosas. Tomemos de ejemplo un lápiz. ¿Qué es un lápiz? Se puede decir que es un instrumento, algo con lo que se escribe. Sin embargo, esta es una de las tres definiciones sobre él y la misma designa los límites del objeto, nos dice qué es, para qué sirve, etc. También está la imagen del lápiz que es sugerida por una foto mostrando su dos o tres dimensiones y porque no es el objeto en sí sino una imagen de él. Por último, se encuentra el lápiz físico y literal, el objeto tridimensional. Lo mismo sucede con los demás objetos, pero por si no habíamos realizado dicha reflexión esta vanguardia artística nos conduce a pensar en ella. 

Para los años 60 surge el arte conceptual, el cual plantea la prevalencia de la idea sobre lo técnico y lo artesanal en una pieza artística. Su nombre así lo designa conceptual de concepto  e idea, así que no se trata del objeto físico sino de la idea sobre él. Este arte se orientó a valorar la idea bajo la influencia de Marcel Duchamp y el DADA a la vez que denunció la poca conciencia de la sociedad ante lo que ven. Por medio de las obras artísticas lanza su crítica para provocar la reflexión y el cuestionamiento de aspectos importantes en el mundo del arte. 

Dentro de los exponentes de este movimiento artístico se encuentra Robert Rauschenberg, quién con su obra Erase de Kooning Drawing pretendió dejar claro que lo importante no era el dibujo que Kooning había realizado sino el gesto del artista de borrar dicho dibujo. Lo mismo ocurre con Yves Klein y sus antropometrías en las que pinta a las modelos y luego las arrastra por todo el lienzo. Joseph Kosuth en su obra One and three chairs se encargó de presentar esa reflexión acerca de las tres definiciones distintas de la silla: concepto, imagen y objeto físico. Francois Morellet en Blow up explora la sucesión de líneas y es otro ejemplo de que lo esencial para este movimiento vanguardista es la idea. Por último, John Baldessari en su obra Freud y Emma presenta la idea de los roles de poder traducida a través de las figuras puesto que Emma parece una escultura deteriorada y Freud es una foto.

Erase de Kooning Drawing

Antropometrías

One and three chairs

Blow up

Freud y Emma

Puede que este movimiento vanguardista no haga sentido del todo, sin embargo hay que recordar que las vanguardias abrieron espacio a un sinnúmero de manifestaciones artísticas con la intención de romper con los cánones previamente establecidos. Cada día que pasa el arte nos sorprende y nos hace reflexionar de una forma u otra.

Los espero la semana próxima por su blog favorito Arte Espacio. Recuerden visitar Arte Espacio en las redes sociales y compartir la información. Gracias y hasta la próxima. ¡Un abrazo!

OBRA de la semana

¡Hola a tod@s! 

Arte Espacio tiene una nueva sección para compartir con ustedes. Se trata de la obra de la semana. Cada semana se seleccionará una obra de arte y se proveerá información básica. Arte Espacio le interesa saber su opinión y demás información que puedan aportar sobre la misma. Es un espacio para dialogar. Espero sus comentarios. Que tengan lindo día. 

Multitudes

Imagina que estas sentado en una banqueta dentro de un centro comercial. Observando a tu alrededor  lo único que ves, además de personas, son tiendas donde se venden cosas. En este escenario las personas son consumidores que van a estos puestos de venta a comprar. De esta forma, estamos metidos en el mundo del consumo donde los productos son diseñados para las masas, es decir, las personas/consumidores. Cada día se compra más y se pierde la unicidad y de esta forma se pasa a la uniformidad, todos usamos las mismas cosas. Es posible  que dentro de poco ya no nos podremos diferenciar. Tanto así que existe un 99.99% de probabilidad  de que  la camisa que compraste hoy otras personas la tengan y es bastante probable que coincidas con una de ellas en algún lugar y esten usando las misma camisas. 

Mientras nosotros nos vamos dirigiendo a la uniformidad el arte cada día sigue a la vanguardia y se hace destacar con su constante cambiar en el tiempo. Para mediados de los años 50 a los 70’ surgió el arte pop en Estados Unidos e Inglaterra simultáneamente. Fue un movimiento artístico que apeló a la sociedad de masas y consumo  a la vez que concibió a la masa como un fenómeno social. De ahí deriva su nombre de arte pop que viene de popular y se refiere a la masa. Se encargó de expresar a través de sus medios la falta de creatividad de la masa resaltando el malestar del individuo dentro de la uniformidad de la sociedad de consumo. Por consiguiente, se nutrió de lo cotidiano, lo común y el kitsch (arte que apela al bolsillo) para criticar el fenómeno y subvertir el arte del momento. Incluso, por medio de la unión del arte bajo con el arte alto ennobleció y elevó a una categoría de igual al arte bajo dejando claro que no hay línea que los divida. 

Fueron muchos artistas los que se dieron a la tarea de alzar una voz de crítica a la sociedad de masas a través de sus obras de arte. Entre ellos destacan Larry Rivers con su obra Washington crossing the Delaware la cual se presenta como una pintura de historia que narra un suceso de la historia de Estados Unidos de forma abstracta. De esta manera, es una mezcla entre expresionismo abstracto y arte pop por los grandes brochazos y pinceladas sueltas, además de su sentido no verista.

Por otro lado, Richard Hamilton con su enorme collage titulado Qué es lo que hace a los hogares contemporáneos tan peligrosamente atractivos muestra la historia de los hogares del momento al igual que la sociedad de la época y las propagandas publicitarias que impregnaban dichos espacios. La obra resulta en una conjunción de elementos importantes para la cultura entre los cuales se puede hacer mención de la primera película con sonido The Jazz Singer, el fisiculturista Zabo, la modelo famosa Joe Baker, el arte bajo de los comics, electrodomésticos, anuncios, etc. 

Rauschenberg con Bed realiza una obra muy particular puesto que toma una colcha y la pinta en la parte superior al estilo expresionista abstracto convirtiéndola en un ready-made. Mientras tanto, Roy Lichenstein en M-Maybe utiliza tirillas cómicas para narrar una historia de la cual solo muestra un fragmento que viene a ser el todo de la imagen. Los pixeles son elementos estilísticos que se marcan con la resolución de la imagen. Andy Warhol con su obra Campbells tomato soup ennoblece un producto común y lo eleva a una categoría de mayor prestigio. 

Bed

M-Maybe

Para resaltar la tendencia  a la uniformidad y la noción de multitud Jasper Jonhs en Target with four faces logra una combinación de cuadros y escayolas de rostro muy parecidas. En la obra el blanco es uno pero aquí hace un cambio, el blanco es único y lo repetido se aprecia en los rostros que se parecen. De esta forma muestra un juego entre la copia y la no copia puesto que el blanco es usualmente blanco y aquí tiene otro color en contraste con los rostros que normalmente son diferentes y en la obra son parecidos. Por último, Tom Wesselmann en Bañera se encargó de traducir a una instalación elementos literales como toalla, cortina, cesta, etc. y además mostrar el Great American Nude para destacar zonas erógenas (senos, boca y pubis) con la intención de mostrar lo privado en público. 

Target with four faces

Bañera

Finalmente el arte pop se sirvió de sus medios y del fenómeno social de las masas para denunciar la uniformidad y la multitud  producto de la sociedad de consumo. Sin duda el arte sigue sorprendiendo cada vez más con su evolución, cada paso es el inicio de una revolución que se avecina. 

Recuerden visitar a Arte Espacio en las redes sociales y compartir con todos la información. Un fuerte abrazo y los espero la próxima semana con arte conceptual. Hasta la próxima.

Saludos

!Hola a tod@s! Arte Espacio está de vuelta con mucha energía luego de unas vacaciones. Espero que ustedes hayan tenido sus vacaciones porque son necesarias para descansar y recuperar fuerzas. Les cuento que Arte Espacio llega con más artículos a publicar y recuerden que siempre son bienvenidas sus comentarios y sugerencias. Recuerden que las visitas son gratas y este blog los espera en facebook y twitter para contarles una nueva historia cada semana. Siempre es bueno compartir así que comparte la información de este blog con otros. Arte Espacio les agradece por dedicarle un poco de su tiempo a lo que ofrece y por su apoyo. Mil gracias y que tengan una hermosa semana. Les mando un abrazo. Los espero el viernes por su blog favorito Arte Espacio. Chao.

Emoción abstracta

Durante nuestra infancia es probable que nos hayamos enfrentado al arte de pintar. Papel, pinceles y temperas que ante nuestros ojos parecían totalmente desconocidos hasta que un adulto nos muestra que podemos derramar esos colores en el papel usando un pincel. Una vez hecho ese magnum descubrimiento comenzamos a hacer cosas que no resultan distinguibles ante los ojos de otras personas, pero para nosotros si lo son. El punto es que no importa si se puede discernir que se pintó o no, sino el hecho de que por ese medio expresábamos algo.

Con el fin de la Segunda Guerra Mundial en Estados Unidos de América surgió un movimiento llamado expresionismo abstracto en el nuevo centro mundial del arte: Nueva York. El mismo permitió expresar estados de ánimo de los artistas a la vez que no representaba nada de la naturaleza ni de la realidad.  Dicho movimiento disfrutó de una gran aceptación puesto que se distanció de la realidad social para explorar un nuevo mundo. Por consiguiente, fue favorecido políticamente para opacar los problemas sociales de la nación en cuestión. Clement Greenberg se convirtió en el teórico del expresionismo abstracto y argumentó que la pintura se distingue por una superficie plana con colores. 

Dentro del expresionismo abstracto surgieron unas vertientes que representaron un nuevo acercamiento en el mundo artístico. La pintura de acción se orientó a expresar sensaciones de movimiento, velocidad y energía a través del color y la materia. Por otro lado, la pintura gestual es la que el artista se introduce en la obra y el pincel se convierte en parte del mismo. El dripping o chorreado se refiere a una pintura que se diluye para que sea menos espesa y pueda correrse, por tanto, se deja gotear sobre el lienzo o se salpica con las manos, pinceles u otro instrumento. 

No obstante, se presentaron vertientes de la abstracción como la geométrica caracterizada por el uso de formas geométricas combinadas en el lienzo. La abstracción lírica permitió la expresión de la emoción pictórica del artista, mientras que la post-pictórica se distinguió por aplicar color de manera uniforme sin requerir intención de llevar algún mensaje. En ella la pintura justifica su propia existencia. 

Entre los artistas que trabajaron bajo este movimiento se encuentra el mayor exponente: Jackson Pollock. Pollock pretendió profundizar por medio de la pintura en el inconsciente humano, además utilizo la técnica del chorreado. El elemento azaroso es parte de sus obras que se destaca por esa expresión de delirio reforzado con capas de color que provocan una sensación de profundidad. Algunas de sus obras son: Number one, Mural entre otras. Otros artistas se dedicaron a trabajar los campos de colores o color field. Los campos de colores refieren a áreas de color liso y sólido en un lienzo para crear uniformidad, a través de ellos el color se posiciona como sujeto. Mark Rothko en su obra Naranja, rojo y amarillo muestra muy bien los campos de colores. Lo mismo sucede con Robert Motherwell quién trabaja con manchas de color negro sobre fondo blanco tal como lo hace en Elegía a la tercera república. Otros que trabajaron el color field son: Bartner Newman en Vir heroicus sublimis, Kenneth Noland en Vía blue, Hellen Frankenthaler en Movable blue (empleó la técnica de teñido de tela con acuarela), Jules Olitsky en Green goes around, Franz Stella con Nunca para nada (une lo escultórico con lo pictórico en formatos de fondos negros con línas blancas) entre otros. 

Number 1

Mural

Elegía a la tercera república

Naranja, rojo y amarillo

Vir heroicus sublimis

Vía blue

Movable blue

Green goes around

Nunca para nada

Por otra parte, Lucio Fontana se destacó por ser un artista que rasgaba la tela del lienzo con una navaja. Su obra Concepto espacial es muestra de ello. Por su parte, Ives Klein es reconocido por hacer esculturas de escayola (yeso) y por establecer el azul Klein o el International Klein Blue (IKB) empleado en su obra Blue Venus. Finalmente, con el expresionismo abstracto se establece una nueva marca en la vida del arte permitiendo explorar un mundo de posibilidades que rebasan los lienzos.  

Concepto espacial

Blue Venus

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